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23/12/2016

La Pagode en flammes / China Girl - 1942

"La pagode en flammes" est autant un film qui met en avant la maîtrise du vieux routier Henry Hathaway, que de son immense directeur de la photographie Lee Garmes. Tourné en noir & blanc, pour le compte de la Twentieth Century Fox, "la pagode en flammes" permet donc à Lee Garmes de se surpasser pour nous donner des images formidablement contrastées qui se jouent du noir & blanc comme un peintre de la couleur. Il y avait des génies à Hollywood en 1942, et Lee Garmes en faisait bien partie. Le film est difficilement classable. Ainsi, il navigue entre le film de guerre, le film d'aventures, et la romance purement hollywoodienne. On profite de la présence de la magnifique Gene Tierney, mais aussi de la sexy Lynn Bari, qui essaye de voler le plus de scènes possibles à l'actrice principale. Lynn Bari de son vrai nom Margaret Schuyler Fisher, on la retrouve dans de nombreux films noirs où elle joue les rôles de méchants. Elle racontera d'ailleurs plus tard, "avoir une peur bleue des armes feu, mais que pourtant, on l'utilisait uniquement dans les rôles de femmes qui avaient un revolver dans leur sac, et qu'elle allait de plateau en plateau, abattant les gens et volant les maris." On regrettera que sa filmographie ne soit pas plus mise en avant aujourd'hui, car c'est une actrice avec un énorme potentiel. 

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Les acteurs masculins sont également très intéressants. Ainsi on retrouve George Montgomery dans le rôle d'un héros assez complexe torturé entre son amour des femmes et sa liberté. Victor McLaglen est ici dans un rôle de méchant qui lui est peu commun. Car Victor McLaglen c'est le sergent chef des plus grands westerns de John Ford sur la cavalerie américaine, mais aussi le personnage principal du "Mouchard" (1933) du même John Ford. Pour en revenir à "la pagode en flammes", on ne peut que louer la direction d'acteurs d'Hathaway, la photographie de Lee Garmes, la musique de Hugo Friedhofer et Alfred Newman. Mais on regrettera un ou deux plans ratés, comme au début la scène avec l'avion qui semble tellement sortir d'un plan d'un studio qu'on voit à l'écran les câbles tenant l'avion. En dehors de cette scène ratée, et des rapports très autoritaires de Montgomery avec un enfant birman, le film est parfait, et fait parfois penser à Casablanca tourné la même année. On ne saurait terminer cet article sans louer la musique exotique et symphonique du duo Hugo Friedhofer et Alfred Newman. On ne peut donc que remercier l'éditeur ESC pour son choix et les inviter à nous faire découvrir plus de films avec Gene Tierney ou la belle Lynn Bari.

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Ci-dessus : Gene Tierney & George Montgomery

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Ci-dessus : Gene Tierney & George Montgomery

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Ci-dessus : Gene Tierney & George Montgomery

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Ci-dessus : George Montgomery & Lynn Bari

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Ci-dessus : Lynn Bari

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Ci-dessus : Lynn Bari

Extrait de la musique :

Disponible chez ESC en DVD VO sous-titrée en français

 

Note : 7,5 / 10

30/04/2016

La ville abandonnée / Yellow Sky - 1948

"La ville abandonnée" est un western en noir & blanc, de William A Wellman. Le film bénéficie d'une belle distribution avec un trio d'acteurs, composés de Gregory Peck, Richard Widmark et Anne Baxter. Ce n'est que le deuxième de Richard Widmark, mais il s'impose déjà comme une future star. Gregory Peck mène une bande de hors-la-loi, dont le plus dangereux semble bien être Widmark, même si chacun d'entre eux, semble être un danger pour la jeune fille interprétée par Anne Baxter, qui découvre avec eux sa féminité. On peut noter également l'interprétation sérieuse de John Russell. La réalisation de William A Wellman est quant à elle, géniale, et la fabuleuse photographie de Joseph MacDonald sort sans aucun doute ce film de la masse des westerns produits par Hollywood en 1948. En effet, Joseph MacDonald joue sur le clair-obscur, pour parfois donner un ton de film noir à un western toujours rugueux et âpre, où le spectateur ne s'ennuie jamais. "La ville abandonnée" tournée dans une ville fantôme, aborde la vie d'individus coupés de la société, qui partent se cacher après un hold-up, mais dont la planque se trouvera être une mine d'or. Les personnalités des uns et des autres s'y révèleront sous leur vrai jour. Sidonis nous propose en Bluray, une superbe édition qui fait honneur à l'oeuvre de Wellman. La ville abandonnée est donc un film à redécouvrir de toute urgence. Pour finir cet article, j'ajouterai un voeu. En effet, ce serait formidable que Sidonis nous sorte un jour une édition Bluray du "train sifflera trois fois", avec une qualité comparable.

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Ci-dessus : Anne Baxter & Gregory Peck

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Ci-dessus : Anne Baxter

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Ci-dessus : Richard Widmark, John Russell, & Gregory Peck

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Ci-dessus : Anne Baxter

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La bande-annonce :

Ci-dessus : Gregory Peck & Anne Baxter

Film disponible en Bluray & DVD en Zone 2, en VF et VO sous-titrée français, chez Sidonis

 

 

Note : 8,5 / 10

29/02/2016

Le Démon des eaux troubles / Hell and High Water - 1954

"Le démon des des eaux troubles" est un improbable film de guerre en couleur et en Cinémascope, mettant en scène des sous-marins. Pourquoi improbable ? Car tout simplement le scénario est inepte et vide. En effet, si il nous replace dans un contexte de guerre froide, entre l'Occident et la Chine communiste. On ne croit pas un instant à cette histoire de scientifiques pacifistes, qui vont faire affréter un ancien sous-marin japonais, pour aller visiter des îles du Pacifique qui pourraient, potentiellement abriter une base secrète communiste, capable de lancer des missiles nucléaires. On adhère donc jamais un seul instant à ce scénario. On reste assez froid devant les péripéties de l'équipe. Et si la jolie Bella Darvi apporte un peu d'air à cet étouffant scénario, elle ne peut empêcher le film de lentement couler. Richard Widmark semble vouloir en faire des tonnes, pour tenter de sortir le film d'un sombre destin. Mais malheureusement, il n'y peut pas grand chose. Entre les têtes à têtes amoureux, alors qu'ils sont en territoire ennemi, rien est crédible. L'affaire est rapidement attendu. Cameron Mitchell, fait quant à lui un rôle de lourdaud, plus ou moins amusant. Non il n'y a quasiment rien à retenir de ce film du grand Samuel Fuller, sinon quelques belles prises de vues. On retient aussi en plus de Richard Widmark, la belle musique d'Alfred Newman. Pour le reste, le film sombre dès les premières minutes, et on se demande bien pourquoi, après l'avoir vu, pourquoi on ne l'a pas laissé dormir au fond de sa DVDthèque ou plus sûrement au fond des océans, 20 milles lieux sous les mers. Le mot fin, inscrit sur l'écran, reste ici à n'en pas douter, le meilleur moment du film.

