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23/08/2015

Milliardaire malgré lui / It Could Happen To You - 1994

Il y a dans la masse de films que l'on regarde, quelques films touchants, auquel on a du mal à croire. C'est ainsi avec "Milliardaire malgré lui", qui nous raconte une histoire tellement belle comme un conte de fée, mais qui est pourtant vrai. Le film repose sur ce scénario à la Capra qui nous montre un policier qui joue au loto chaque semaine, peu heureux dans son mariage. Je ne vais pas vous raconter le scénario, car il est magnifique et ne pas gâcher votre plaisir. Mais dites vous bien, que le scénario est tiré d'une histoire vraie, comme  la vraie vie en produit de temps en temps, et qui nous permet de croire en l'Homme, malgré toutes les horreurs que l'on peut voir tous les jours au journal télévisé. Le film a aussi un bon casting, avec un trio d'acteurs : Nicolas Cage, Bridget Fonda et Rosie Perez. Nicolas Cage est particulièrement inspiré et trouve parfois des accents de James Stewart, dans son jeu. On reste surpris de voir, que le réalisateur Andrew Bergman n'a plus rien tourné depuis 2000, alors que ce film est tout à son honneur, correctement écrit et filmé. Je finirai cette note, pour donner un très bon à la musique de Carter Burwell, qui donne un ton merveilleux, et inattendu à cette histoire. Voilà, je ne veux pas trop en dire plus sur "Milliardaire malgré lui", car c'est un film qu'il faut découvrir. Et si vous le trouvez trop convenu, dites vous bien que tout ceci est vrai ! C'est un film qui ira chercher en vous, ce qu'il y a de meilleur : Votre âme d'enfant. Il y a des films distrayants qui font beaucoup pour rendre un individu meilleur, "milliardaire malgré lui" est de cela. Dans une époque comme la notre attirée par le nihilisme et la violence, "milliardaire malgré lui", sonne comme un conte de fée romantique. Et à la fin de la séance, on a envie de se lever d'applaudir, et de crier : Encore !

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Ci-dessus : Nicolas Cage

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Ci-dessus : Bridget Fonda & Nicolas Cage

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Ci-dessus : Bridget Fonda

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Ci-dessus : Nicolas Cage

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Ci-dessus : Rosie Perez, Nicolas Cage & Bridget Fonda

 

Extrait de la musique de Carter Burwell :

Disponible en DVD & Bluray en VF & VO sous-titrée

Note : 8 / 10

22/08/2015

Même les assassins tremblent / Split Second - 1953

"Même les assassins tremblent" est un film intéressant, car tout d'abord il nous permet de retrouver Dick Powell derrière la caméra en tant que réalisateur. Et c'est bien là toute l'originalité du film. En effet, Dick Powell était un chanteur de charme dans les années 20 et 30. On le retrouve ainsi dans plusieurs des plus belles comédies de cette période sous la chorégraphie de Busby Berkeley, et avec souvent sa future seconde femme pour compagne : Joan Blondell. Après Joan Blondell, il devait rester marier avec June Allyson jusqu'à sa mort. Et si le style du réalisateur Dick Powell n'est pas très affirmé, il reste néanmoins sérieux. Et "dans même les assassins tremblent", c'est le scénario qui attire. En effet, derrière ce modeste film noir de la RKO, il y a une étrange synchronicité que je vais vous révéler. Le scénario du film nous raconte, l'histoire se passe dans les années 50 et nous raconte le périple de trois évadés de prison en cavale, qui vont se réfugier dans une ancienne ville de mineurs, au fin fond de l'Ouest. Car c'est juste là qu'est prévu un test de bombe nucléaire. Le lieu semble être un abri sûr, mais aussi précaire, et particulièrement non durable. Ces gangsters vont prendre des otages sur leur chemin et l'étrange menace ajoutée à l'éloignement de toute civilisation, va révéler les vrais caractères de chacun. Lorsqu'on sait que Dick Powell, devait tourner "le conquérant" (1956), sur un ancien site militaire en Utah, ayant servi à des essais nucléaires, on trouve donc à "même les assassins tremblent" une étrange synchronicité temporelle. Mais il n'y a pas que le scénario d'intéressant, il y a aussi un casting intéressant avec Stephen McNally, que l'on a vu dans de très nombreux westerns, mais aussi la belle Alexis Smith, partenaire d'Errol Flynn dans "Dive Bomber" (1941), "Gentleman Jim" (1942), "San Antonio" (1945), "Montana" (1950)  ou de Bogart dans "la seconde Madame Caroll" (1947). On note aussi la présence de fabuleux seconds rôles, comme Jan Sterling, Arthur Hunnicutt (éternel vieux routier des westerns), ou du formidable Paul Kelly dans un petit rôle de truand, dont la carrière mériterait sans aucun doute d'être redécouverte. Ainsi, je me souviens de sa présence dans "les formidables années 20" (1939) de Raoul Walsh ou de son rôle de méchant dans "San Antonio" (1945). "Même les assassins tremblent" est donc clairement une petite production RKO, qui a du mal à sortir du lot de très grands films de l'année 1953. Mais, il n'en reste pas moins une production sérieuse, avec un bon casting, et des scènes finales très spectaculaires pour l'époque.

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Ci-dessus : Stephen McNally

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Ci-dessus : Keith Andes & Jan Sterling

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Film disponible aux éditions Montparnasse dans un master à la définition un peu molle (VO sous-titrée français uniquement).

