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17/06/2015

Pour toi j'ai tué / Criss Cross - 1949

"Criss Cross" ou en français "pour toi j'ai tué", nous rappelle tout de suite un autre film noir, de Robert Siodmak avec Burt Lancaster, que les plus cinéphiles connaissent déjà sans doute : "les tueurs" (1946). Lancaster reprend comme dans "les tueurs", un personnage marqué par un destin auquel il ne peut échapper. La distribution est étincelante avec Yvonne De Carlo, Dan Duryea et Stephen Mc Nally. On se rappelle de Dan Duryea pour ses rôles dans d'autres films noirs, en particulier ceux de Fritz Lang, comme "la femme au portrait" ou "la rue rouge" ou pour ses multiples rôles de méchants dans d'innombrables westerns. Pour Yvonne de Carlo, je pense que les habitués de ce blog et les amateurs de western, connaissent parfaitement sa filmographie. On peut citer "les dix commandements" (1956), "le barrage de Burlington" (1948) là aussi avec Dan Duryea, "l'esclave libre" (1957) avec Clark Gable, ou encore "les démons de la liberté" (1947) avec Burt lancaster.

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Le film reprend, quelques uns des stéréotypes du film noir : femme fatale, situation impossible, figure du gangsterisme etc. Mais le film de Siodmak se distingue de son prédécesseur, par une photographie plus discrète. Enfin, l'intrigue est marquée par la relation amoureuse entre Burt Lancaster et Yvonne De Carlo, qui est un point essentiel du scénario. L'avantage est que cela ajoute un petit côté mélodramatique à l'ensemble. L'inconvénient est que cela enlève évidemment un peu de force au film. Une foi n'est pas coutume, je n'ai pas été totalement convaincu de l'interprétation de Dan Dureya, sauf dans quelques scènes majeures en particulier la dernière scène, où on aurait pas su mieux faire, où il arrive parfaitement à faire passer les différentes émotions de son personnage, en quelques secondes très marquantes. Au profit du film, on peut noter la superbe musique d'un Miklos Rozsa très inspiré et le premier rôle de Tony Curtis, absent au générique, il est vrai cantonné à de la figuration. On pourra reproché à l'ensemble quelques ellipses scénaristiques, assez mal venues. Pour le reste, ce n'est que du bon.

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Ci-dessus : Yvonne De Carlo & Burt Lancaster

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Ci-dessus : Yvonne De Carlo & Dan Duryea

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Ci-dessus : Yvonne De Carlo & Burt Lancaster

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Ci-dessus : Burt Lancaster & Stephen Mc Nally

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Ci-dessus : Yvonne De Carlo & Burt Lancaster

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Ci-dessus : Burt Lancaster

 Présentation de Bertrand Tavernier :

 

Titre original avec la musique de Miklós Rózsa :

 

Extrait :

Disponible en DVD zone 1 VO sous-titrée français. Attention le film n'est pas compatible sur une PS3. Pour une compatibilité totale, voir l'édition Zone 2 de Carlotta de 2007.

Note : 7,5 / 10

06/05/2015

Le temps d'aimer et le temps de mourir / A Time to Love and a Time to Die - 1958

"Le temps d'aimer et le temps de mourir" est sans doute l'un des plus personnels de Douglas Sirk. En effet, Douglas Sirk était d'origine allemande, de son vrai nom Hans Detlef Sierck, et né à Hambourg le 26 avril 1897. Il devait quitter l'Allemagne en 1937, abandonner son fils membre du parti nazi, et rejoindre les USA, pour entamer après bien des métiers, une carrière de réalisateur. Son fils Klaus Detlef devait quant à lui, mourir sur le front russe au printemps 1944. Tiré du célèbre roman éponyne d'Erich Maria Remarque, auteur, mais aussi acteur dans cette production, Sirk nous donne sa vision de l'Allemagne du 3ème Reich, mais semble aussi nous donner une vision intimiste des derniers jours de son fils. On raconte qu'il passa une année à chercher des informations sur son fils pour comprendre ce qui lui était arrivé. Le film nous décrit donc, le retour d'un soldat allemand du front russe pour une permission, et sa découverte de l'Allemagne nazie en guerre, et en proie aux bombardements. Le héros découvre sa maison d'enfance réduite à un tas de décombres, et part à la recherche de ses parents. Sur ce scénario simple, Douglas Sirk nous donne donc un drame puissant, décrivant peut être pour la première fois dans le cinéma hollywoodien, les nazis comme des êtres humains comme les autres. Et c'est peut être le plus terrifiant de cette oeuvre. Ainsi, l'Allemagne nazie nous renvoie une image de nous même et de notre propre humanité, capable du meilleur comme du pire. Au delà, d'une description d'une Allemagne qui se meurt, le réalisateur aborde le thème de l'amour, ainsi que du caractère éphémère du bonheur, qui ne dure jamais bien longtemps. Sirk ne décrit pas le régime nazi, comme le régime responsable des pires horreurs de l'humanité, mais bien comme un régime qui nie l'individualité de l'être humain. La société est omniprésente, jusque dans l'intimité des relations amoureuses. Par cela, par cette possession de l'âme, et du corps des individus, le nazisme dénie tout libre choix, toute réflexion propre. L'homme n'est plus qu'un rouage du système. Celui qui s'en éloigne signe alors sa propre mort. Inoubliable drame, sublimé par la musique de Miklós Rózsa, "le temps d'aimer et le temps de mourir" est peut être le film le plus intime de Sirk sur son rapport filial, et qui pose question en résonance sur notre propre humanité. L'enfer c'est les autres, disait Sartre, c'est une réalité pour Sirk.