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Ci-dessus : Richard Widmark & Bella Darvi

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Disponible en DVD Zone 1 sous le titre "Hell and High Water" en VF et VO sous-titrée.

 

Note : 3,5 / 10

21/06/2015

Quasimodo / The Hunchback of Notre Dame - 1939

Des milliers de films que l'on peut voir dans une vie d'homme, seuls quelques uns restent présents dans notre mémoire, comme des oeuvres mythiques et inoubliables. Incontestablement, "Quasimodo" de William Dieterle est de ceux là. Le film est évidement tiré du roman de Victor Hugo, "le bossu de Notre Dame". C'est un remake d'une version de 1923, tourné avec Lon Chainey dans le rôle titre. Cette nouvelle version, nous raconte donc une 'histoire qui se situe à la fin du Moyen-Age. Dans cette histoire, on retrouve les personnages du roman de Hugo : Quasimodo, le sonneur bossu des cloches de Notre Dame, Esméralda la belle bohémienne, aimée de tous, mais trop aimé par un homme trop frustré et dévot (Frollo), qui perd son âme à vouloir la posséder. La RKO a fait un énorme dans cette production énorme qui a coûté en 1939, 1,8 millions de dollars de l'époque. Et comme vous le savez, à cette époque, il n'y avait pas d'effets spéciaux. La recréation du bossu par les maquilleurs est donc magnifique. Et on imagine sans peine, la corvée quotidienne pour Charles Laughton et le maquilleur. Ainsi, on se rend compte que tout est parfait, et on a l'impression de voir réellement un monstre bossu. Mais ce qui est le plus bluffant, ce sont sans nulle doute, les décors somptueux, et la recréation du Paris du Moyen-Age, sur les 15 hectares du ranch de la RKO, dans  la San Fernando Valley par le célèbre décorateur Van Nest Polglase. Ainsi, on retrouve Paris de cette époque, avec ses rues sombres et au milieu Notre-Dame. Comment ont ils pu recréer cette ville sans aucun effet numérique ? Cela reste pour moi un mystère. Mais le résultat à l'écran est, en tous les cas, inoubliable. La distribution est quant à elle de très haut niveau avec dans un de ses premiers films, Maureen O'Hara qui crève littéralement l'écran du haut de sa beauté et de ses 19 ans. On doit citer évidemment Charles Laughton inoubliable bossu, mais aussi Edmond O'Brien plutôt pas mal ici, mais aussi Thomas Mitchell et Harry Davenport. Ces deux derniers se sont retrouvés la même année pour "Autant en Emporte le Vent".

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Mais "Quasimodo" n'est pas seulement marquant par ses décors, ses 3500 figurants, ses costumes ou son casting de rêve. Il est aussi marquant par une incroyable photographie et une musique bénie des Dieux d'Alfred Newman. Le film laisse donc un souvenir impérissable. Et on peut être sûr qu'il aurait raflé une pluie d'Oscars, si un des plus grands films de l'histoire du cinéma n'était pas sorti cette même année 1939 : "Autant en Emporte le vent". Je vous invite donc très fortement à vous procurer la superbe édition que la Warner a sorti en Bluray en Coffret ou en version individuel. En effet, la restauration de l'image et du son, au profit de cette édition est réellement somptueuse. Et on redécouvre le film quasiment comme si il avait été tourné hier. Vous bénéficierez enfin de quelques bonus sous-titrés en français. Vous pourrez ainsi profiter d'un des plus beaux films de l'histoire du cinéma et vous mettre vous aussi à crier : "Sanctuary !" "Sanctuary !"

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (Copie écran DVD)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Frollo (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus: Thomas Mitchell (Copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Charles Laughton & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Charles Laughton & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : "Que ne suis je de pierre moi aussi !"

 

Extrait de la musique d'Alfred Newman :

 

Montage vidéo :

Disponible en DVD & surtout dans une superbe édition Bluray zone Free, en VO sous-titrée français, totalement restaurée qui fait honneur à l'oeuvre originale. Disponible sur Amazon Espagne pour moins de 10 € (autant dire que c'est cadeau).

Note : 9,5 / 10

20/03/2015

Arènes sanglantes / Blood and Sand - 1941

"Arènes sanglantes" est un film en Technicolor, de Rouben Mamoulian  avec Tyrone Power, Linda Darnell et Rita Hayworth, dans les rôles principaux. Il est tiré d'un roman de Vicente Blasco-Ibanez publié en 1908, et c'est également un remake d’un mélodrame avec Rudolph Valentino sorti en 1922. Ce film a marqué profondément ma famille, car mon père s'en est inspiré pour peindre un tableau de torero. De plus les origines espagnoles d'une partie de ma famille, se réveillent un peu, devant un film qui célèbre du début à la fin la culture espagnole. On peut tout de suite dire, que l'on a déjà vu le trio Tyrone Power, Linda Darnell, Rouben Mamoulian. En effet, le trio avait déjà tourné, "le signe de zorro", l'année précédente. Ici, on a donc droit à un récit qui tourne autour de la vie d'un jeune torero, joué par Tyrone Power. Le récit commence dès son enfance misérable, et on voit l'enfant rêver devant une affiche de son père. Rouben Mamoulian arrive en quelques images à nous transporter de la chambre de l'enfant à un café, où les chants, les jeux, et les rires éclairent l'image. On peut noter en passant le superbe travail de Mamoulian et des deux directeurs de la photographie : Ernest Palmer, et Ray Rennahan. Rouben Mamoulian raconte à ce sujet : "Je me suis inspiré de la peinture espagnole, et en particulier de Sorolla, du Greco et de Velasquez, pour réaliser Arènes sanglantes. Ainsi, pour obtenir l’effet désiré alors que je filmais un crucifix, je le fis recouvrir de spray bleu, gris et vert. Afin que le fond restât dans l’ombre, j’utilisais également un spray qui eut pour effet d’obscurcir les zones que des raisons techniques nous obligeaient à maintenir éclairées."