Note : 6,5 / 10

02/08/2015

Scènes de ménage - 1954

Je vous propose de reparler un peu de cinéma français. Aujourd'hui, je vous propose un film très plaisant, "scènes de ménage" d'André Berthomieu. Le film a l'ambition de faire rire, et il y arrive pleinement. L'action se passant au début du siècle précédent, à Paris. Ainsi, on reste admiratif devant les costumes, le ton du film, la musique d'époque, et un peu avant, par ces premières images d'archives qui nous laissent voir un Paris oublié et disparu, mais qui n'a pas forcément tellement changé dans certains de ses quartiers historiques (la Concorde, l'Arc de Triomphe). Malheureusement après, cette entrée en matière plutôt convaincante, le film se divise en 3 sketchs qui sont autant de huis-clos filmés de façon relativement théâtrales, avec très peu de mouvement de caméra ou de scènes extérieures. Alors c'est vrai que cela peut s'expliquer par le fait que ce film est tiré de trois pièces de Georges Courteline : « La Peur des coups », « La Paix chez soi », « Les Boulingrin ». Ceci dit, lorsqu'on a franchi le pas, on rit, on sourit et surtout on savoure les dialogues de George Courteline, et de Marcel Achard pour les ajouts. En effet, tout cela est brillamment écrit, et parfaitement interprété par une pléïade d'acteurs français de grands talents. Ainsi, on peut citer, Louis de Funès, Marthe Mercadier, Sophie Desmarets, Bernard Blier, François Périer, Jean Richard, ou encore Marie Daems. Cela me donne l'occasion de rappeler à votre souvenir Marthe Mercadier, dont, sa fille Véronique a annoncé publiquement qu'elle était atteinte depuis un an de la maladie d'Alzheimer. Dans le magazine France Dimanche (avril 2014), Marthe Mercadier déclarait ne vivre que d'une retraite de 420 euros par mois, n'ayant pas cotisé aux caisses de retraites. Émus, les forains parisiens lui avaient offert une roulotte car elle avait été expulsée de son logement avec la fin de la trêve hivernale. Vous me rejoindrez probablement pour dire que tout cela est bien triste, pour une femme de 86 ans, qui a fait rire des générations de spectateurs. Quoiqu'il en soit, que cela ne vous gâche pas le plaisir de découvrir ce petit bijou de comédie à la française, intelligente, soignée, chic et folle, comme on en fait malheureusement plus, aujourd'hui. Le dernier sketch fou avec Louis De Funes, vaut à lui seul la vision du film. Ce n'est pas du très grand cinéma, mais du bon sans aucun doute.

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Ci-dessus : Marthe Mercadier se bat avec Louis De Funes

Disponible en DVD zone 2 chez Gaumont

Note : 7,5 / 10

28/07/2015

Week-End / Bank Holiday - 1938

"Week-End" est un film anglais en noir & blanc, de la firme "Gainsborough Pictures", qui a une comtesse qui salue comme logo. Aujourd'hui cela donne un côté classe, mais aussi désué à ce logo. A la fin des années 20, la société de production et de diffusion, "Gaumont British" prenait le contrôle de cette firme. Puis "Gaumont British devait se concentrer sur la production, pendant que "Gainsborough Pictures" devenait une partie de la "Rank Organisation". Le studio devait durer jusqu'en 1949, ou "Rank Organisation décidait de fermer ce studio. Dans les années 90, les studios de Lime Grove étaient encore utilisés par la télévision, mais finalement ils étaient détruits en 2002 et remplacés en 2004 par des appartements du nom de "Gainsborough studios", clin d'oeil à l'histoire du lieu. "Week-end" est un merveilleux film où se mêle toutes les classes sociales, comme dans de nombreux films des années 30. On pense tout de suite à "Grand Hotel" (1932) de Edmund Goulding tourné par la MGM, production d'Irving Thalberg. Dans "Week-end", on se concentre, sur les classes moyennes, ou les classes populaires. Carol Reed, nous montre deux copines, partant pour un concours de beauté, que l'une veut absolument gagner, un homme (Hugh Williams) et une femme (Margaret Lockwood) que l'on devine sa future maîtresse, mais qui ne sait pas bien pourquoi elle est venue se mêler à cette foule, alors que comme infirmière, elle se sent responsable d'un homme qui vient de perdre sa femme. Une autre, mariée avec un homme brutal rêve de romance et d'un jeune amoureux, typiquement une cougar avant l'heure. Ce qui est formidable dans "week-end" et généralement dans ces films chorals, c'est que chaque personnage a son importance et monopolise à un moment donné l'attention du spectateur.

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A la différence de "Grand Hotel", le scénario ne fait jamais se mêler la classe supérieure avec les petites gens. On sent ici qu'on veut éviter à tout prix la lutte des classes. La société anglaise de 1938, semble donc un espèce de paradis sur terre, où tout le monde part en vacances en même temps, aux mêmes endroits, et fait la même chose, dans une bonne humeur communicatrice. "Week-end" est donc autant une comédie, qu'un film sociétal. Mais on a quand même du mal à croire au scénario, qui va faire se jeter une infirmière vers un parfait inconnu et abandonner son amant. Ici dans ce film de Carol Reed, la femme est une espèce de Saintmaritain, qui va vers l'homme le plus malheureux, abandonnant sa vie passée pour lui. Simple, direct, efficace, mais finalement assez peu crédible, même pour l'époque. Ceci dit, on ne s'ennuie jamais devant "week-end" film d'une époque, avec la grande actrice, Margaret Lockwood, star du cinéma britannique des années 30 et 40, malheureusement totalement oubliée aujourd'hui en France. On notera enfin que la photographie d'Arthur Crabtree est loin d'être anodine ainsi que la musique de Louis Levy. "Week-end" est donc un très bon film, et un très bon choix de l'éditeur "Elephant Films". Pour ma part, je souhaiterais que cet éditeur nous sorte d'autres films de Margaret Lockwood, en particulier, ces merveilleux films avec Stewart Granger, totalement inédits en France, et qui sont d'une très haute valeur cinématographique. 

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Ci-dessus : John Lodge & Margaret Lockwood

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Ci-dessus : Margaret Lockwood

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Ci-dessus : Margaret Lockwood

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Disponible en DVD zone 2 chez Elephant Films en VO sous-titrée français