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Ci-dessus : Liselotte Pulver & John Gavin

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Ci-dessus : Erich Maria Remarque & John Gavin

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Ci-dessus : Liselotte Pulver

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Extrait de la musique de Miklós Rózsa :

 

Difficilement disponible en DVD, donc remerciements chaleureux à Arte pour la récente diffusion de ce chef-d'oeuvre, en espérant une prochaine sortie Bluray prévue en 2015 ou 2016.

Note : 8 / 10

13/02/2015

La vie passionnée de Vincent Van Gogh / Lust for Life - 1956

Il y a des films qui marquent plus que d'autres. "La vie passionnée de Vincent Van Gogh" est de ceux là. Ainsi, Vincente Minnelli est ici très inspiré. Mais il est aussi aidé par deux monstres d'Hollywood : Kirk Douglas et Anthony Quinn. Kirk Douglas arrive à transfigurer son personnage, pour épouser littéralement la personnalité tourmentée de Van Gogh. De son côté Anthony Quinn est un formidable Gauguin, et recevra d'ailleurs l'Oscar du meilleur second rôle masculin pour son interprétation. Le film est tourné pour une partie sur les lieux mêmes de la vie de Van Gogh. Ainsi, la première partie, est tournée dans la région de Mons-Borinage, en Belgique. La musique tourmentée de Miklós Rózsa joue également un grand rôle, et épouse parfaitement le portrait du peintre, en magnifiant les tourments de l'artiste. Le film s'inscrit parfaitement dans une partie de l'oeuvre de Minnelli, qui nous montre l'inadaptation à la vie de certains de ses personnages. Ainsi, déjà dans "Madame Bovary" (1949), Minnelli nous montrait déjà un personnage de femme incapable de se satisfaire de sa vie de femme de médecin de campagne, obligée de vivre de rêves, et de dépenses folles. Jennifer Jones y était extraordinaire. Dans "lame de fond" (1946), on retrouvait aussi un anti-héros étrange (Robert Taylor), schizophrène qui détestait son frère. Dans une moindre mesure, on peut se demander si "les ensorcelés" (1952), ou "quinze jours ailleurs" (1962), ne traduisent pas aussi une inadaptation des personnages au monde qui les entoure.

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Porté par la réalisation sérieuse de Minnelli, par l'interprétation exceptionnelle et passionnée de Kirk Douglas, et par une musique bouleversante de Miklós Rózsa, "la vie passionnée de Vincent Van Gogh" est un chef-d'oeuvre du cinéma hollywoodien, archétype du film de peintre, qui nous parle de la vie avant de nous parler de peinture. Mais peut être aussi, "la vie passionnée de Vincent Van Gogh", laisse transparaître la mélancolie d'un Minnelli qui sent que son Hollywood est en train de disparaître. On ne saurait dire ce que Minnelli a mis de ses propres angoisses dans ce film. Le film n'en reste pas moins, comme une grande réussite du cinéma hollywoodien, dont le lyrisme mortifère a rarement été égalé depuis.

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Disponible en Bluray chez Amazon.es à 7,50 € et chez Amazon.fr à 25,90 €, l'édition française comportant un livret sur l'exposition "Van Gogh au Borinage - Naissance d'un artiste" (68 pages).