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De cette histoire, où se mêle amour et tauromachie, le réalisateur arrive à tirer un film splendide, qui fait la part belle à la fière culture espagnole, mais qui sait dénoncer l'horreur de la corrida et du traitement que l'on réserve aux animaux, comme aux hommes. Ce film qui nous parle de la grandeur et de la misère du torero, nous parle aussi de nous. Car chaque être humain, s'élève pour ensuite retomber, parfois comme ici à cause d'une femme. On reste donc réellement ébloui devant ces couleurs magnifiques, cette recherche constante et ininterrompue de la perfection, mais aussi de tons colorés tellement parfaits, dans leurs agencements qui ravissent l'oeil. On est donc pas surpris d'apprendre qu'Ernest Palmer devait rafler l'Oscar de la meilleur photographie pour ce film. Mais la musique d'Alfred Newman, n'est pas non plus en reste, et s'inspire de nombreux thèmes espagnols, pour nous donner au final, un film d'une très grande qualité, que l'on oublie pas et qu'on veut revoir. Car lorsqu'on regarde un tel film, plus d'une fois, on a envie de se lever et de crier à plein poumon : Viva Espana !

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Ci-dessus : Tyrone Power

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Ci-dessus : Linda Darnell

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Ci-dessus : Rita Hayworth & Tyrone Power

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Ci-dessus : Rita Hayworth

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Ci-dessus : Linda Darnell

Disponible en Bluray sur Amazon.es (Espagne) avec une VF et VO sous-titrée anglais, autour de 9,50 €

Note : 8,5 / 10

29/01/2015

Sur la piste des Mohawks / Drums Along the Mohawk - 1939

Comme vous le savez peut être, l'année 1939 est l'année du renouveau du western dans le cinéma américain. Ainsi, le western avait eu ses heures de gloire, pendant la période du muet, mais malgré quelques exceptions, il était tombé dans la série B voir pire. On avait donc tourné beaucoup de westerns, avant 1939, mais souvent de très petits westerns. Donc 1939, c'est le retour du grand western avec successivement, "le brigand bien-aimé" avec Tyrone Power et Henry Fonda, mais c'est aussi l'année de "la chevauchée fantastique" d'un certain John Ford avec à l'affiche John Wayne. John Ford et Henry Fonda ont déjà tourné ensemble, cette même année 1939 "Vers sa destinée" (formidable film sur la vie du jeune Abraham Lincoln). "Sur la piste des Mohawks" doit donc être ajouté à la liste des grands westerns fordiens par son thème, qui nous montre un jeune couple de pionniers partant pour l'Ouest au moment de la guerre d'indépendance américaine. Ford se plait à filmer dans un style qu'il continuera d'utiliser bien plus tard, comme dans "la prisonnière du désert" (1954). On retrouve ce style si caractéristique, avec des ciels immenses, des personnages souvent minuscules et une nature toujours plus grande que l'Homme. Comme beaucoup d'historiens du cinéma, on peut supposer que le style de Friedrich Wilhelm Murnau (expressionniste allemand) a énormément influencé Ford dans son travail. "Sur la piste des Mohawks a pourtant été difficile pour Ford, car tout d'abord c'était son premier film en couleur, et qu'il a plut sans discontinuer les deux premières semaines. Ford retourne le problème de cette pluie pour nous donner une scène saisissante dans la cabane.

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Inspiré d'un roman de Walter D Edmonds, le scénario de Lamar Trotti, Sonya Levien et William Faulkner, commence là où beaucoup de westerns finissent par le mariage des deux personnages principaux : Henry Fonda et Claudette Colbert. On doute au début de la présence de Claudette Colbert dans un western. En effet, on était plutôt habitué, à la voir dans des comédies légères en particulier avec Clark Gable, comme "New-York Miami". Mais l'idée de Ford et du producteur Darryl Zanuck est génial, car il nous montre finalement la destruction du personnage habituel de Claudette Colbert dans cette nature sauvage. Alors c'est vrai que parfois dans certaines scènes, on doute un peu. Mais au final, l'idée marche plutôt bien. Les autres personnages secondaires sont comme à l'habitude avec Ford, très bien détaillés, en particulier celui de la veuve âgée et esseulée dans sa grande ferme (Edna May Oliver). Ford se sert du film pour nous faire passer sa vision de l'Amérique. Et il faut bien dire que le film est encore d'actualité. Car l'histoire d'un jeune couple qui s'installe et qui se retrouve au centre d'une guerre civile, plus ou moins ethnique, ne paraît pas si éloigné que ça de notre temps. "Sur la piste des Mohawks" est donc une très très bonne pioche de Sidonis, qui nous régale en plus d'un master de toute beauté, et d'un piqué quasiment chirurgical.

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Ci-dessus : Henry Fonda & Claudette Colbert

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Ci-dessus : Edna May Oliver & Claudette Colbert

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Ci-dessus : John Carradine

Disponible en DVD & Bluray en Zone 2/B, chez Sidonis Version Français et VO sous-titrée

