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03/05/2015

Poursuites dans la nuit / Nightfall - 1957

"Poursuites dans la nuit" est un film noir de Jacques Tourneur, adapté d'un roman de David Goodis. Tyrone Power et Ted Richmond, en avait racheté les droits pour leur société de production Copa. Le film en noir & blanc, reprend dans sa première partie les grands thèmes du film noir pour ensuite les détruire dans une antithèse qui débouche dans un final en forme de synthèse et de conclusion. La première partie, nous montre donc un homme en fuite (Aldo Ray), soupçonné de meurtre. Il est également mêlé à la disparition du butin d'un braquage de banque. Ainsi, la police, un agent d'assurance, mais aussi la mafia locale le poursuivent. Il doit donc se terrer chez lui, et ne supporte plus la lumière. Cette première partie reprend donc les thèmes du film noir. Elle est filmée dans la semi-obscurité. Il y a une femme fatale, des tueurs, et on ne sait pas bien ce que sont certains personnages. Ensuite dans la deuxième partie, les thèmes s'inversent la femme fatale, devient un secours, l'obscurité et le monde de la nuit font place à la lumière des montagnes enneigées. Mais comme souvent chez Tourneur ou dans le film noir, l'aventure n'est pas exaltante. Elle gêne la vie des personnages. Et le destin tombe encore une fois, sur un personnage qui ne demandait qu'à vivre tranquillement le cours de leur son existence. Le casting n'est pas mauvais. Anne Bancroft est convaincante, Aldo Ray aussi, le gangster rieur joué par Rudy Bond aussi. Par contre, je trouve qu'il y a une espèce de ressemblance entre Aldo Ray et Brian Keith, qui n'aide pas à la visibilité du film. Enfin la photographie de Burnett Guffey, est très souvent plate. On est assez loin de la superbe photographie du film noir américain du milieu des années 40. Ainsi, si on peut considérer que "Poursuites dans la nuit" est un bon film noir qui renouvelle le genre, il n'en reste pas moins en retrait, à cause d'un casting pas totalement finalisé, une photographie un peu plate, et des ellipses scénaristiques pas toujours du meilleur goût. Mais c'est vrai que c'est toujours un plaisir de revoir la belle Anne Bancroft.

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Ci-dessus : Anne Bancroft & Aldo Ray

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Ci-dessus : Anne Bancroft & Aldo Ray

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Ci-dessus : Anne Bancroft

Disponible dans une superbe édition DVD Zone 2, chez WildSide en VO sous-titrée français, incluant un livre présentant le film.

Note  6,5 / 10

02/05/2015

Tendre Poulet - 1972

Si il y a bien un réalisateur français, à redécouvrir, c'est peut être Philippe De Broca. La cinémathèque française et les éditeurs l'ont bien compris et nous font ainsi parcourir son oeuvre, dans diverses rediffusions ou sorties Bluray. Le public français a donc la chance de redécouvrir dans de très bonnes conditions une partie de l'oeuvre de Philippe De Broca, que soit à travers "tendre poulet" (1972), "on a volé la cuisse de Jupiter", "le cavaleur", "le bossu" (1997) tous édités chez TF1 vidéo, ou encore dans ce coffret édité chez Gaumont qui comprend plusieurs de ses oeuvres de jeunesse. Philippe De Broca, c'est peut être avant tout chose, le réalisateur qui a magnifié à l'écran la liberté. Cette liberté qui ne satisfait pas des apparences ou de ce que peut offrir la société. Ainsi déjà dans "Cartouche" avec Jean-Paul Belmondo, il décrit cette société underground, mais tellement libre, qu'elle en devient fascinante. Ici aussi dans "Tendre Poulet", la liberté est célébrée. Liberté sexuelle d'abord, où Catherine Alric vend son corps à une partie de l'assemblée nationale, dans le plus pur bonheur, et en totale ingénue. Liberté aussi, des rapports humains, où la rencontre entre Girardot et Noiret, ne s'encombre d'aucun formalisme. Ensuite De Broca, nous montre aussi des personnages à l'esprit libre. Girardot commissaire, est pourtant libre de ses mouvements, libres de démissionner, ce qu'elle fait d'ailleurs. Même la solitude de Noiret, semble choisie. Après tout, on est libre d'enseigner le grec ancien, plutôt que d'aimer une femme ! Par conséquent pour Broca, ce sont les personnages les plus obscurs et les moins libres qui se révèlent les plus dangereux. Dans "Cartouche" (1962), c'est bien le personnage de  Malichot, effacé et craintif qui sera le plus dangereux. Dans "tendre poulet" il en est un peu de même. On ne peut terminer cet article sans citer la superbe musique de Georges Delerue. Les films de Philippe De Broca, ont donc une saveur particulière, peut être parce que son oeuvre célèbre aussi, cette France d'hier, cette France active et libérée des idéologies mortifères, où il faisait tellement bon vivre et aimer, et où chacun savait finalement, qu'elle était sa place. En 2015, ce cinéaste pressé, qui ne tournait souvent qu'avec une seule prise, semble essentiel à notre mémoire cinématographique collective.