Note : 7,5 / 10

26/07/2015

L'héritage de la chair / Pinky - 1949

"L'héritage de la chair" fait parti de ces quelques films sur la ségrégation, qu'il faut avoir vu. En effet, il y a un temps aux USA, où le racisme et la ségrégation étaient une réalité. Ainsi, les USA, dans certains de ses états du Sud en 1949, faisaient d'un noir, un sous-citoyen, qui ne pouvait ni voter, ni fréquenter les mêmes écoles que les blancs, ni n'avoir aucun espoir de justice. Là bas, le racisme était tellement ancré dans les moeurs, que notre héroïne, Pinky, vue comme blanche, mais en réalité métisse, avait changé son nom  en Patricia, pour le blanchir. Il paraît assez incroyable que ce film ait pu se faire en 1949, et qu'on ait laissé tourner un film tellement accusateur, contre le système sudiste de l'époque. Ainsi, le film possède quelques scènes chocs, en particulier celle où Pinky jouée par Jeanne Crain, demande pardon à sa grand-mère de s'être fait passée pour blanche, ou la scène où elle est violentée, où encore celle où elle est incarcérée juste parce qu'elle est identifiée comme noire. Le film d'Elia Kazan est donc une bombe. On sait que John Ford avait commencé à travailler. Mais Ford n'était pas à l'aise sur la façon dont il voulait montrer les noirs à l'écran, et était en désaccord avec l'actrice noire, Ethel Waters. C'est le succès du film de Kazan, "le mur invisible" qui devait inciter Zanuck à s'attaquer au problème du racisme et qui choisit Ford pour le réaliser. Mais Ford est mal à l'aise avec le film. Zanuck dit à ce propos : «Il s'agissait d'une différence d'opinion professionnelle. Les noirs de Ford étaient des caricatures. J'ai pensé que nous allions vers de graves problèmes. Jack a dit : "Je pense qu'il vaut mieux mettre quelqu'un d'autre sur le film." J'ai dit : "Finissons la journée", et j'ai retiré Ford du film. Certains metteurs en scène sont remarquables dans certains domaines et totalement impuissants dans d'autres.» Donc c'est Elia Kazan qui reprit le film, à la demande du producteur Darryl F Zanuck. L'affiche d'origine belge ci-dessous, montre que même en Europe, le racisme n'était pas une mince affaire, et le titre "la négresse blanche", en est la preuve. Film sociétal, "l'héritage de la chair", est autant accusateur envers les états du Sud, que vers son public.

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Mais "l'héritage de la chair" ode contre le racisme, a aussi des défauts. On peut lui reprocher parfois un manque de rythme évident. Pourtant, chaque chose semble à sa place, et donne un ton, au scénario bien en place. Ainsi, le racisme semble aussi le reste de la maladie d'un Sud vaincue par la guerre de sécession. Les blancs sont souvent représentés comme des petits boutiquiers, ou les derniers représentants de grandes familles ruinées, autrefois riches par l'esclavage. Le racisme reste donc pour eux, le dernier des droits, le souvenir d'une supériorité disparue. Les noirs quant à eux, vivent dans la misère, entretenue par un système qui refuse qu'un blanc pauvre, puisse être l'égal en droit d'un noir pauvre. Les limites du film sont aussi celles d'une époque. La fin heureuse, ne porte en elle que l'amélioration de la condition des jeunes filles noires. En rien, elle ne remet en cause la ségrégation. Pourtant c'est dans cette propre limite, et dans ce parcours de femme, que "l'héritage de la chair" révolutionne. Il met en 1949, le problème noir, au coeur de la société, renvoyant l'image d'une certaine Amérique, profondément raciste. En ce sens, il annonce les mouvements des droits civiques du pasteur Martin Luther King, et les grands bouleversements des années 60, qui feront des noirs américains, des citoyens à part entière. Pour en revenir, au film, il faut noter que l'actrice noire, Ethel Waters, deviendra la seconde afro-américaine à être nominée pour les Oscars, après Hattie McDaniel. Vous l'aurez donc compris, "l'héritage de la chair" est un film à voir, ne serait-ce que pour la belle, Jeanne Crain, dont on aimerait bien découvrir quelques autres films en France. Ainsi le film noir "Vicki", introuvable jusqu'à aujourd'hui en version sous-titrée français.

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Ci-dessus : Jeanne Crain & Ethel Waters

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Ci-dessus : Jeanne Crain & Ethel Waters

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Ci-dessus : Jeanne Crain avec Ethel Barrymore

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Ci-dessus : William Lundigan & Jeanne Crain

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Ci-dessus : Jeanne Crain

Disponible en DVD Zone 2, VO sous-titrée français, chez Hollywood Legends

Note : 7,5 / 10

22/07/2015

Les passagers de la nuit / Dark Passage - 1947

1947, Humphrey Bogart était devenu une immense vedette. C'était bien fini le temps d'un Bogart, jouant le rôle de faire-valoir du héros, ou qui se complaisait dans le rôle de méchant de service, comme dans "la caravane héroïque" (1940) ou dans de très nombreux films de gangsters des années 30. Comme beaucoup de mes lecteurs le savent c'est surtout "Casablanca" (1942) qui a changé la donne de la carrière de Bogart, et le monde découvre alors un talent qu'il avait aperçu jusqu'alors de loin, dans quelques grands films, comme "une femme dangereuse" (1940), ou encore "la grande évasion", "le faucon maltais" (1941). Dans ces deux derniers films, Bogart assumait pleinement son statut de vedette mais pas encore d'immense star, qu'il allait devenir un an plus tard. Et donc depuis "Casablanca" (1942), Bogart enchaine les très grands films. Les plus célèbres de cette période sont évidemment, "le port de l'angoisse" (1944), "le grand sommeil" (1946) et plus tard "Key Largo" (1948), tous les trois tournés avec sa compagne à la ville, Lauren Bacall. Bogart / Bacall, est bien le couple mythique du Hollywood de cette époque. Et c'est un des rares qui a survécu à la folie du système hollywoodien. Pour en revenir, à notre film, "les passagers de la nuit", est le troisième film de Bogart avec Bacall. Il tourné en noir & blanc, par Delmer Daves pour le compte de la Warner Bros, le film est à classer dans la catégorie film noir et dans les excellents films de Delmer Daves. Delmer Daves on se souvient de lui pour ses films noirs, mais aussi pour ses westerns originaux. Ainsi, dans "la flèche brisée" (1950), il se mettait du côté des indiens, et montrait l'iniquité de la justice des blancs envers, les natifs américains. Dans "3H10 pour Yuma", il mettait en scène un scénario de film noir, dans l'univers du western. Comme souvent dans sa carrière, Delmer Daves est réalisateur des "passagers de la nuit", mais également scénariste.