Note : 8,5 / 10

09/11/2014

Le cygne noir / The black Swan - 1942

Contrairement à Mr Bertrand Tavernier, dans sa présentation, je ne pense pas que "le cygne noir", soit le début d'un genre qu'on appelle "le film de pirates". En effet, Hollywood s'était intéressé dès les années 20 aux films de pirates. Ainsi on peut noter une première version du fameux roman de Rafael Sabatini, "Captain Blood"  en 1924, dirigée par David Smith, mais aussi dès 1904, "The Pirates" par un réalisateur inconnu. Je peux également citer dans les films notables, "l'île au trésor" de Victor Fleming, ou encore la nouvelle version de "Capitaine Blood" (1935) de Michael Curtiz avec Errol Flynn et Olivia de Havilland, mais aussi "l'aigle des mers" (1940) avec le même Errol Flynn et cette fois-ci Brenda Marshall dans une réalisation toujours de Michael Curtiz. Ces deux derniers films étant des films Warner Bros, on peut supposer que le cygne noir est la réponse de la Twentieth Century Fox, aux succès colossaux de la Warner, dans ce genre. On peut tout de suite remarquer que Tyrone Power apporte moins de physique à son personnage qu'Errol Flynn, mais il le compense par une touche d'humour décalé. Tyrone Power partage la vedette Maureen O'Hara. On retrouve cette dernière bien plus tard, dans un film de pirates avec Errol Flynn, "Against all flags" ou dans son titre français "A l'abordage" (1952). Concernant la distribution, on peut noter que Tyrone Power et Maureen O'Hara sont bien entourés avec des seconds rôles de choix comme Thomas Mitchell, père de Scarlett dans "Autant en emporte le vent" (1939), Georges Sanders. On se rappelle de lui pour son interprétation, de lord débauché dans "le portrait de Dorian Gray" (1945), ou dans "l'aveu " de Douglas Sirk. Mais il est également dans plusieurs films d'Hitchcock, comme "Rebecca" ou "Correspondant 17". A cette distribution déjà prestigieuse, il faut ajouter, le capitaine Morgan, joué par Laird Cregar, et Anthony Quinn. Ce dernier était habitué aux seconds rôles en 1942. Ainsi, on le verra la même année en chef sioux, dans "la charge fantastique" de Raoul Walsh, défiant le général Custer, joué par Flynn.

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Pour en revenir au "cygne noir", on ne peut pas dire qu'il soit meilleur que ses prédéceseurs. Pourtant il a plusieurs qualités en plus de son casting de choix. Il est en couleur, et il réserve quelques surprises. Pourtant le film, ne peut se défaire d'une certaine naïveté des personnages qui nuit à l'ensemble. Ainsi, les personnages sont d'un bloc, sans passé, sans aspérité. Le traître de service, est un faible, sans qualité. On se demande bien pourquoi la belle Maureen O'Hara, a pu tomber amoureuse de lui. La psychologie des personnages est donc assez faible, et destine clairement le film à un public d'enfants ou de jeunes adolescents. La musique d'Alfred Newman, n'est pas ici très imaginative, et on regrette les grandes envolées lyriques d'un Korngold dans "Capitaine Blood" (1935), ou du même dans "l'aigle des mers". Le film est assez bien réalisé par Henry King. Mais on a connu ce dernier plus inspiré. Le Technicolor est plutôt sympathique. On regrettera donc un scénario quelque peu simpliste, des personnages trop peu crédibles, et finalement un manque de majesté du film, face à d'autres productions plus anciennes de la Warner Bros. L'avantage du "cygne noir" est que l'aspect décors de studio apparaît moins prononcé que dans par exemple "Capitaine Blood". Quoiqu'il en soit, ce serait stupide de se priver d'une belle édition Bluray française et d'un film plutôt bon, mais pas exceptionnel.

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Ci-dessus : Tyrone Power

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Ci-dessus : Thomas Mtichell

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Ci-dessus : Tyrone Power (de dos) & George Sanders

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Ci-dessus : Tyrone Power & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Tyrone Power

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Tyrone Power & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara, Tyrone Power (ligoté), Anthony Quinn, & Georges Sanders

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Film disponible en DVD & Bluray chez nos amis de Sidonis & Calysta (en VF et VO sous-titrée)

Note : 6,5 / 10

18/04/2014

Captaine de Castille / Captain from Castille - 1947

"Captaine de Castille" réalisé en Technicolor, fait parti de toute la série de films que Tyrone Power et Henry King ont tourné ensemble. Cette collaboration avait commencé en 1936 avec le tournage du "pacte". Puis, il s'était retrouvé l'année suivante pour "l'incendie de Chicago" (1937), en 1941 pour "un yankee dans la RAF", et enfin pour "le cygne noir" en 1942. Henry King allait ainsi au fil des années devenir le réalisateur préféré de Tyrone Power. Ici on retrouve dans "Capitaine de Castille" Tyrone Power dans des aventures exotiques, qui l'amèneront à rejoindre l'expédition mexicaine de Hernan Cortés. Le film bénéficie d'un casting impressionnant avec donc en plus de Tyrone Power, Jean Peters, Cesar Romero, mais aussi Lee J. Cobb  et Antonio Moreno. Pour la petite histoire, Jean Peters allait devenir évidemment la femme de Howard Hughes en 1954, et Audie Murphy raconte dans ses mémoires qu'il avait eut une relation avec elle en 1946, avant qu'elle rencontre Howard Hughes. On peut également noter que "Capitaine de Castille" est le premier film de Jean Peters qui remplace ici Linda Darnell, initialement prévue. Cesar Romero est quant à lui parfait dans le rôle du conquistador espagnol, Cortez.

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Le film est découpé en deux grandes parties : Espagne et Mexique, la partie courte sur Cuba n'étant qu'une transition. Le film a beaucoup de qualités, tout d'abord scénaristique et dans sa réalisation par Henry King, qui sait utiliser à merveilles toutes les facettes du Technicolor, jouant énormément sur la lumière. King bénéficie également d'un plus sur sa production assez inatendu. En effet, le film est tourné au Mexique, sur les lieux mêmes de l'expédition et une irruption volcanique a lieu, ce qui donne des ciels changeants assez étranges et remarquables. Le film bénéficie aussi d'une musique très forte d'Alfred Newman, que je trouve pour ma part un peu pompier. Néanmoins, elle devait être appréciée en devenant la première bande originale disponible chez les disquaires. Mais que retenir de ce "Capitaine de Castille". On est impressionné par la réalisation, le casting, les costumes. Mais on reste malgré tout sur notre faim. Après 2H10, les desserts ne sont toujours pas arrivés. Le scénario ne fait pas affronter les Indiens et les Espagnols et on sort donc un peu frustré. Mais peut être était il impossible en 1947 de montrer le massacre des Indiens par des blancs. Le film est donc plaisant à voir, mais semble parfois vouloir éviter les écueils qui ne ferait pas de lui, un spectacle tout public. Cela lui enlève donc une certaine force, que les fabuleux plans extérieurs de King tentent de compenser.