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Ci-dessus : Annie Girardot & Philippe Noiret

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Ci-dessus : Catherine Alric & Guy Anthony

Extrait de la musique de Georges Delerue :

 Disponible en DVD & Bluray Zone 2

Note : 7 / 10

01/05/2015

L'heure de la vengeance / The Raiders - 1952

Personnellement, j'ai toujours aimé les films dont le thème était la vengeance. Ici, on a donc un beau Technicolor, pour un film tourné en 1952 par Lesley Selander. Les qualités de "l'heure de la vengeance sont évidentes. Ainsi, on a jamais l'impression de décors bâclés, ou d'une utilisation massive de plans filmés en studio. Non, tout est plutôt réaliste, et l''ensemble bénéficie de beaux extérieurs et d'un rythme entrainant, aidé par un scénario qui ne ménage jamais violence et rebondissements. La distribution est d'ailleurs, plutôt bonne . Richard Conte est très crédible en cowboy haineux et revanchard. Mais il en est de même pour les seconds rôles qui se partagent l'affiche : Viveca Lindfors, Barbara Britton, ou encore William Bishop. Il n'y a donc pas grand chose à reprocher à cette production, sans doute à l'ambition limitée, mais qui fait passer un très bon moment. Richard Conte en vengeur masqué, c'est quand même assez jouissif. Une des meilleures scènes, est sans nulle doute, celle où notre héros enlève l'affiche promettant une prime pour sa capture et barrant son nom, il le remplace par le nom du gros propriétaire terrien et ennemi juré, et avant de s'enfuir à cheval, il redonne l'affiche ainsi modifiée au garde. Il y a un peu de Zorro dans ce film, même si notre héros semble plus porté par une vendetta personnel que par le sort du petit peuple. Quoiqu'il en soit, Lesley Selander nous offre ici, un très honnête spectacle. Et on se dit que son oeuvre mériterait d'être réévaluée. A noter enfin, que Sidonis nous donne une belle copie, qui respecte le format de l'image, et qui nous permet de profiter du film de façon presque optimale.

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Ci-dessus : A gauche Richard Conte & à droite Viveca Lindfors

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Ci-dessus : Richard Conte dans la fameuse scène de l'affiche

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Ci-dessus : William Bishop

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Ci-dessus : Richard Conte

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Ci-dessus : Richard Conte & Barbara Britton

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Ci-desuss : Richard Conte & Viveca Lindfors

Film disponible en DVD zone 2, en VO sous-titrée chez Sidonis

Note : 7 / 10

30/04/2015

La journée des violents / Day of the Badman - 1958

Le 30 avril 1958, sortait "la journée des violents" avec Fred MacMurray, Marie Windsor, Robert Middleton, Joan Weldon et Lee Van Cleef, ce jour est donc propice pour revenir sur ce western de l'Universal. Le film est malheureusement présenté au format Pan & Scan, donc avec un recadrage, qui outrage un peu le cinémascope d'origine, en coupant de l'image sur les côtés. L'avantage du procédé, est de rapprocher le spectateur de l'action ou des acteurs, mais il est assez peu respectueux du matériaux d'origine. Mais comme le dit, très justement, Monsieur Patrick Brion, c'est le seul moyen de présenter ce film. Alors entre le choix de le laisser mourir, ou de le présenter et de le faire vivre à un nouveau public, l'équipe éditoriale de Sidonis a fait le choix de la présentation, et on ne peut que les féliciter. En effet, le film en lui même est bon, voir très bon. Ainsi, "la journée des violents" s'appuie sur un très bon scénario, où la tension est palpable du début à la fin et tient ainsi le spectateur en haleine, dans cette histoire de juge qui doit prononcer une condamnation à mort que tout le monde rejette. Le scénario se rapproche ainsi de celui du "Train sifflera trois fois" (1952), où l'on retrouvait là aussi, un certain Lee Van Cleef. 1958, sera d'ailleurs une année charnière pour ce dernier. En effet, il subira un grave accident de voiture, qui le laissera avec un handicap à la jambe. Pour en revenir à "la journée des violents", la réalisation d'Harry Keller est quant à elle,soignée. On doit à Harry Keller, plusieurs westerns, comme "Quantez" (1957) déjà avec Fred MacMurray, ou "Les sept chemins du Couchant" avec Audie Murphy. Mais ici, c'est bien Fred MacMurray qui tient tout le film, avec un jeu foudroyant, digne de ses meilleures prestations. Mais l'ensemble de la distribution s'en sort aussi plutôt bien, et chacun est dans son rôle. Comme on le constate trop souvent aujourd'hui, on ne peut pas dire que la direction d'acteurs soit ici absente. Le seul gros défaut du film est sa fin un peu bâclée. C'est un peu dommage au regard de la qualité de l'oeuvre et de la tension que le film a jusque là généré. Mais il ne faut sans doute pas en demander de trop. "La journée des violents" est incontestablement un très bon choix éditorial de Sidonis.

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Disponible en DVD chez Sidonis en VF et VO sous-titrée. A noter que le film a perdu les 15 dernières minutes de sa version française.

Note : 7 / 10

20/04/2015

Joe Dakota - 1957

"Joe Dakota" est un western de série B, en Technicolor, produit par l'Universal. En effet, l'Universal s'était fait un peu une spécialité dans ce type de films, pendant plusieurs dizaines d'années. Ces films ne devaient pas rapporter énormément, mais assez pour permettre au studio de gagner de l'argent, avec un investissement minimal. Ici, on a droit à un scénario particulièrement soigné et surtout sur un thème très peu abordé dans la mythologie westernienne : la lutte pour le pétrole. Le casting est soigné avec Jock Mahoney, Luana Patten, Barbara Lawrence, Charles McCraw. Dans les seconds rôles, on trouve, Lee Van Cleef, dont il n'est plus besoin de faire la présentation, mais aussi, Claude Akins, Anthony Caruso. Jock Mahoney a commencé sa carrière comme cascadeur. Le scénario est quant à lui, proche "d'un homme est passé" (1955) avec Spencer Tracy, à la différence que le héros Jock Mahoney joue tout en douceur, et prend le plus souvent à la légère, toutes les menaces de la communauté. Cette sombre histoire de pétrole, est relevé par la romance entre le héros et Luana Patten, qui ajoute beaucoup de tendresse et de délicatesse à l'ensemble, lui même porté par une jolie chanson de Ray Joseph et de Mack David (The flower of San Antone). La première scène, qui introduit les deux personnages principaux, et cette rencontre fortuite entre Jock Mahoney et Luana Patten, augure d'un très bon film. En effet, il y a quelque chose, lorsqu'on voit cet homme seul arrivé dans une ville déserte, où seule apparaît une jeune fille, adossée contre le mur du seul magasin de cette ville minuscule. "Joe Dakota" apporte donc son lot d'aventures, et si les ellipses scénaristiques plombent parfois un peu le film. Il n'en reste pas moins un film, au ton et au sujet très original, bercé d'une douce légèreté, qui lui convient parfaitement. A n'en pas douter, une bonne pioche de Sidonis.