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Le film est une réussite par son casting, son scénario, mais aussi de par sa réalisation incroyablement novatrice pour l'époque. Ainsi, dans ses 10 premières minutes, Daves filme en perspective en se plaçant dans la peau du personnage joué par Bogart. Le spectateur est donc scotché à son fauteuil, se demandant qu'elle va être la suite de l'histoire et que va faire le héros. Dès le départ, Daves arrive ainsi à mobiliser l'attention du spectateur. Il va avoir de nouveau recours à ce procédé dans le premier tiers du film. Ainsi, pendant 40 minutes, on ne voit jamais le visage de Bogart. Cela donne au film, un ton tout à fait particulier pour l'époque et assez unique. Et l'épisode du cauchemar de Bogart est tout aussi marquant. Mais "les passagers de la nuit", c'est aussi le tournage dans un San Francisco brumeux de 1947, qui donne au film un caractère poétique. Cette ville filmée, le plus souvent la nuit ou au petit matin, fait beaucoup pour mettre le film, bien au-dessus du lot. Daves, dans son plaisir à filmer le visage des acteurs, fait contraste à sa volonté de ne pas filmer le visage de Bogart dans le premier tiers du film. A tout cela, il faut ajouter la belle musique de Franz Waxman, aidé de Max Steiner, qui l'un et l'autre font également, beaucoup pour rendre le film marquant. "Les passagers de la nuit" est donc une très belle réussite, filmé avec beaucoup de poésie. Ce film possède encore aujourd'hui un charme fou. Il mériterait sans aucun doute, une restauration et une sortie Bluray, ne serait ce que pour son côté documentaire, et sa plongée dans le San Francisco de 1947. Parfois il m'arrive de me demander, si la Warner sait mettre en valeur les pépites qu'elle possède dans son catalogue.

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Ci-dessus : Lauren Bacall (avec Bogart que l'on doit imaginer en face d'elle)

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Ci-dessus : Bogart (au fond) et au premier plan Tom D'Andrea

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Ci-dessus : Lauren Bacall & Humphrey Bogart

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Ci-dessus : Lauren Bacall & Humphrey Bogart

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Ci-dessus : Excellent plan de Daves, qui montre la menace dans le dos de Bogart

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Ci-dessus : Agnes Moorehead (dont la personnalité perverse de son personnage est mis en valeur magnifiquement dans ce plan rapproché)

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Ci-dessus : Humphrey Bogart & Agnes Moorehead

 

La bande-annonce :

Disponible en DVD Zone 2 ou DVD zone 1 chez Warner en VO sous-titrée (je ne sais pas si il y a une VF sur le zone 2, possédant l'édition zone 1 sous-titrée français).

Note : 8 / 10

13/07/2015

Les voyages de Sullivan / Sullivan's Travels - 1941

On ne peut parler des "voyages de Sullivan" sans parler de l'époque où il a été tourné. En effet, en 1941, l'Allemagne nazie est vainqueur sur tous les fronts. Et le cinéma hollywoodien produit un cinéma souvent marqué par la propagande, voir par des idées socialistes ou communistes. On reste ainsi, assez marqué par le début du film, qui nous montre un réalisateur (Joel McCrea), expliquant que son film dans le film, est une lutte entre la misère et le Capital. Ensuite, ce même réalisateur, souhaite alors prendre l'apparence d'un pauvre et vivre parmi les pauvres, pour mieux en décrire au public la misère dans ses futures créations. On ne sait pas bien où le scénario va nous mener. Et pendant la première heure, le film navigue entre le rire et les larmes, dans une errance et des gags quelque peu factices. On ne sait pas bien où tout cela va nous mener, sinon comme l'autocar des suiveurs, dans un fossé. On retient tout de même, cet hommage muet pendant de longues minutes, qui est à n'en pas douter un hommage à Chaplin. Et puis après la première heure, le film prend un ton sérieux, et dramatique et semble réellement prendre son envol. Et les conséquences de cette négation de ce qu'il est, amène le personnage de Joel McCrea, dans un bouleversement de tout son personnage, qui ne peut revenir à son état initial, que par une révélation au monde, de ce qu'il a fait. Le retournement final est donc assez bien trouvé. Le film, s'appuie sur une réalisation sérieuse, une photographie soignée, et le bon duo personnifié par Veronika Lake et Joel McCrea. Il n'en reste, pas moins, que John Sturges, ne semble jamais trouver le ton juste, en particulier dans cette première heure, assez déroutante. Tout cela donne l'effet d'un film assez déséquilibré au niveau de sa narration, mais dont on doit retenir les vraies qualités cinématographiques. L'aveu final, sonne comme une déclaration de John Sturges lui même, qui semble dire : "Jamais on ne m'y reprendra, à réaliser des scènes dramatiques". On veut bien le croire.

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Ci-dessus : Joel McCrea & Veronika Lake

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Ci-dessus : Veronika Lake

 

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Ci-dessus : Veronika Lake & Joel McCrea

Disponible en DVD sous-titrée en français.

Note : 6,5 / 10

10/07/2015

Madeleine - 1950

"Madeleine" est un autre film de la période classique et de jeuness de David Lean. Le scénario est tiré d'une histoire vraie, qui se déroule à Glasgow en 1857. Et il faut bien dire qu'elle est assez incroyable pour l'époque victorienne dans laquelle elle se déroule. En effet, elle raconte l'histoire de Madeleine Smith, et de son amant français Emile L'Anglier. Madeleine et sa famille très stricte viennent habiter une nouvelle maison à Glasgow, et la chambre de Madeleine est située au sous-sol du bâtiment près de celle de la gouvernante. Et c'est dans la chambre de la gouvernante que la jeune fille va recevoir son amant. Rien d'étonnant pour notre époque, il est vrai. Mais il n'en était pas de même ni en 1857, ni en 1950 au moment du tournage du film. Ainsi, si Lean ne montre aucun corps, aucune scène de sexualité. Il n'en reste pas moins que les deux tiers du film, sont intellectuellement sexualisés à outrance. Ainsi, dès le départ, le regard mystérieux de la jeune fille qui découvre ce sous-sol, laisse supposer bien des pensées inavouables. Enfin, la rencontre des deux amants, ne laisse aucun doute sur leur relation charnelle. Le génie de Lean est qu'il arrive à faire passer tous ces messages, sans jamais dévoiler le corps de sa femme dans la vie, l'actrice Ann Todd. Ainsi, il magnifie l'ensemble en s'appuyant sur la photographie prodigieuse de Guy Green, mais aussi sur les dialogues, le scénario et les situations parfois très érotiques de cette relation amoureuse cachée.