Note : 8,5 / 10

01/02/2015

L'orchidée blanche / The Other Love - 1947

"L'orchidée blanche" est une adaptation d'une nouvelle d'Erich Maria Remarque. Et c'est un bien étrange film, qui se veut être un mélodrame, mais qui est tourné comme un film noir, avec beaucoup de codes du film noir. Là le héros, est une héroïne, Barbara Stanwyck qui ne va pas lutter, contre un cartel du crime, mais contre un adversaire encore plus redoutable : la mort symbolisée par une orchidée blanche. Stanwyck, joue le rôle d'une grande pianiste classique, qui se retrouve dans une clinique pour personnes atteintes de la tuberculose ou d'insuffisance respiratoire. Elle tombe rapidement amoureux de son médecin, joué par David Niven. Mais qui est il vraiment ? La distinguée clinique ne cache t'elle pas de sombres desseins ? Si le film nous parle de maladies pulmonaires, il semble pour lui même, se complaire dans une espèce de schizophrénie permanente. Ainsi, on ne sait pas bien jusqu'aux 15 dernières minutes, si il s'agit d'un film noir ou d'un mélodrame. Et le risque à trop vouloir se démarquer d'un genre, s'est de se retrouver au milieu de nulle part. Pourtant le film a aussi des qualités. Tout d'abord le casting est intéressant, Barbara Stanwyck est une actrice qui sait jouer et rendre crédible ses émotions. David Niven est ambigüe comme il faut, et Richard Conte a le charme qu'il convient. Il faut aussi noter la présence de Gilbert Roland en croupier vicieux.

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La réalisation est d'André De Toth, et on apprend sur les bonus et commentaires de Bertrand Tavernier, que c'est John Ford qui avait convaincu les patrons du studio indépendant, "Entreprise productions" de prendre De Toth en lieu et place de lui même. Le plus marquant est peut être aussi, la magnifique photographie de Victor Milner, qui sait nous ménager quelques moments sublimes, ou des scènes tellement proches du film noir avec des ombres particulièrement inquiétantes. A celà, il faut ajouter la belle musique de Miklós Rózsa et quelques extraits de jazz. Vous l'avez donc compris, "'orchidée blanche" a beaucoup de qualités formelles qui se perdent dans le scénario abscons de Ladislas Fodor et Harry Brown. André De Toth, racontera quant à lui, dans ses mémoires, l'influence réellement néfaste du producteur, David Lewis, pourtant ancien collaborateur de Thalberg à la MGM, qui lui aurait fait changer et rater la fin de son film. Quoiqu'il en soit, "l'orchidée blanche" est un film oublié même des cinéphiles, au ton drôlement étrange et inclassable. A noter enfin, qu'un film au scénario proche sera tourné, en 1977, avec Al Pacino, "Bobby Deerfield".

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Ci-dessus : Barbara Stanwyck

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Ci-dessus : Barbara Stanwyck

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Ci-dessus : Barbara Stanwyck & David Niven

Disponible en DVD Zone 2 VO sous-titrée chez Sidonis

Note : 5 / 10

11/10/2014

Les tueurs / The killers - 1946

"Les tueurs" s'inscrit dans l'ensemble de films noirs qui a pris la suite du film de gangsters, dont le cycle se termina avec l'entrée en guerre des USA. Le renouveau du film policier américain et l'apparition du genre film noir, est donc liée à l'apparition d'un nouveau genre, le film noir. Les premiers films de ce nouveau genre, sont "high Sierra" (1941) avec Humphrey Bogart, mais aussi "le faucon maltais", la même année. Mais c'est évidemment "Assurance sur la mort" (1946) de Billy Wilder, après l'immédiate après guerre qui consacrera le genre définitivement. D'autres films auront moins de retentissement mais reste également, comme de bons films noirs. On peut citer pêle-mêle, "pris au piège" (1945), dont le scénario qui suivait l'enquête de cet ancien GI bouleversé par la perte de sa femme, dénoncé par un traître pendant la seconde guerre mondiale, avait tout d'une enquête policière. "La mort n'était pas au rendez-vous" (1946) avec Humphrey Bogart, est aussi un film noir de valeur. Donc le genre est en 1946, à son apogée. Pour "les tueurs", Robert Siodmak utilise tous les codes du genre, et se sert du contraste noir & blanc avec un grand succès, sans les systématiser à chaque scène. Il faut dire à ce propos qu'il a bénéficié de l'excellentissime photographie d'Elwood Bredell. Le scénario est quant à lui, adapté d'une nouvelle d'Ernest Hemingway, et est composé de 11 flashbacks qui font penser à la structure de "Citizen Kane" d'Orson Welles, qui était lui composé de 5 flashbacks. On sait aujourd'hui que John Huston en a écrit les trois quarts et que comme John Huston avait un contrat avec la Warner, on nota au générique uniquement le nom de Anthony Veiller. Seule la première dizaine de minutes est proche de la nouvelle d'Hemingway, le reste est largement réécrit par les scénaristes et donc par Huston.