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Ci-dessus : Jock Mahoney & Luana Patten

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Ci-dessus : Jock Mahoney & Luana Patten

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Ci-dessus : Luana Patten

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Ci-dessus : Jock Mahoney & Luana Patten

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Ci-dessus : Luana Patten

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Ci-dessus : Jock Mahoney & Luana Patten

Présentation de Mr Patrick Brion :

Disponible en DVD zone 2 en VO sous-titrée français chez Sidonis

Note : 6,5 / 10

19/04/2015

Le Grand National / National Velvet - 1944

"Le Grand National" est un film en Technicolor de Clarence Brown. Il semble avoir été destiné à un très jeune public. En effet, cette histoire de petite fille amoureuse de son cheval et qui veut le faire courir dans la plus prestigieuse course d'Angleterre, "le Grand National", semble pour le moins peu crédible. En effet, tout cela, se déroule dans une ambiance "petite maison dans la prairie" quasiment permanente. Les parents sont toujours bienveillants. Ils ne sont jamais coléreux, fatigués, impatients et ne semblent rien désirer pour eux mêmes, sinon le bonheur de leurs enfants. Ce monde parfait, ainsi représenté, ne peut que destiner le film aux spectateurs les plus jeunes. Pour le critique de cinéma adulte, malgré un beau Technicolor, et l'intérêt de voir Elizabeth Taylor enfant, Angela Lansbury adolescente, et Mickey Rooney jeune homme, on s'ennuie. Quelques scènes sortent le spectateur de sa torpeur. Ainsi, les scènes de dialogues entre le père (joué par l'admirable Donald Crisp) et sa femme (Anne Revere) sont souvent très bonnes. Enfin, c'est souvent très impressionnant de voir la jeune Elizabeth Taylor sur un cheval au galop. Et la course finale, où elle était très sûrement doublée, redonne un bel intérêt au film. Mais si on ajoute une fin trop longue, c'est malgré tout, finalement assez peu pour satisfaire un public autre que celui des très jeunes enfants. Surtout, qu'il faut ajouter que la réalisation de Brown, semble se satisfaire assez mal de l'exigence de la couleur, et laisse voir beaucoup de décors peu réalistes. Cette réalisation se serait sans doute satisfaite d'une image en noir & blanc, mais en couleur, l'effet théâtrale qu'accentue le tournage en studio, est relativement désastreux.

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Ci-dessus : Elizabeth Taylor & Mickey Rooney

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Ci-dessus : Elizabeth Taylor & Mickey Rooney

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Ci-dessus : Elizabeth Taylor

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Ci-dessus : Elizabeth Taylor & Mickey Rooney

Disponible en DVD zone 2 en VF et VO sous-titrée

Note : 5 / 10

18/04/2015

Madame Miniver / Mrs Miniver - 1942

"Madame Miniver" n'est pas mon film préféré, mais il a quand même de nombreuses qualités. On peut bien évidemment citer la belle Greer Garson, qui joue avec délectation une mère de famille anglaise. Mais son mari, Walter Pidgeon n'est pas moins excellent. On peut également parler du beau noir & blanc, ou du talent de réalisation de William Wyler. Mais tout cela ne serait rien, sans le très réussi scénario. A ce sujet, plusieurs scénaristes ont participé à l''écriture. On peut citer donc comme scénaristes : Arthur Wimperis, George Froeschel, James Hilton, Claudine West. Le film est lui même une adaptation du du roman de Jan Struther. Le film nous raconte le passage d'une famille anglaise de la paix de leur foyer à la guerre. Et le film passe de la douceur du foyer, à l'angoisse de la déclaration de guerre, aux privations, et aux bombardements, et aux disparitions. Plusieurs scènes sont mémorables, comme celle où Madame Miniver trouve dans sa cuisine un pilote allemand blessé, qui en mangeant lui dit que d'autres que lui viendront par millier, pour détruire les villes anglaises. Le discours rappelle d'autres discours radicaux actuels, dont la résonance fait écho au film de Wyler. Enfin, cette plongée de le Blitz vu du côté anglais, nous fait nous interroger ici aussi sur notre conscience et notre humanité. En effet, Walter Pidgeon, en père de famille essaye de protéger sa famille des horreurs de la guerre, et à garder en eux cette part de beauté, que la guerre veut absolument détruire. "Madame Miniver" nous montre donc la guerre du côté des civils et des familles. Ainsi, si les soldats combattaient sur mer, sur terre, et dans les airs, les familles à l'arrière combattaient souvent la peur, la haine qui voulaient absolument corrompre leurs coeurs. Lutte totale contre le mal, "Madame Miniver" est malheureusement actuel, et nous rappelle que la lutte contre les totalitarismes qui veulent faire de l'Homme une bête, n'est jamais terminée. Cette lutte pour que le mal et la guerre n'écrasent pas les dernières lueurs de la conscience humaine, et le souvenir des jours heureux, c'est dans la lecture au fond d'un abri de fortune, et dans l'évocation "d'Alice aux pays des merveilles" que la famille Miniver la transpose : "Enfin elle se représenta cette même petite sœur, dans l’avenir, devenue elle aussi une grande personne ; elle se la représenta conservant, jusque dans l’âge mûr, le cœur simple et aimant de son enfance, et réunissant autour d’elle d’autres petits enfants dont elle ferait briller les yeux vifs et curieux au récit de bien des aventures étranges, et peut-être même en leur contant le songe du Pays des Merveilles du temps jadis : elle la voyait partager leurs petits chagrins et trouver plaisir à leurs innocentes joies, se rappelant sa propre enfance et les heureux jours d’été." Pour la petite histoire, on se souviendra que Norma Shearer, refusa le rôle de mère de famille se considérant trop jeune, et que Greer Garson devait épouser son fils dans le film, Richard Ney, en 1943. Il ne transparaît évidemment rien, de leur passion à l'écran. Le film, aidé par la belle musique d'Herbert Stothart (en charge également de la musique de "Prisonniers du passé"), devait rafler 7 Oscars mérités, et bénéficier d'une suite après la guerre, qui n'obtint pas le même succès que l'original.