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Ci-dessus : Tyrone Power

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Ci-dessus : Jean Peters

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Ci-dessus : Tyrone Power en duel contre

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Ci-dessus : Henrry King, Tyrone Power et Jean Peters

 

La musique d'Alfred Newman :

Disponible en DVD zone 2 VF et VO sous-titrée

Note : 7 / 10

27/12/2013

Chasse à l'homme / Manhunt - 1941

Après l'échec de "casier judiciaire" (1938), Lang semblait perdu pour le cinéma américain. Il partit donc vers l'Ouest filmer les indiens. De fil en aiguille, ses petits films furent progeter à Darryl F Zanuck qui décida de l'engager pour deux westerns : "le retour de Franck James" et "les pionniers de la Western Union". On peut toujours critiquer ces deux films, en doutant de l'apport d'un Allemand comme Lang à un thème typiquement américain. Néanmoins, ces films eurent pour conséquences de sortir Lang de son statut de paria du cinéma américain. Et donc en 1941, il tournait "chasse à l'homme", film cette fois-ci beaucoup plus personnel, car évoquant le nazisme. On sait que Lang était profondément anti-nazi et avait même fondé une association anti-nazie à son arrivée aux USA. Le film est également intéressant, car il nous permet de voir la première collaboration de Lang avec Joan Bennett. Cette dernière deviendra une des égéries de Lang et jouera ainsi dans 3 autres films noirs de Fritz Lang : "la femme au portrait" (1944), "la rue rouge" (1945) et "le secret derrière la porte" (1948). Mais on la verra aussi dans d'autres films, comme par exemple, le formidable film avec Paul Henreid, "le balafré" (1948). George Sanders est également présent dans "chasse à l'homme". Et on notera qu'il avait déjà été le partenaire de Joan Bennett l'année précédente dans "le fils de Monte-Cristo". Malheureusement, ce film est indisponible en France, mais disponible sur Youtube sans sous-titres. On se demande bien pourquoi les éditeurs ne sortent pas ce film. Si quelqu'un de Sidonis ou Wild Side passe par là et peut faire quelque chose. Il est le bienvenu.

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Pour revenir à "Chasse à l'homme", je ne vais pas vous raconter l'histoire, mais essayer de vous donner envie de le voir. Le film est tiré du roman "Manhunt", dont Dudley Nichols fera un scénario, qui sera remis à Lang. Le film évoque l'Allemagne nazi, mais aussi la possibilité d'un assassinat d'Hitler. Le but du film est de décider l'Amérique à rentrer dans le conflit. Lang évoque différents thèmes : espionnage, amour, mais aussi conscience et inconscient. Le chef du contre espionnage joué par George Sanders, va jouer malgré lui, le rôle du psychiatre. et Walter Pidgeon, le héros, va jouer le rôle du patient. Sanders arrivera à la fin du film à donner conscience à l'inconscient des actes de Pidgeon. Enfin, il faut ajouter que le personnage de  Joan Bennett est très sympathique. En effet, elle joue une fille facile du peuple, qui rencontre en Pidgeon l'homme parfait. Elle est très touchante, quand elle pleure, lui voulant dormir seulement sur le canapé de lui même. On a l'impression qu'elle est déçue que ce dernier ne se jette pas sur elle. Mais on se dit aussi, qu'elle pleure, parce que c'est aussi le premier homme qui dort chez elle, sans rien tenter. Et comme nous, elle est touchée par ce geste désintéressé. On reste surpris par le petit budget du film, et par seulement les 28 jours de tournage pour un tel résultat à l'écran.

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Ci-dessus : Joan Bennett et Walter Pidgeon

"Chasse à l'homme" est donc au bout du compte, un beau film noir et romantique. On en oublie que son sujet est celle d'un film de propagande. Le suspens fait parfois penser à Hitchcock. Et on se rappelle ainsi, d'autres films anti-nazis cette fois-ci d'Hitchcock, comme "Saboteur" (1942) ou "Correspondant 17" (1940), même si Lang en fera d'autres, comme "Les Bourreaux meurent aussi" (1943), "Espions sur la Tamise" (1944) et "Cape et Poignard" (1946).. Et en plus, on a la chance de retrouver Joan Bennett en anglaise des rues avec un accent très british mais aussi très populaire. Je ne peux donc que vous conseiller sur la magnifique édition sortie dernièrement par Sidonis, qui a une magnifique qualité d'image et de très nombreux bonus; dont un long entretien avec un spécialitste de Lang, Bernard Eisenschitz et Mr Patrick Brion.

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Ci-dessus : Joan Bennett et Walter Pidgeon

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Ci-dessus ; Walter Pidgeon et Roddy McDowall

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Disponible en Bluray et DVD zone 2 et B sous-titré en français dans un coffret magnifique, comprenant un livret explicatif.

Note : 8 / 10

02/11/2013

Prisonniers de Satan / The Purple Heart - 1944

"Prisonniers de Satan" est un film de propagande de Lewis Milestone. "The purple Heart" est une des plus hautes médailles militaires de l'armée américaine. On sait donc que l'on va avoir à faire ici, à des héros. Ce film nous rappelle le combat héroïque des Américains contre l'empire du Japon. Ici on ne retrouve pas d'actes particulièrement valeureux. En effet, tout le film se concentre sur un groupe de pilotes américains prisonniers de guerre, mais dont la Japon refuse de reconnaître comme tel. Les Japonais veulent donc les faire juger devant un tribunal civil pour des crimes de guerre, alors que leur mission était ici purement militaire. En effet, les pilotes faisaient partis de l'escadrille Doolittle, qui avait bombardé le Japon le 18 avril 1942 pour venger Pearl-Harbor. Le bombardier survolait la Chine sans essence, le capitaine du bombardier décidait de sauter avec son équipage avant que l'avion s'écrase. Ainsi, dénoncé par un traître Chinois, puis arrêté par les Japonais, ils se retrouvent devant ce tribunal civil. L'histoire commence donc ainsi, et est une histoire vraie. Les pilotes ont réellement existé. On peut dire que cela ajoute à la force du film et à son réalisme, qui en a bien besoin, car les scènes de procès se succèdent et sont parfois quelque peu théâtrales. Le film comporte une intéressante distribution avec Dana Andrews, Richard Conte et Farley Granger. Dana Andrews, on se souvient de lui évidemment pour son rôle d'inspecteur dans "Laura" (1942), Richard Conte, pour son rôle de tueur dans "New-York Confidential" (1955) , et Farley Granger pour ses interprétations dans deux films d'Hitchcock, "l'inconnu du Nord-Express" (1951) et "la corde" (1948)