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Je n'en dirai pas plus, pour ne pas gâcher votre plaisir de découvrir ce petit bijou pour adulte ou adolescent. Mais je n'ai pas souvenir d'avoir vu un film de cette période, si baignée d'érotisme, et pourtant dans lequel où on ne distingue ni une jambe, ni un sein ! Et pourtant, on en est pas déçu. On accroche vraiment à cette histoire et à cette belle photographie. Ann Todd est prodigieuse dans ce film, ainsi que celui qui joue le rôle de son amant, l'acteur Ivan Desny. On peut citer également Leslie Banks, qui joue le rôle de ce père, avec lequel la jeune fille ne peut communiquer. A tout cela, il faut dire quelques mots, sur la belle musique romantique du grand William Alwyn qui nous donne ici une partie de l'étendu de son talent en composant une musique symphonique et romantique au possible. Malgré tout, Lean n'a pas été totalement satisfait de son film. Et on peut le rejoindre, sur un point : le dernier tiers du film et sa fin n'apportent rien. Ceci dit, on gardera les bons points du film : histoire, acteurs, photographie, musique. Pour tout cela, ce film, "Madeleine" est une curiosité qui mérite réellement d'être sorti de l'oubli et de figurer dans les grands films du cinéma britannique.

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Ci-dessus : Ann Todd & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Todd & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Tood & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Tood & Eugene Deckers

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Ci-dessus : Ann Tood

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Ci-dessus : Ann Todd

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Ci-dessus : Ann Todd

 

Extrait de la musique :

Film disponible en VO sous-titrée français, dans le fameux coffret "David Lean, les premiers chefs d'oeuvre".

 

Note : 7,5 / 10

04/07/2015

Brève Rencontre / Brief Encounter - 1945

Il faut absolument redécouvrir l'oeuvre de jeunesse de David Lean. En effet, cette période comporte quelques perles. Ainsi, après un film de guerre "Ceux qui servent en mer" (1942) et deux comédies "heureux mortels" (1944) et "L'Esprit s'amuse" (1945), Lean se tourne vers le mélodrame avec tout d'abord "Brève Rencontre" tourné également en 1945, puis deux films aux scénarios tirés de la littérature classique anglaise "Les Grandes Espérances" (1946), "Oliver Twist" (1948). Puis un mélodrame et un drame "les amants passionnés" (1949) et "Madeleine" (1950). "Brève rencontre" qui est un mélodrame, s'inscrit donc logiquement dans l'oeuvre de l'auteur. "Brève rencontre" est une adaptation d'une pièce de Noël Coward "Still Life" (1936), qui appartient à un groupe de dix courtes pièces connues sous le titre d’ensemble "Tonight at 8:30", et qui étaient destinées à être jouées par Noël Coward lui-même. Le film se passe essentiellement dans une gare, et raconte la brève rencontre d'un homme et d'une femme, tous les deux mariés. Cette histoire d'amour, convient tout à fait au style intimiste de Lean, dont le récit n'est perturbé que par la vie d'un buffet présent dans la gare. Le génie de Lean est de nous proposer des plans photographiés magnifiquement, qui illustrent tout aussi bien l'intimité des personnages, que la relation un peu cachée qu'ils mènent. Mais Lean, nous propose un couple normal qui n'a rien d'un couple de stars hollywoodiennes. Ainsi, Trevor Howard et Celia Johnson représentent un peu Monsieur et Madame Tout-le-monde". Cela ajoute à la crédibilité du récit. La gare est le lieu symbolique par excellence de la rencontre que ce soit entre les 2 protagonistes ou entre les différents personnages secondaires qui fréquentent le buffet. En effet, la gare amène de nombreuses personnes, qui ne s'y attardent pas, mais s'y croisent. Et la gare représente aussi, le destin des voyageurs. Combien de fois, le cinéma nous a montré des couples qui se séparent ou se retrouvent sur un quai de gare ! On ne peut évoquer ce film, sans parler de sa musique et du deuxième concerto de Rachmaninov qui illustre quelques uns des moments clés du film. Mais "Brève rencontre" est aussi, évidemment marqué par la pudeur d'une époque, qui refusait de regarder l'adultère en face. Ainsi, cela peut faire aujourd'hui sourire, mais il faut quand même dire, que le film a été interdit, lors de sa sortie, par la censure en Irlande. Il en a été de même aux Pays-Bas notamment, où il fut interdit aux moins de 18 ans, alors qu'il n'a absolument rien de pornographique. La critique quant à elle n'avait que faire de la censure, et le film partagea le grand prix du festival de Cannes et plusieurs nominations. Tout cela, était totalement mérité, et couronnait un magnifique mélodrame anglais, et un film d'une très grande qualité esthétique, tourné sans nulle doute, par un génie du cinéma.

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Ci-dessus : Trevor Howard & Celia Johnson

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Ci-dessus (de gauche à droite) : Everley Gregg, Trevor Howard & Celia Johnson

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Ci-dessus : Trevor Howard & Celia Johnson

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Ci-dessus : Trevor Howard & Celia Johnson

 

Extrait du concerto N°2 de Rachmaninov :

 Film disponible en DVD zone 2, en VO sous-titrée français, au sein du coffret "David Lean - Les premiers chefs-d'oeuvre"