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Ci-dessus : Walter Pidgeon & Greer Garson

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Ci-dessus : Henry Travers & Greer Garson

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Ci-dessus : Theresa Wright & Richard Ney

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Disponible en Bluray Zone Free en VF et VO sous-titrée

Note : 8 / 10

17/04/2015

Prisonniers du passé / Random Harvest - 1942

Aujourd'hui le mélodrame est passé de mode, comme beaucoup d'autres genres. On peut ainsi citer, la comédie musicale ou le western. Plus personne ou presque ne fait de western aujourd'hui et encore moins de mélodrame. La disparition du mélodrame, vient des changements de mode, mais aussi d'état d'esprit du spectateur et plus particulièrement de la spectatrice. En effet, le mélodrame, était un genre réservé ou dédié aux femmes qui se rendaient au cinéma. Aujourd'hui l'émancipation féminine est totale, et les femmes ne veulent donc plus se voir, comme les objets amoureux des hommes; ou alors des objets sexuels, comme en témoigne parmi le public féminin la réussite d'ouvrage érotique comme "50 nuances de Grey" d'E L James. Mais la spectatrice ne veut plus se voir, amoureuse d'un seul homme. La révolution sexuelle est passée par là. J'avoue que je le déplore. Car ces films, en plus de mettre en avant, la fidélité et un courage féminin sans limite à affronter la vie, alors que l'homme avait abandonné le domicile, ces films étaient souvent formidablement réalisés, photographiés et joués par de grands acteurs et actrices. Il en va ainsi de "Prisonniers du passé" (production MGM), qui est tout simplement un des plus beaux films qu'il m'ait été donné de voir. J'ai souri, pleuré,  et les plus de deux heures de cette oeuvre sont passées comme un songe. Pourtant, on se demande bien où va aller cette histoire de ce soldat amnésique, perdu dans un hôpital militaire en Angleterre. De cette voie sans issue, les scénaristes (Claudine West, George Froeschel, Arthur Wimperis) vont créer une oeuvre magnifique au limite de la pensée humaine, au niveau des plus belles fables de l'Humanité.

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La réalisation de Mervyn LeRoy et la photographie de Joseph Ruttenberg font merveille. Mais que dire des acteurs, sinon que Greer Garson semble n'avoir jamais été aussi belle et émouvante. Et Ronald Colman interprète là, sans doute son meilleur film. Il est simplement extraordinaire. La moindre de ses expressions, sont plus fortes qu'un discours. Et parfois il arrive à communiquer avec son visage et ses yeux, avec les autres acteurs, d'une manière presque mystique. Avec tant de qualités, il est presque superflu de dire que ce film est littéralement touché par la grâce. Il nous dit que nous ne sommes pas que des êtres de chair et de sang, mais qu'il y a bien un esprit, une âme en nous. Et que sans cette âme, sans cet esprit, sans cette mémoire, l'Homme n'est plus l'Homme. Au final, leçon de cinéma, "Prisonniers du passé" est aussi une superbe leçon de vie, qui nous amène au dessus des plus hauts sommets de la pensée humaine, à la fin de notre humanité, là où commence le royaume de Dieu. Et ce ne sont pas quelques facilités scénaristiques qui refuseront à cette oeuvre, d'être un pur chef-d'oeuvre cinématographique. Le film bien que nommé 7 fois aux Oscars de 1942, n'en obtiendra qu'un seul et Greer Garson, obtiendra quand même un Oscar cette même année, mais cette fois-ci pour "Mrs Miniver". Cette note me permet aussi de rappeler le souvenir de Susan Peters à la carrière brisée. En effet, "le 1er janvier 1945, Susan Peters subit un terrible accident de chasse. La balle se loge dans sa moelle épinière et la laisse paralysée des membres inférieurs, l'obligeant à se déplacer en fauteuil roulant. En 1948, le couple se sépare. Son handicap rend les castings plus rares. Elle souffre de dépression. Sa santé se dégrade avec une maladie des reins, une pneumonie et une anorexie nerveuse. Elle en meurt le 23 octobre 1952."