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Lewis Milestone c'est évidemment le réalisateur de "A l'ouest rien de nouveau" (1930), mais aussi de nombreux autres films de guerre. On peut citer, entre autres : "l'ange des ténèbres" (1943) avec Errol Flynn, ou "a walk in the sun" (1945) également avec Dana Andrews et Richard Conte, ou encore "Okinawa" (1950) avec Richard Widmardk. Darry F Zanuck s'est investi énormément sur ce film, "prisonniers de Satan" que ce soit sur la production ou sur le scénario qu'il signe sous son pseudonyme habituel (Melville Crossman). Ainsi, il faut se rappeler que le sujet devait lui tenir particulièrement à coeur, car il était Colonel dans l'armée américaine. Si Milestone nous donne un film de propagande, avec des Japonais très stéréotypés, il n'en reste pas moins qu'il sait mettre en avant et avec force la détermination de l'équipage qui malgré les privations et les tortures ne cède pas à la volonté des Japonais. La scène finale est d'ailleurs particulièrement impressionnante montrant la volonté inébranlable de ces 8 hommes, prêts à mourir pour leur pays, car ils savent que leur cause est juste et qu'ils sont soutenus par des millions d'Américains. Le génie de Zanuck c'est de nous montrer, que n'importe qui peut être un héros. On regrette aujourd'hui cette Amérique symbole d'un monde libre, qui soutenait militairement ses alliés sans les espionner et qui savait quel combat était juste.

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Disponible en DVD et Bluray (version restaurée) en VO sous-titrée.

A noter une très belle qualité d'image.

Remerciements à Mr Patrick Brion pour sa présentation très intéressante.

 

Extrait (Fin du film - Attention cette scène donne la fin du film)

 

 

Note : 7 / 10

12/10/2013

Chaînes conjugales / A Letter to Three Wives - 1949

"Chaînes conjugales" est un film de Joseph L. Mankiewicz, adapté par ce dernier et par Vera Caspary de l'histoire "A Letter to Three Wives" de John Klempner parue dans le Hearst's International Cosmopolitain. La Fox en avait acquis les droits et le producteur Sol C. Siegel, décida de travailler sur son adaptation cinématographique. Le scénario subit des modifications importantes. En effet, on décida de limiter le nombre d'héroïnes à 4 et à ne pas reprendre les 5 personnages du roman. Enfin le personnage d'Addie Ross n'apparaît jamais, mais est quasiment présent ou dans la voix de la narratrice ou dans les conversations des personnages. En effet, Addie Ross est la rivale supposée, des 3 femmes mariées. La distribution est excellente comportant entre autre : Jeanne Crain, Linda Darnell, Ann Sothern, Kirk Douglas et Paul Douglas.

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Le film va donc être une critique amère de la bonne société américaine, et plus particulièrement du couple américain, incapable de trouver un bonheur pourtant à portée de mains. L'oeuvre de Mankiewicz, est particulièrement intéressante, car il arrive à dépasser le ton provincial voir américain du sujet. La psychologie féminine est parfaitement étudiée, ainsi que la psychologie féminine. A ce titre, on noter que de nombreuses critiques, ont remarqué que le film s'inscrivait parfaitement dans des séries plus modernes comme "desperate housewives". Le génie de Mankiewicz est de ne jamais montrer le personnage d'Addie Ross, mais aussi de rentrer dans l'esprit de ces trois femmes qui doutent de retrouver leur mari, en rentrant à la maison. En effet, elles ont reçue une lettre assez perverse, d'Addie, leur expliquant qu'elle est partie avec un de leur mari. Alors, Mankiewicz nous fait entrer dans leur esprit à chacune, par un jeu entre la musique et les bruits environnants. On arrive alors à une espèce de recherche musicale assez troublante, qui représente une espèce d'expérimentation sonore entre les premières notes du 2ème concerto pour piano de Brahms, idée que l'on retrouvera développée 20 ans plus tard d'une autre manière, dans certains titres des Beatles. Le réalisateur et le compositeur semblent s'aventurer alors sur les chemins nouveaux de l'avenir, sans que l'un et l'autre en soit réellement conscient. Brahms sera d'ailleurs présent, une nouvelle fois dans le film, à travers le disque envoyé par Addie Ross à Kirk Douglas pour son anniversaire.

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Ci-dessus : Ann Sothern, Linda Darnell, et Jeanne Crain

Le réalisateur a donc tout loisir d'explorer la psychologie féminine et la relation homme/femme, pour mener l'enquête et savoir quel est l'homme qui a quitté son foyer. Le suspens est préservé jusqu'au bout, jusqu'à un incroyable retournement de situation. Le film se termine d'ailleurs sur un message plutôt positif. Pour finir, il faut savoir que Linda Darnell et Mankiewicz allait entamer une liaison de 6 ans. J'ai donc apprécié ce film, même si je pense que Mankiewicz aurait du concentrer parfois ses dialogues et son film. Le film n'en reste pas moins, comme une oeuvre majeure de ce réalisateur. Et nous avons enfin l'occasion de la redécouvrir en Bluray Multizones. Ne passez pas à côté d'une oeuvre qui n'a rien perdu de sa modernité.

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Ci-dessus : Linda Darnell, Kirk Douglas, et Paul Douglas

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Ci-dessus : Ann Sothern et Kirk douglas

Disponible en DVD ou Bluray multizones (VO sous-titrée)

 

La bande-annonce :

Note : 7,5 /10

08/10/2013

Sur la Riviera / On the Riviera - 1951

Le scénario de "Sur la Riviera" a été adapté plusieurs fois à l'écran par la Fox. Ainsi dans "Folies Bergère de Paris" (1935) avec Maurice Chevalier et Merle Oberon, et dans "une nuit à Rio" (1941) avec Don Ameche, Carmen Miranda et Alice Faye. Ces films sont eux mêmes inspirés de la pièce à succès "the Red Cat", écrite par Hans Adler et Rudolph Lothar, Le scénario subit peu de modifications et parfois les dialogues sont mêmes assez proches. Ici Danny Kaye joue donc deux rôles, un acteur et un pilote d'avion expérimental, payé par des industriels pour faire le tour du monde. Gene Tierney joue la femme du célèbre pilote. Vous l'aurez compris, c'est bien évidemment la ressemblance entre l'acteur de music-hall et le pilote qui va être à l'origine de tous les malentendus comiques du film. Le film commence par une imitation de Maurice Chevalier par Danny Kaye. La filiation avec le premier film "Folies bergère de Paris" (1935) est donc revendiqué. Le film a beaucoup de points forts, en particulier les scènes entre deux portes qui rappellent par moment Lubitsch dans "To be or not to be" (1942).