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Note : 8 / 10

01/07/2015

Désirée - 1954

Le cinéma a beaucoup représenté le personnage de Napoléon que ce soit comme personnage principal ou comme personnage secondaire. On peut citer le mythique "Napoléon" d'Abel Gance tourné en 1927, avec ces 15 versions et montages différents ! Et dans la galerie des films sur l'empereur, il y a aussi "Austerlitz" (1960) du même Abel Gance, ou encore "Guerre et Paix" (1956) de King Vidor, ou une autre version de "Guerre et Paix" (1967) soviétique cette fois, de Sergueï Bondartchouk. On doit également à ce même Sergueï Bondartchouk, "Waterloo" (1970), récit de la célèbre bataille des cents jours.  "Désirée" est quant à lui, un film en Technicolor et Cinémascope produit par la Twentieth Century Fox, et tourné par Henry Koster. La version mis à disposition par l'éditeur Opening est quant à elle en Pan&Scan en dehors de son titre de début et de fin. Cela aurait pu être très destructeur pour l'oeuvre, mais ça ne l'est pas. Et cette version est tout à fait visible. Henry Koster (de son vrai nom Herman Kosterlitz), est un réalisateur allemand, qui avait fui l'Allemagne à l'arrivée des nazis, et il avait américanisé son nom comme beaucoup d'autres. "Désirée, raconte" une partie de la vie sentimentale de Désirée Clary, fiancée du tout jeune général Napoléon Bonaparte. Le film ne s'embarrasse pas beaucoup de considérations historiques. Ainsi, il y a des erreurs. Lorsque la servante de Désirée dit qu'il y a trop de guerres et parle d'un conflit avec l'Espagne, au moment du sacre de Napoléon. Or au moment du sacre de Napoléon, la France était une alliée de l'Espagne. De plus, certains aspects de la vie de Désirée sont gommés. Il n'en reste pas moins que Marlon Brando est extraordinaire en Napoléon 1er, jouant son rôle pour nous rendre un Napoléon 1er plus vrai que nature ! C'est bien simple, on dirait que l'empereur est là, à l'écran. Brando arriver d'ailleurs à jouer le jeune Bonaparte et Napoléon 1er à la fin de son règne. La performance est donc assez impressionnante. Jean Simmons est une parfaite ingénue dans son rôle de Désirée, et arrive à donner un ton très léger au film, qui lui enlève tout le caractère indigeste qu'il aurait pu avoir. Son duo avec Marlon Brando est ainsi, très bon. Brando amène toute sa présence et son incarnation du personnage historique, et Jean Simmons amène une insouciance et une légèreté toute féminine, qui font beaucoup pour rendre le film sympathique à regarder.

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Le reste du casting, est intéressant avec Merle Oberon plutôt convaincante en Joséphine, Michael Rennie pas si mal en Maréchal Bernadotte. Seul, Cameron Mitchell  semble peu ressemblant en Joseph Bonaparte. Il fait néanmoins ce qu'il peut, sans gâcher l'oeuvre. Si le budget du film est conséquent, il ne lui permet pas de retracer et reconstituer toute l'épopée napoléonienne, il se concentre donc sur quelques évènements (le sacre) et fait en sorte d'axer son histoire sur les rapports entre Désirée et Napoléon. Il n'en reste pas moins que cela donne malgré tout, un effet statique à l'oeuvre. Mais, le public n'est pas frustré, car Brando tient le film. Ceci dit, c'est vrai, on aura droit ici ni au siège de Toulon, ni à Austerlitz, ni à Waterloo ... De plus, quelques scènes représentants des extérieurs sont tournés en studio. Aujourd'hui c'est assez compliqué de les revoir avec nos yeux de spectateurs d'aujourd'hui. Le film bénéficie néanmoins de costumes admirables et d'une réalisation correcte. Et entre les costumes, Brando, la légèreté de Jean Simmons, et l'histoire mythique, il est assez facile de se laisser emporter par la légende, et de ne jamais regarder sa montre. L'éditeur Twilight Time avait sorti une version Bluray pour le marché anglo-saxon, avec une image au format Cinémascope respecté. Il serait bien qu'un éditeur français fasse de même, avant la fin de l'année 2015. Ce serait ainsi rendre hommage au plus grand homme de l'histoire de France et à peut être un des plus grands héros de l'histoire mondiale.

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Ci-dessus : A droite Napoléon 1er peint par Paul Delaroche, à droite Marlon Brando

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Ci-dessus à droite : Marlon brando en général Bonaparte

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Ci-dessus : Marlon Brando & Merle Oberon

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Ci-dessus : Jean Simmons

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Ci-dessus : l'empereur ... euh non l'acteur Marlon Brando

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Ci-dessus : Marlon Brando en Napoléon 1er

 

Extrait de la musique d'Alex North :

A voir en DVD zone 2 en VF et VO sous-titrée français. A quand un Bluray pour le marché français ?

Note : 7,5 / 10

29/06/2015

Victoire sur la nuit / Dark Victory - 1939

Pour mes lecteurs cinéphiles, je crois qu'il est inutile de rappeler que l'année 1939 a été une grande année pour le cinéma américain. Ainsi l'année 1939 a vu la réapparition de grands westerns, comme 'la chevauchée fanstastique" de John Ford avec John Wayne, ou "le brigand bien-aimé" avec Tyrone Power. Mais l'année 1939, c'est aussi l'année des grands spectacles avec bien sûr "Autant en emporte le vent" produit par David O Selznick. On peut citer également "Quasimodo" tourné par William Dieterle. Mais 1939, est aussi une grande année pour Bette Davis. En effet, elle devait tourner également avec Goulding "The Old Maid", puis "The Private Lives of Elizabeth and Essex" sous la direction de Michael Curtiz. Ces deux films ainsi que "Victoire sur la nuit" furent trois grands succès pour Bette Davis en cette année 1939. A ces films il faut ajouter aussi "Juarez" de William Dieterle avec Paul Muni, tourné également en 1939. Mais 1939, c'est également pour Bette Davis, l'année de son deuxième Oscar de meilleur actrice reçu pour "l'insoumise" tourné un an plus tôt, et qui se voulait être le concurrent de la Warner, contre "autant en emporte le vent". "Victoire sur la nuit" est quant à lui, un drame à l'accent mélodramatique, comme on savait les faire dans les années 30. On retrouve en plus de Bette Davis, George Brent, Humphrey Bogart, Geraldine Fitzgerald et Ronald Reagan. Et si on remarque la jolie Geraldine Fitzgerald, c'est bien le couple Bette Davis / George Brent, qui monopolise l'intrigue et les meilleurs scènes.