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Ci-dessus : Ronald Colman

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Ci-dessus : Greer Garson & Ronald Colman

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Ci-dessus : Ronald Colman au centre

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Ci-dessus : Greer Garson & Ronald Colman

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Ci-dessus : Ronald Colman & Susan Peters

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Ci-dessus : Mervyn LeRoy au travail

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Ci-dessus : Susan Peters

Vidéo hommage :

 Disponible en DVD zone 2 en VF et VO sous-titrée français (chez Warner Bros)

Note : 9,5 / 10

13/04/2015

La femme sans loi / Frenchie - 1950

"La femme sans loi" est un western en Technicolor produit par l'Universal et dirigé par Louis King, le frère du célèbre réalisateur Henry King. On y retrouve Joel McRea, et Shelley Winters dans les rôles principaux. Le film rappelle "femme ou démon" (1939) de George Marshall avec James Stewart et Marlene Dietrich. "La femme sans loi" est donc un western avec beaucoup d'humour. Mais là où l'humour de George Marshalle tombe aujourd'hui un peu à plat, on retrouve dans "la femme sans loi", un humour beaucoup plus fin et moins lourd que dans l'original. Mais ce n'est pas un vrai remake. Le vrai remake de "femme ou démon", a été tourné en 1954 et les rôles titres ont été repris par Audie Murphy et Mari Blanchard. Dans "la femme sans loi" on a juste un scénario proche du film de George Marshall. Ainsi, on a un shérif joué par Joel McCrea qui préfère discuter ou raconter des histoires, plutôt que de se battre, et dont la devise est : "il y a un temps pour parler et il y a un temps pour tirer". Et il arrive le plus souvent à déminer des situations, avec des histoires impossibles qui commence toujours par : "je connaissais un homme, une fois qui ..." C'est assez incroyable, car l'adversaire est déstabilisé comme le public, mais on sourit toujours devant ce procédé presque impossible. On peut noter la bonne interprétation de Paul Kelly en chef de bande, et que l'on a souvent vu dans ce type de rôle, par exemple dans "les fantastiques années" (1939) de Raoul Walsh Alors c'est vrai que si la photographie, les décors, et le ton de "la femme sans loi" sont parfaits, il n'en reste pas moins, que l'humour ne donne pas une énorme crédibilité à l'ensemble. Mais on ne va pas bouder son plaisir. Car il est vrai que le western teinté de comédie légère est un genre assez peu représenté. On prend donc du plaisir à voir ce joli western, à la photographie très colorée, à la musique intéressante de Hans J Slater. Et au final, on ne peut pas lui reprocher grand chose. Mais pour ma part, je lui préfère peut être quand même le remake de 1954 de "femme ou démon" avec Audie Murphy.

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Ci-dessus au premier plan : Joel McCrea

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Ci-dessus : Paul Kelly & Shelley Winters

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Ci-dessus: Shelley Winters

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Ci-dessus : Joel McCrea et Shelley Winters

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Ci-dessus : Paul Kelly

Disponible en DVD Zone 2 chez Sidonis, VO sous-titrée français

Note : 7 / 10

04/04/2015

Hello, Dolly ! - 1969

Après avoir pris sa retraite de danseur, Gene Kelly a voulu se lancer seul dans la réalisation. "Hello, Dolly !" était donc son premier film aux commandes. Même si évidemment, il avait beaucoup échangé sur la réalisation et la chorégraphie dans de précédentes productions réalisées, par Stanley Donen. Et on peut dire que pour un premier essai, c'est une réussite quasi-totale. Les décors, et les costumes sont somptueux et Kelly sait donner vie à son film et du mouvement à la caméra. On imagine personne d'autre que Walter Matthau dans ce rôle de vieux boutiquier célibataire, riche, mais amer et aigri. Barbra Streisand joue ici dans son deuxième film après "Funny  Girl" (1968). On peut dire sans critique excessive qu'elle est un peu jeune pour le rôle d'une marieuse professionnelle. Mais cela ajoute un côté positif au film, car Barbra Streisand déborde de vitalité, et a une présence hors-norme. Le scénario d'Ernest Lehman, d'après la comédie musicale de Michael Stewart et la pièce de Thornton Wilder, se suit avec plaisir et propose un spectacle familial de très haut niveau. Et on peut féliciter la Twentieth Century Fox, pour la restauration proposée sur ce Bluray. C'est un ravissement complet. Les couleurs explosent, la qualité de l'image et du son est superbe et le film est un ravissement pour les oreilles et les yeux. J'avais le souvenir de l'avoir vu sur une vieille cassette VHS avec mon père quand j'étais adolescent. Et bien le bluray n'a rien à voir. C'est juste magnifique ! On pourra regretter des costumes pourtant superbes, collant au New-York du début du 20ème siècle, mais qui ne sont pas forcément, les plus légers pour danser. Enfin, Gene Kelly travaille certaines scènes à la perfection et en laisse d'autres moins travaillées. Ainsi, le titre laisse voir des voitures abandonnées qui n'ont pas l'air d'être de 1900 ou à un moment donné un building qui semble bien moderne pour l'époque.

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Malgré tout ça, Gene Kelly nous donne le meilleur de lui même, et fait de "Hello Dolly" un superbe moment de cinéma, qui est un espèce de bouquet ou de point final à la comédie musicale hollywoodienne traditionnelle. Le rock effacera la comédie musicale d'antan, des écrans de cinéma, et malgré le fait qu'il fera parti des 5 plus gros succès de l'année, "Hello, Dolly !" mettra les finances de la Twentieth Century Fox, dans le rouge. Celle-ci n'en sortira qu'en 1973, avec le ressortie de "la mélodie du bonheur" et surtout par "la guerre des étoiles" en 1977. Et effectivement, il fallait être un peu fou, pour dépenser autant d'argent alors qu'une large partie du public était conquis en 1969, par les rythmes, et les idées de la contre-culture. Aujourd'hui, on se doit de réévaluer "Hello, Dolly !", à sa juste valeur, oublier ses défauts mineurs, est le considérer comme tout simplement une très grande comédie musicale, et une conclusion finale à la belle époque du cinéma américain.