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Mais c'est vrai que l'autre point fort du film, aurait du être la partie comédie musicale, et pour dire vrai ce n'est que partiellement le cas. En effet, en 1951, la comédie musicale suit un nouveau chemin, avec des oeuvres tel que "Mariage royal" ou "un américain à Paris". Et ces films ont un ton nouveau. Or malgré toutes ses qualités, "on the riviera" reste un ton en dessous et surtout fait très "old fashion", et rappelle le style des comédies musicales de la Fox des années 40. La partie musicale est sous la direction d'Alfred Newman qui est le compositeur des musiques des 3 films : Folies Bergères de Paris, That Night in Rio et bien sûr On the Riviera. Néanmoins pour ce dernier film, quasiment tous les titres sont écrits et composés par la femme de Danny Kaye, Sylvia Fine. Enfin, le mari de Gene Tierney, Oleg Cassini s'occupe lui de la partie costume.

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Ci-dessus : Gene Tierney

La meilleure scène du film est vers la fin, où a lieu une incroyable discussion entre Danny Kaye et Gene Tierney, où celle-ci croit avoir couché avec le sosie de son mari et où lui croit parler de ses performances d'acteurs et non pas au lit. Cette scéne est vraiment très drôle. Pour le reste, les numéros musicaux manquent un peu d'ampleur, et de profondeur de champ, voir simplement de cette transcendance de la réalité que l'on trouve dans tant de films de Gene Kelly. Le film n'en reste pas moins un bon spectacle, qui nous permet de redécouvrir qui plus est la très belle Gene Tierney, ainsi que la trop méconnue actrice française, Corinne Calvet.

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Ci-dessus : Gene Tierney

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Ci-dessus :Danny Kaye et Corinne Calvet

Disponible en DVD zone 2 ou Bluray Freezone (VO sous-titré français)

Note : 7 / 10

27/08/2013

Le prisonnier de Zenda / The prisoner of Zenda - 1952

A l'occasion d'un voyage en TGV, j'ai revu dernièrement "le prisonnier de Zenda" dans sa version de 1952. "Le prisonnier de Zenda" a connu plusieurs versions. La première date de 1937, produite par Selznick International Pictures, elle avait pour acteurs : Ronald Colman, Madeleine Carroll, Douglas Fairbanks, mais aussi David Niven, et Raymond Massey. Dans la version de 1952, on a repris l'histoire et même les dialogues de la version de 1937, mais les acteurs ne sont plus les mêmes. Ainsi on retrouve Stewart Granger qui joue donc deux rôles : le roi et le voyageur anglais. Il partage l'affiche avec Deborah Kerr, mais aussi avec un James Mason qui tente de lui voler la vedette, et qui joue ici, un admirable traitre. Thorpe s'inspire énormément de la version de 1937 et filme de nouveau des scènes de la version précédente, un peu de la même façon. Ainsi, la scène de bal, rappelle énormément la version de 1937.

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Mais cette oeuvre n'est pas qu'un simple remake. Elle se distingue tout d'abord par un fabuleux Technicolor, par une autre interprétation, avec en premier lieu, la star des films d'aventure des années 50, en la personne de Stewart Granger, mais aussi par une belle musique d'Alfred Newman. De plus, malgré la ressemblance avec le film précédent, Thorpe parvient à donner une identité propre à son film, jusqu'à éclipser la version de 1937. Le "prionnier de Zenda" reste donc dans toutes les mémoires, comme l'archétype du film d'aventure des années 50, avec sa dose de glamour, d'action, et de félons. On ne s'ennuie, pas une seconde et on retrouve son âme d'enfant devant un film remarquable, que l'on peut ranger à côté de "Scaramouche", "Ivanhoé" ou "les chevaliers de la table ronde". Pour toutes ces raisons, et parce que je crois que la fonction du cinéma est d'abord de faire rêver, je mettrai une très bonne note à ce "prisonnier de Zenda". Ainsi ceux qui critiquent ce cinéma, devrait se poser ces simples questions : Dans cent ans, que restera t'il de beaucoup de productions d'aujourd'hui ? Combien iront rejoindre les poubelles de l'art cinématographique ? Vous connaissez ma réponse. "Le prisonnier de Zenda" restera quant à lui un fabuleux classique, pour tout cinéphile éclairé.

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Ci-dessus : Deborah Kerr et Stewart Granger

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Ci-dessus : Jane Greer et James Mason

 

La bande-annonce :

 

La musique :

 

Note : 9 / 10

08/05/2013

La Poursuite infernale / My Darling Clementine - 1946

Un petit tour par le western cette fois-ci, et donc j'évoquerai avec vous "la poursuite infernale" de John Ford ou dans son titre américain "my darling Clementine" tiré de la chanson éponyme qui ouvre le film. Comme vous le savez, Ford est le grand spécialiste du western américain. Le film a été produit par la Fox de Darryl F Zanuck en 1946. Il retrace un moment de l'histoire des frères Earp et en particulier de Wyatt Earp (joué par Henry Fonda) et se termine par le classique affrontement d'Ok Corral tourné de nombreuses fois au cinéma. On notera que Ford a beaucoup changé de la vie de la famille Earp, afin de faire une histoire à son goût et de développer le scénario pour le rendre plus intéressant. Ainsi, les Earp n'ont jamais été des cowboys transporteurs de bétails. Le personnage de Clementine Carter (joué par Cathy Downs) n'est pas un personnage historique. Doc Holliday (joué par Victor Mature) n'était pas un chirurgien mais un dentiste dans la réalité. Le film est donc inspiré de deux livres de Stuart Lac publiés en 1931 et 1946. Ford devait acheter les droits sur le second. La légende des frères Earp n'était pas réellement connue du grand public américain avant la publication de ces deux ouvrages que l'on considère aujourd'hui comme très romancés, et donc historiquement faible. Mais ces changements dans la grande histoire ne sont pas pour déplaire au spectateur car ils rendent encore une fois, le film plus lisible et plus dramatique.