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Le scénario est particulièrement propice à l'émotion. Ainsi, il tourmente les sentiments du public, montrant une jeune héritière insouciante touchée par une incurable tumeur au cerveau. Le film nous propose donc une histoire qui tourne autour des dernières années de vie de cette jeune femme pleine de vie. Au delà, de l'injustice de son sort, c'est bien de notre Humanité qu'il est ici question. Que ferions-nous si il nous était possible de connaître le moment de notre mort ? Comment nos relations avec les autres en serez affectées ? C'est ainsi que le magnifique scénario de Casey Robinson d'après la pièce de John Emerson Brewer Jr. et Bertram Bloch, déroule méthodiquement sa trame. Et si il y a un personnage qui n'apparaît jamais quasiment à l'écran, mais qui rode partout, c'est bien la Mort. Partout présente, dans presque chaque moment du film, et dans les esprits, elle rode à travers la maladie. Mais cette mort, est aussi le destin de l'être humain. Et le film nous explique que nous ne devons pas nous inquiéter de ce qui doit arriver. et de notre fin La grandeur de l'Homme  se doit être de dépasser sa peur de la mort et de vivre dans la joie et la dignité le moment présent. Le personnage de Bette Davis, est aussi un personnage de femme forte et indépendante, qui contraste avec les personnages féminins de nombre de mélodrames de cette époque. Ici, elle est le plus souvent indépendante. C'est peut être aussi pour ça, que "Dark Victory" est resté un éternel classique. A cela, il a été bien aidé par la splendide musique de Max Steiner, qui a fait beaucoup pour inscrire le film dans la liste des très grands films de l'année 1939, mais aussi tout simplement dans la mémoire de tous ceux qui aiment le cinéma. Comme l'a bien chanté Kim Carnes : "You won't have to think twice, She's pure as New York snow, She got Bette Davis eyes"

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Ci-dessus : George Brent & Bette Davis

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Ci-dessus : Bette Davis & Humphrey Bogart

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Ci-dessus : Bette Davis & George Brent

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Ci-dessus : Geraldine Fitzgerald, George Brent & Bette Davis

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Ci-dessus : Bette Davis

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Ci-dessus : George Brent & Geraldine Fitzgerald

 

La bande-annonce :

 

Extrait de la musique de Max Steiner :

Disponible en DVD zone 1 ou Bluray Free zone chez Warner en VO sous-titrée français (voir sur Amazon Espagne pour un prix intéressant).

 

Note : 7,5 / 10

28/06/2015

Cowboy - 1958

Avec "Cowboy", Delmer Daves nous propose un sujet plus léger que "3H10 pour Yuma" tourné l'année précédente. Ainsi, Jack Lemmon arrive à mettre un peu d'humour à son personnage de pied-tendre, qui veut devenir "cowboy" pour retrouver au Mexique, une belle mexicaine. Mais la vie de cowboy n'est pas de tout repos et se relèvera parfois dramatique. Le scénario sera le dernier de Dalton Trumbo et au générique ce sera Edmund N North que l'on créditera du scénario. Malgré un sujet très différent de "3H10 pour Yuma", Delmer Daves reprendra la même équipe, avec Glenn Ford dans le rôle titre, mais aussi Richard Jaeckel dans les seconds rôles, Charles Lawton Jr à la photographie, et George Duning à la musique. Pourtant la réussite n'est pas tout à fait la même que dans "3H10 pour Yuma". En effet, la photographie paraît plus banale. On peut dire un peu pareil de la réalisation de Delmer Daves ou de la musique de George Duning moins marquante que sur la précédente oeuvre de Delmer Daves. Il n'en reste pas moins que le film reste assez marquant, de par son casting et son scénario. Ainsi, si j'ai dit que Jack Lemmon amenait parfois une touche d'humour, le film nous permet également de retrouver Brian Donlevy, à qui on aurait souhaité un rôle plus étoffé. Cela aurait aussi, permis de sortir d'une vision un peu binaire et de ce conflit entre deux hommes. "Cowboy" reste néanmoins un bon spectacle, et un film assez attachant.

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Extrait de la musique de George Duning :

Disponible en Bluray en VF et VO sous-titrée chez Carlotta

Note : 7 / 10

27/06/2015

3H10 pour Yuma / 3:10 to Yuma - 1957

1957, est une grande année du western. Ainsi, de très nombreux westerns sont tournés cette année là. On tourne beaucoup de westerns de série, certains de qualités moyennes et d'autres très bons. On peut citer dans ces petits westerns excellents : "Quantez leur dernier repaire" avec Fred MacMurray et Dorothy Malone, ou encore "Joe Dakota" avec Jock Mahoney & Luana Patten. A côté de ces westerns peu ambitieux, mais à la qualité appréciable, il y a de très grands westerns, comme "règlement de comptes à Ok Corral" de John Sturges avec le duo Burt Lancaster / Kirk Douglas. "3H10 pour Yuma" de Delmer Daves, en fait clairement  parti de ces grands westerns. Mais est-ce vraiment un western ? En effet, si l'ambiance et les paysages de l'Ouest sont bien présents, le scénario est lui beaucoup plus proche de celui d'un film noir. En effet, un misérable petit fermier (joué par Van Heflin) est témoin d'une attaque meurtrière de diligence par une bande menée par (Glenn Ford). Le personnage joué par Van Heflin va alors se retrouver en charge de ramener le chef de bande au train de 3H10 qui part pour Yuma et sa prison. Mais les complices vont l'attendre à la sortie de l'hôtel, afin de récupérer leur chef. Contrairement à la version de 2007, avec Russel Crowe et Christian Bale, ici l'action est totalement minorée. On est plus proche de la tension nerveuse et du climat angoissant du film noir. D'ailleurs la photographie de Charles Lawton Jr est plus proche de celle d'un film noir, que d'un western. En effet, Charles Lawton Jr nous donne une photographie noir & blanc très contrastée.  On notera que ce dernier sera plusieurs fois le directeur de la photographie du réalisateur Delmer Daves. Ainsi ils collaboreront tous deux, sur "Cow-boy" (1958), "l'amour à l'italienne" (1962) et sur "La Montagne des neuf Spencer" (1963). "3H10 pour Yuma" profite donc de ce climat et de cette photographie noire, pour nous donner une ambiance tendue, très particulière et que l'on retrouve finalement assez rarement sous cette forme. Il faut noter aussi la présence féminine de Felicia Farr, qui étonne par la modernité de son personnage, qui se donne sans remord à un hors-la-loi. Delmer Daves, réalisateur trop oublié aujourd'hui nous donne ici un western au carrefour du film noir, aux plans stylisés, étonnamment modernes. "3H10 pour Yuma" reste un classique inoubliable. On peut sans aucun doute remercier chaleureusement, l'éditeur Carlotta pour cette sortie bienvenue, et cette belle édition remplie de bonus.