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Ci-dessus : Louis Armstrong & Barbra Streisand

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Ci-dessus : Barbra Streisand

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Ci-dessus : Gene Kelly au travail

Disponible en Bluray restauré magnifiquement, en VF ou VO sous-titrée français

Note : 8,5 / 10

03/04/2015

Quatre tueurs et une fille / Four Guns to the Border - 1954

"Quatre tueurs et une fille" est un western en Technicolor de Richard Carlson. C'est une oeuvre de série B, mais avec énormément de qualités. On peut d'abord citer l'excellent casting avec en tête d'affiche, quelques vétérans du western : Rory Calhoun, Walter Brennan et John McIntire. La distribution est complétée par Colleen Miller, George Nader, Walter Brennan, et la distinguée Nina Foch. Nina Foch on l'a vu en "Marie-Antoinette" dans Scaramouche (1952) ou dans "un américain à Paris", dans un rôle de riche américaine. On peut ajouter au crédit de "Quatre tueurs et une fille", la magnifique photographie de Russell Metty. En effet, ce dernier joue en maître avec le clair-obscur, avec une allumette ou un éclaire qui illumine un visage. Mais "Quatre tueurs et une fille" se distingue des petits westerns, par un ton particulier, qui nous fait vivre les premières émotions sexuelles d'une jeune fille avec un homme qui doit avoir le double de son âge, et la scène dans l'écurie est presque érotique. D'autres scènes, comme celle où Colleen Miller joue avec un baton de sucre-d'orge, évoque là aussi quasiment ouvertement le sexe. C'est très rare une description aussi nette de la sexualité féminine dans un western de cette époque. On peut également évoquer la belle musique omniprésente.  Pour tout cela, on s'attache finalement beaucoup à ce très joli western, que Sidonis a très bien fait de sortir de l'oubli. On pourra regretter peut être un manque de drame qui en aurait fait à n'en pas douter, un chef-d'oeuvre du genre. A noter une belle qualité d'image, à tempérer par des ciels parfois solarisés.

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Ci-dessus : Rory Calhoun

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Ci-dessus : Walter Brennan & Colleen Miller

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Ci-dessus : Rory Calhoun

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Ci-dessus : George Nader, Nina Foch, Rory Calhoun

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Ci-dessus : Rory Calhoun & Colleen Miller

Disponible en DVD zone 2, chez Sidonis uniquement en VO sous-titrée français

Note : 7,5 / 10

28/03/2015

L'équipée sauvage / The wild one - 1953

"L'équipée sauvage" produit par Columbia Pictures, et tourné en noir & blanc, par László Benedek, est encore aujourd'hui terriblement provocateur. En effet, malgré la surenchère de violence et de sexe que nous propose très souvent le cinéma d'aujourd'hui, "l'équipée sauvage" reste encore un film violent, érotique, malsain à la résonance très moderne. Le scénario nous montre deux bandes de motards, qui envahissent une petite ville américaine. Ces derniers vont perturber la vie tranquille de cette bourgade isolée. Et finalement, plus rien ne sera comme avant pour personne. Le scénario s'inspire d'un fait réel, où en 1947, la petite ville d'Hollister, avait été envahie par 4000 motards hors la loi. Le casting regroupe Marlon Brando, qui interprète le chef du premier groupe, Lee Marvin chef du deuxième groupe de motards, et la jolie Mary Murphy, qui va subir la drague lourde de Marlon Brando pendant tout le film. Autant le dire tout de suite, le film est porté par la présence continue de Marlon Brando, qui vampirise le film et attire sur lui la caméra. Brando a une présence inquiétante, brutale, et le plus souvent silencieuse. Il n'interrompt d'ailleurs ses silences que par des phrases courtes, des bagarres, des sorties, ou le vrombissement de sa moto. Brando est comme le reflet de cette menace silencieuse, pour cette société américaine bien rangée. Lee Marvin joue son rôle de façon inverse. Il est sale bruyant et finalement assez peu dangereux. Mary Murphy, est la jeune américaine moyenne qui s'ennuie à mourir et qui est prête à tout, pour quitter cette ville qu'elle maudit. Le film est prodigieux dans sa photographie, lors de la scène où Brando fait faire un tour à Mary Murphy sur sa moto. Là, les ombres, le vent, les saules pleureurs qui défilent à toute vitesse, semblent suspendre le temps, et emmener le spectateur vers un autre monde. On peut également citer la musique intrusive de Leith Stevens ou ce titre où on voit approcher ce groupe de motards, qui apparaît tout de suite, comme une menace, pour le spectateur, dont le regard est posé comme la caméra au ras du sol. Le film est aussi devenu culte, car la légende raconte que le nom du groupe de rock "The Beatles" viendrait d'une réplique de Lee Marvin qui évoque les "Beetles", comme nom de l'ancien groupe de motards.

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Mais c'est surtout par son impact dans la culture populaire que le film est resté célèbre. En effet, les scénaristes, John Paxton et Ben Maddow, qui ce sont inspirés d'une histoire de Frank Rooney ont bien compris que l'alcool, la musique, la moto seraient le nouveau espace de liberté de la jeunesse future. Le film a fait également sensation à l'époque, où le comité de censure a exigé qu'on en supprime 20 minutes, pour accepter que le film sorte. Il a été d'ailleurs interdit pendant de longues années dans plusieurs pays. "L'équipée sauvage" est une espèce de parabole d'une partie de l'Amérique des années 50, malheureuse de sa morale puritaine Pourtant une partie de la société était pleine d'espoir suite à la fin de la deuxième guerre mondiale. L'introversion inquiétante du personnage de Brando qu'il libère dans l'alcool, la moto, les femmes, et une rébellion contre toute forme d'autorité, n'est pas limitée à son seul personnage. Ainsi, le personnage féminin joué par Mary Murphy semble vaincu, par sa bonne morale, son travail et la société. Brando et Mary Murphy semble l'un et l'autre liés, pour le pire et le meilleur, par cette phrase de Sartre : "L'enfer c'est les autres !" Même le shérif faible et débordé, ne joue plus son rôle. Tout l'intérêt du film est de nous montrer les masques des personnages tomber les uns après les autres. "L'équipée sauvage" est donc sans aucun doute, un film majeur de l'année 1953, mais aussi de l'histoire du cinéma, qui préfigure les grands changements sociétaux des années 60, constitutifs de nos sociétés actuelles adulescentes. Indispensable.