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Le film a une très bonne distribution avec en tête d'affiche, Burt Lancaster et Ava Gardner, mais il faut citer aussi Edmond O'Brien, pas si mal en inspecteur d'une compagnie d'assurance. Il faut noter que c'est le premier film de Burt Lancaster. Et pour son premier film, il est excellent. Le film reprend tous les codes du film noir, avec bien évidemment la femme fatale en la personne d'Ava Gardner. Le héros se détourne d'ailleurs de la femme qui aurait été pour lui, la meilleure épouse, jouée ici par Virginia Christine aveuglée par une autre femme qui ne peut lui apporter que la mort et la solitude. "Les tueurs" restent la description de vies gâchées par le crime, mais dont le moteur reste le plus souvent l'amour, désespéré, et au final tragique. Cela reste donc comme une oeuvre majeure de Robert Siodmak, du film noir, et tout simplement un très grand film, à la violence assez inhabituelle pour 1946.

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Ci-dessus : Burt Lancaster & Ava Gardner

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Ci-dessus : Virginia Christine, Burt Lancaster & Ava Gardner

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Ci-dessus à droite : Burt Lancaster & Vince Barnett

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Ci-dessus : Ava Gardner

Disponible en DVD et en Bluray zone B en VF et VO sous-titrée chez Carlotta

Note : 8 / 10

13/04/2014

Othello / A double life - 1947

"Othello" ou dans son titre américain "a double life" est particulitèrement troublant. En effet, cette oeuvre de Georges Cukor est assez déroutante et nous entraine finalement dans les troubles psychiatriques que peut entrainer le métier d'acteur. Cukor avait déjà visité la folie ou tout au moins un mauvais discernement du réel, dans "hantise" (1944) avec Charles Boyer et Ingrid Bergman. Ici, Cukor va prendre la pièce de Shakespeare, "Othello" pour montrer le dédoublement de la personnalité d'un acteur (joué par Ronald Colman) qui devient petit à petit obsédé par son rôle, et devient fou. Le génie de Cukor est de montrer les deux univers du théâtre et de la vie de l'acteur, se mêlant, petit à petit pour ne faire qu'un. La pièce devient alors le creuset de destruction de l'univers de l'acteur et sa propre destruction.

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Le scénario est original, mais il manque malheureusement de crédibilité. Et on a peine à croire qu'un grand acteur de théâtre ne soit plus capable de faire la différence entre sa vie théâtrale et sa vie privée. Enfin, le scénario n'évite malheureusement pas les redites, et les lourdeurs. Par contre Cukor arrive de temps en temps à faire preuve de génie dans sa réalisation. Ainsi, lorsque Ronald Colman raconte le montage de la pièce, jusqu'à la première, cette séquence reste très moderne et nous fait passer de différents lieux et espaces temps en quelques secondes, donnant un caractère particulièrement novateur à l'oeuvre. Malheureusement ce type de séquences reste une exception et l'oeuvre souffre de séquences scénaristiques finalement assez répétitives. Par contre, la musique de  Miklos Rozsa reste comme d'habitude excellente et relève le niveau d'ensemble, d'un film qui ne laisse pas indifférent. On retiendra également, la superbe interprétation de Ronald Colman qui lui vaudra un Oscar, et la très bonne composition de Shelley Winters, en serveuse un peu paumée.

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Ci-dessus : Signe Hasso et Ronald Colman

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Ci-dessus : Shelley Winters et Ronald Colman. On peut noter sur cette image, le rapport de domination entre elle et lui, qui va s'inverser à mesure que Colman va identifier sa vie à celle d'Othello.

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Ci-dessus : Le rapport commence à s'inverser. Si Colman est assis. Il semble satisfait de ce qu'il regarde et Shelley Winters semble vouloir le séduire.

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Ci-dessus : Les deux protagonistes sont assis. Le regard est irrémédiablement attiré par les mains de Colman qui vont être le dénouement final de la relation entre les deux personnages.

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Ci-dessus : Rolnad Colman et Signe Hasso

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Extrait de la musique de Miklós Rózsa :

Film disponible en DVD Zone 2 chez Wild Side en VO sous-titrée (à noter une belle qualité d'image du Master).

Note : 7 / 10