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La distribution est étincelante, ainsi on retrouve comme déjà dit, Henry Fonda, Victor Mature, mais aussi, Tim Holt, John Ireland, ou encore War Bond, et surtout la magnifique Linda Darnell (inoubliable dans "Ambre"). On se rappelera que War Bond est un des acteurs de seconds rôles qui devait peut être tourner le plus à Hollywood. Enfin, il est amusant de noter que John Ireland apparaîtra également, dans la version de 1957, tournée par John Sturges.

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Ci-dessus : Linda Darnell

Pour le reste, Ford est égal à lui même et se sert des magnifiques paysages de Monument Valley et Kayenta pour rendre son film plus fort. Ainsi la poursuite de la diligence évoque autant "la chevauchée fantastique" (1939) que la scène de l'arrivée du colonel également par une digilence dans "le massacre de fort Apache" (1948). Mais la comparaison ne s'arrête pas et c'est aussi à "la prisonnière du désert" auquel on pense devant ces immensités qui occupent parfois les deux tiers de l'écran voir plus. Ainsi, l'arrivée des Earp à Ok Corral est montrée avec un ciel immense, une ville démeusurée, et des personnage minuscules, comme si la ville écrasait les personnages et comme si le ciel (le destin ?), et l'Ouest sauvage écrasaient également les personnages mais aussi la ville, elle même. La poésie de Ford atteint là son maximum, comme peut être jamais dans un autre de ses westerns. Enfin, la scène finale nous montre  Cathy Downs debout et de dos, disant au revoir à Wyatt Earp dans un style que les peintres romantiques allemands n'auraient pas renié. Ainsi, Ford utilise tout son immense talent pour réaliser ce western moderne, qui paraît hors du temps dans ses décors naturels. Car là c'est bien la nature l'autre star du film.

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Ci-dessus : Henry Fonda, Linda Darnell, et Victor Mature

Le film étonne aussi par le modernisme de son propos. Ainsi, on voit une Linda Darnell trompant son homme avec un autre, tout en continuant à aimer le premier. Le seul reproche que l'on pourrait faire à Ford serait d'avoir changé la grande histoire de l'Ouest. Mais ce serait lui faire un faux procès et vouloir en faire un aux trois mousquetaires de Dumas. Je reprendrai donc cette citation de Dumas tirée du même ouvrage et qui correspond totalement à ce film : "On peut violer l'Histoire, pourvu qu'on lui fasse de beaux enfants." Et force de constater, qu'ici c'est bien le cas, Ford réussissant à distraire le spectateur tout autant qu'à mener de front une dramatique chronique de l'Ouest, étrangement moderne pour l'époque.

 

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Ci-dessus : Cathy Downs et Henry Fonda.


La bande annonce :


Note : 9 / 10

27/03/2013

La Reine des Rebelles / Belle Starr - 1941

"La reine des Rebelles" troisième film de notre série portant sur les westerns en Technicolor produits par la Fox à la fin des années 30 et au début des années 40, est à mon sens peut être le plus sous estimé des films présentés. Cette note rendra donc justice aux nombreuses qualités de ce film. Tout d'abord, il ne faut pas se le cacher, mais cette histoire de jeune héritière dont les yankees brûlent la maison fait référence directement à "Autant en emporte le vent" tourné deux ans plus tôt. On a trouvé pire comme filiation dans l'histoire du cinéma. Enfin, ce scénario d'une jeune écervelée (Gene Tierney), qui devient par la force du destin, l'héroïne d'une bande de rebelles a tout pour toucher. Les critiques qui n'ont pas aimer le scénario, n'en ont pas compris la signification profonde. Ici, si on ne retrouve pas l'appel à la liberté de "Capitaine Blood" ou à la vengeance du "brigand bien aimé" ou à la justice du "retour de Frank James", c'est bien la lutte pour conserver une société qui disparaît qui va amener à la révolte une jeune femme poussée au désespoir. Qui connaît "les brigands" de Schiller ne peut qu'être touché par cette "Reine des Rebelles" où l'appel à la lutte et à la liberté de vivre ne seront finalement que le début d'une aventure qui amènera chacun à la passion de tuer, de détruire, au nihilisme mais aussi à la légende. La complexcité du film est donc plus importante que ce que laisse entendre un survol rapide de quelques critiques n'ayant rien compris au scénario.

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Alors bien sûr, si filiation il y a, ici rien n'a l'ampleur d'un "Autant en emporte le vent", néanmoins le film intéresse du début à la fin. Mais c'est vrai que la voix haut perchée de Tierney agace parfois et que son jeu n'arrive pas à faire oublier l'interprétation de Vivien Leigh. Le film reste néanmoins un très bon divertissement. Un Randolph Scott au top de sa forme et un Dana Andrews très bon rajoutent à la crédibilité de l'ensemble. On se prend donc à trembler devant les aventures de Belle Starr et admirer cette jeune femme qui se décide à défier presque seule, toute l'armée nordiste. Quelques plans du réalisateur Irving Cummings sont d'ailleurs très intéressants avec par exemple Randolph Scott et Gene Tierney filmés en contre-jour. A tout cela, je me permets de citer aussi, la musique d'Alfred Newman. Voilà, vous l'aurez compris. On est très loin de la série B, ou du ratage complet que l'on veut nous faire avaler par force. D'ailleurs le film a été produit par Zanuck lui même, ce qui montre bien l'intérêt que le studio portait à ce film. Mais peut être aujourd'hui n'est il tout simplement pas politiquement correct de montrer à nos chers critiques une héroïne en lutte armée pour défendre ses traditions et sa propre "way of life" ? Quoiqu'il en soit, merci à Sidonis pour avoir éditer ce bien beau Western qui si il ne révolutionne pas le genre, mérite beaucoup mieux que l'opprobre quasi générale dont il fait aujourd'hui l'objet.

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Citation du film : Une légende, c'est la plus belle part de la vérité.

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Disponible en DVD Zone 2 chez Sidonis (6,99  € dans certains magasins Cora).

Note : 7 / 10