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Ci-dessus : Mary Murphy & Marlon Brando

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Ci-dessus : Mary Murphy, Robert Keith & Marlon Brando

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Ci-dessus : la bande au complet

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Ci-dessus : Sans doute la photo la plus célèbre de Marlon Brando

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Ci-dessus : Mary Murphy (photo publicitaire)

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Ci-dessus : Mary Murphy & Marlon Brando

Disponible en VF et VO sous-titrée dans une édition Bluray italien, sur Amazon ou en DVD zone 2 en France.

Note : 8,5 / 10

23/03/2015

Tous en scène / The Band Wagon - 1953

Il y a des films incontournables et qui font partie intégrante de l'histoire du cinéma hollywoodien. Ainsi, "Tous en scène" est un de ses films. Car, "Tous en scène" est un des plus grands films de la MGM, mais aussi une des plus grandes comédies musicales. En effet, et si son scénario est classique, avec cette histoire de troupes qui montent un spectacle, ses numéros musicaux sont d'exception. Le film est bien aidé par le compositeur Arthur Schwartz, le réalisateur Vincente Minnelli, et par le producteur de la MGM, spécialisé dans les comédies musicales, Arthur Freed. Dans "tous en scène", le Technicolor est flamboyant, les couleurs explosent littéralement sur l'écran. Ainsi, c'est un plaisir infini pour les yeux dans la plupart des scènes, les décors ont également cette classe absolue, si caractéristique de la MGM du début des années 50. Le casting est très bon, avec un Fred Astaire vieillissant, mais toujours excellent danseur, Cyd Charisse dans son premier grand rôle de comédie, Oscar Levant que l'on a vu dans "un américain à Paris" (1951). La distribution est complétée par Jack Buchanan, Nanette Fabray, et James Mitchell. "Tous en scène" multiplie les scènes de danse dans des lieux publics, avec une dans une gare, une autre sur un boulevard de New-York, ou encore une autre à Central Park. La vie semble devoir se confondre avec l'univers de la comédie musicale, en faisant une réalité à l'écran, le monde devenant une scène, comme nous le verrons plus tard. Et lorsqu'on sait qu'au moment du tournage, le réalisateur Vincente Minnelli était en train de divorcer de sa femme, Judy Garland, ou que la femme de Fred Astaire était en train de mourir d'un cancer. On est surpris de voir que rien de tout cela, ne transparaît pas une seule seconde.

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Mais "tous en scène", n'est pas seulement une comédie musicale, comme la MGM, savait en faire comme personne à l'époque à Hollywood. C'est aussi, un formidable manifeste publicitaire, pour la MGM et pour le cinéma américain tout entier, de ce début des années 50. Ainsi, le numéro, "That's entertainment !" (ça c'est du spectacle !), nous dit que le monde du cinéma, et du théâtre, ne peuvent vivre sans des histoires qui passionneront le public. Le conseil est très avisé, et Hollywood ferait bien de s'en inspirer plus souvent aujourd'hui. Cette chanson, "That's entertainment !" deviendra en quelque sorte, l'hymne de la MGM et fait revenir tous ceux qui l'entendent à cette jeunesse bénie et innocente du cinéma américain, où les couleurs explosait sur l'écran, où le cowboy partait avec sa belle au soleil couchant, et où le divertissement du public, était le seul credo de l'époque. Ce n'est donc pas un hasard, si en 1974, la MGM revisitant l'histoire de ses comédies musicales, reprend en titre de ses documentaire, et comme musique d'accompagnement, "That's entertainment !". Oui c'était du spectacle, et sans aucun doute, le plus beau spectacle, créé par les Dieux d'Hollywood pour distraire ses fidèles spectateurs. La devise de la MGM était "Ars Gratia Artis"  (l'art pour l'amour de l'art). J'ajouterai, "Quis Superabit", ou en français, qui fera mieux ?

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Extrait :

 

That's entertainment ! :

Disponible dans une belle édition Bluray, en VF (anecdocitque) et surtout VO sous-titrée français, avec de nombreux bonus, dont un reportage de 37 minutes expliquant le tournage du film.

Note : 9 / 10

22/03/2015

Le rodeur / The Prowler - 1951

"Le rodeur est le type même de films que l'on a sous-estimé pendant des années, n'ayant pas bénéficié d'une exposition suffisante. Pourtant il a tout pour plaire, un scénario pervers et tortueux, un personnage nocif et attirant, une photographie tout à fait honorable, et une réalisation parfaite, mais surtout des acteurs principaux (Van Heflin & Evelyn Keyes) au sommet de leur talent. La génèse du "rodeur", commence avec l'échec de "We Were Strangers", en 1949. En effet,  les producteurs Sam Spiegel et John Huston cherchent donc un scénario qui fera gagner de l'argent à leur compagnie indépendante, Horizon Films. Ils avaient acquis les droits d'une histoire de Robert Thoeren et d’Hans Wilhelm, nommée The Cost of living". A partir de là, Spiegel, confia l'écriture du scénario à Dalton Trumbo, sympathisant communiste, qui refusait de collaborer avec la commission Mc Carthy du congrès au moment de la chasse aux sorcières et de la constitution des listes noires. Trumbo avait été condamné et devait partir en prison. Il avait donc besoin d'argent pour sa famille avant de se rendre en prison. Malheureusement Spiegel avait une réputation d'être un voleur, de mal payer, voir ne pas payer du tout. Mais les gens travaillaient pour lui, car ils savaient que si il ne payait pas cette fois-ci, il les paierait la prochaine fois. Ceci dit, on raconte, que Trumbo, menaça Spiegel en voiture de son revolver, pour que ce dernier le paye l'écriture du scénario qu'il avait accompli. En dehors des talents douteux de Spiegel, pour économiser de l'argent, on peut noter la photographie correcte d'Arthur C Miller, dont ce sera malheureusement le dernier film. Mais si le scénario de Trumbo, semble être une constante provocation au comité de censure de l'époque, il touche son but et passionne. Et lorsqu'on regarde "le rodeur", on pense à "Assurance sur la mort" (1944) ou "au facteur sonne toujours de fois" (1946) de Tay Garnett avec Lana Turner et John Garfield.

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Mais l'autre grande qualité du "rodeur" ce sont ses acteurs. Ainsi, on peut citer, les deux têtes d'affiches, en la personne de Van Heflin et Evelyn Keyes. Van Heflin c'est un immense acteur, avec une énorme carrière, malheureusement oublié aujourd'hui et totalement sous-estimé. Pourtant on se rappelle de lui, déjà dans "La piste de Santa Fe" (1940), avec Errol Flynn, où il jouait un extrémiste abolitionniste. Puis, dans "Johnny, roi des gangsters" (1942), il était l'ami ivrogne du gangster Robert Taylor. En 1948, il était un touchant Portos, dans "les trois mousquetaires" avec Gene Kelly, et en 1949 il était encore parfait dans le pur chef-d'oeuvre Minnelli, "Madame Bovary". En 1970, il devait finir une carrière parsemée de chef-d'oeuvres, avec "Airport" et nous quitter en 1971 d'une crise cardiaque, qui devait l'emporter après 17 jours de coma. Evelyn Keyes, c'est évidemment la soeur de Scarlett O"hara dans "Autant en emporte le vent" (1939). C'est aussi une belle carrière, qui est malheureusement écrasée par ce petit rôle dans "autant en emporte le vent". Et les gens  ne souviennent d'elle, généralement que pour ce rôle. Elle le déplorait de son vivant. Et on peut dire qu'elle avait bien raison. Car Evelyn Keyes, est extraordinaire dans "le rodeur", où elle interprète une femme mariée, esseulée, et malheureuse. C'est peut être son plus grand rôle. Pour ma part, j'aimerais bien que Sidonis ou un autre éditeur, nous déniche une belle version, de "l'Affaire de la 99ème rue" (1953), qui a de très bonnes critiques. Vous l'aurez compris, "le rodeur" est quant à lui un très bon film, porté par ses acteurs, son scénario, sa réalisation et bénéficiant d'une photographie tout à fait intéressante. C'est donc un film à redécouvrir de toute urgence, ne serait-ce que pour le talent de ses interprètes principaux.

 

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Ci-dessus : Evelyn Keyes & Van Heflin

Film disponible en DVD zone 2 chez Wild Side en VO sous-titrée dans un superbe coffret comprenant un livre de 80 pages, expliquant le tournage.

Note : 8 / 10

21/03/2015

Meurtre à bord / Dangerous Crossing - 1953

On pourrait penser à ne pas bien y regarder, que "Meurtre à bord" est un petit film noir de série B, ayant pour vedette des habituels seconds rôles comme Jeanne Crain ou Michael Rennie. Mais il n'en est rien. En effet, "Meurtre à bord" ou dans son titre américain, "Dangerous crossing", cumule énormément de qualité. Evidemment, on peut parler de vraie qualité d'actrice de Jeanne Crain, qui joue à merveille, le rôle de cette femme perdue sur un paquebot et qui cherche désespérément son mari qui l'a abandonnée sur ce bateau. Est-il descendu au moment du départ ? Pourquoi personne ne veut admettre avoir vu son mari ? Le scénario est particulièrement bien ficelé est rappelle d'autres films, beaucoup plus récents, comme "Flight Plan" (2005) avec Jodie Foster ou le plus récent, "Non-Stop" (2014) avec Liam Neeson. Alors, évidemment, ici avec "Meurtre à bord", nous ne sommes pas devant un film d'action, mais devant un film noir des années 50. Le mystère reste pourtant entier, jusqu'aux ultimes minutes. Mais, le film n'a pas seulement un bon casting avec Jeanne Crain et Michael Rennie en vedettes. Il faut tout de suite noter la formidable direction artistique, avec l'intelligente réutilisation des magnifiques décors de deux autres grandes productions de la Twentieth Century Fox tournées la même année : "les hommes préfèrent les blondes" & "Titanic". Les intérieurs du bateau sont donc somptueux et particulièrement travaillés. L'ambiance est glauque à souhait avec cette terrible corne de brume qui ajoute un soupçon de terreur à la belle musique de Lionel Newman. Mais, on ne peut parler de ce film, sans évoquer également, la photographie remarquable de Joseph LaShelle. J'espère que les quelques images qui illustrent cette note, donnent grâce à son travail. Lorsqu'on sait en plus que ce film, a été tourné en seulement 90 jours pour un budget de 500 000 $, on a peine à imaginer que le résultat soit un film d'une telle qualité artistique. Du très beau cinéma ! Et un must pour les amateurs de films noirs.

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Ci-dessus : Jeanne Crain

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Ci-dessus : Jeanne Crain & Michael Rennie

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Ci-dessus : Jeanne Crain

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Ci-dessus : Jeanne Crain & Michael Rennie

Bande-annonce :

Disponible en DVD Zone 1 (pas free-zone), en VO sous-titrée français

Note : 8 / 10