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Ci-dessus : Glenn Ford

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Ci-dessus : Felicia Farr & Glenn Ford

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Ci-dessus : Van Heflin

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Ci-dessus : Van Heflin & Glenn Ford

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Ci-dessus : Leora Dana

 

Musique du titre par George Duning & chantée par Frankie Laine :

 

Bande-annonce :

Disponible en DVD (2002) & Bluray (2015) chez Carlotta en VF et VO sous-titrée

 

 Note : 8 / 10

21/06/2015

Quasimodo / The Hunchback of Notre Dame - 1939

Des milliers de films que l'on peut voir dans une vie d'homme, seuls quelques uns restent présents dans notre mémoire, comme des oeuvres mythiques et inoubliables. Incontestablement, "Quasimodo" de William Dieterle est de ceux là. Le film est évidement tiré du roman de Victor Hugo, "le bossu de Notre Dame". C'est un remake d'une version de 1923, tourné avec Lon Chainey dans le rôle titre. Cette nouvelle version, nous raconte donc une 'histoire qui se situe à la fin du Moyen-Age. Dans cette histoire, on retrouve les personnages du roman de Hugo : Quasimodo, le sonneur bossu des cloches de Notre Dame, Esméralda la belle bohémienne, aimée de tous, mais trop aimé par un homme trop frustré et dévot (Frollo), qui perd son âme à vouloir la posséder. La RKO a fait un énorme dans cette production énorme qui a coûté en 1939, 1,8 millions de dollars de l'époque. Et comme vous le savez, à cette époque, il n'y avait pas d'effets spéciaux. La recréation du bossu par les maquilleurs est donc magnifique. Et on imagine sans peine, la corvée quotidienne pour Charles Laughton et le maquilleur. Ainsi, on se rend compte que tout est parfait, et on a l'impression de voir réellement un monstre bossu. Mais ce qui est le plus bluffant, ce sont sans nulle doute, les décors somptueux, et la recréation du Paris du Moyen-Age, sur les 15 hectares du ranch de la RKO, dans  la San Fernando Valley par le célèbre décorateur Van Nest Polglase. Ainsi, on retrouve Paris de cette époque, avec ses rues sombres et au milieu Notre-Dame. Comment ont ils pu recréer cette ville sans aucun effet numérique ? Cela reste pour moi un mystère. Mais le résultat à l'écran est, en tous les cas, inoubliable. La distribution est quant à elle de très haut niveau avec dans un de ses premiers films, Maureen O'Hara qui crève littéralement l'écran du haut de sa beauté et de ses 19 ans. On doit citer évidemment Charles Laughton inoubliable bossu, mais aussi Edmond O'Brien plutôt pas mal ici, mais aussi Thomas Mitchell et Harry Davenport. Ces deux derniers se sont retrouvés la même année pour "Autant en Emporte le Vent".

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Mais "Quasimodo" n'est pas seulement marquant par ses décors, ses 3500 figurants, ses costumes ou son casting de rêve. Il est aussi marquant par une incroyable photographie et une musique bénie des Dieux d'Alfred Newman. Le film laisse donc un souvenir impérissable. Et on peut être sûr qu'il aurait raflé une pluie d'Oscars, si un des plus grands films de l'histoire du cinéma n'était pas sorti cette même année 1939 : "Autant en Emporte le vent". Je vous invite donc très fortement à vous procurer la superbe édition que la Warner a sorti en Bluray en Coffret ou en version individuel. En effet, la restauration de l'image et du son, au profit de cette édition est réellement somptueuse. Et on redécouvre le film quasiment comme si il avait été tourné hier. Vous bénéficierez enfin de quelques bonus sous-titrés en français. Vous pourrez ainsi profiter d'un des plus beaux films de l'histoire du cinéma et vous mettre vous aussi à crier : "Sanctuary !" "Sanctuary !"

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (Copie écran DVD)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Frollo (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus: Thomas Mitchell (Copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Charles Laughton & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Charles Laughton & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : "Que ne suis je de pierre moi aussi !"

 

Extrait de la musique d'Alfred Newman :

 

Montage vidéo :

Disponible en DVD & surtout dans une superbe édition Bluray zone Free, en VO sous-titrée français, totalement restaurée qui fait honneur à l'oeuvre originale. Disponible sur Amazon Espagne pour moins de 10 € (autant dire que c'est cadeau).

Note : 9,5 / 10

20/06/2015

The lost moment - 1947

Tiré d'une nouvelle de Henry James "Les Papiers d'Aspern", qui lui fut inspiré d'une histoire, sur un admirateur de Percy Shelley, "the lost moment" nous offre un film noir psychologique et quelque peu mélodramatique, à l'atmosphère gothique. Ainsi, tout est fait pour rendre le spectateur mal à l'aise avec cette histoire d'éditeur (Robert Cummings) qui se retrouve dans une vieille demeure de Venise à la recherche de lettres d'amour d'un poète. La maison est morte et vit dans le souvenir de cet être cher disparu, et par ce souvenir de l'amour de la vieille femme (jouée par Agnes Moorehead), qui y habite pour cet homme disparu. Sa jeune nièce Tina, (jouée par Susan Hayward), se prend alors pour la jeune Juliana Borderau et se crée un monde imaginaire aux confins de la folie. C'est cet aspect qui surprend le plus, dans les bonus que nous proposent Sidonis. En effet, ni Mr Patrick Brion, ni François Guérif n'évoquent cet espèce de cas clinique. Pourtant, Susan Hayward joue bien une femme atteinte d'un trouble mental, de dédoublement de la personnalité. A ce moment là, son idylle dans le film, avec Robert Cummings prend alors tout son sens, car elle nous renvoie à un autre film, "Crimes sans châtiment" (1942), produit par la Warner et réalisé par Sam Wood. En effet, dans ce dernier film, Robert Cummings tombait amoureux d'une jeune fille schizophrène jouée par une Betty Field à l'interprétation inoubliable. Le seul reproche que l'on peut faire à "the lost moment" est de ne pas vouloir finalement aller au bout de ses idées. Malgré tout le talent des acteurs, une belle photographie de Mal Mohr, l'ensemble ne respire jamais, d'une véritable émotion qui puisse élever son sujet. On ne sait pas réellement pourquoi Susan Hayward est devenue ce qu'elle est, ni pourquoi elle pourrait en guérir. La fin ne répond pas à toutes les questions. On reste donc séduit et aussi un peu déçu par ce seul film tourné par Martin Gabel, qui avait bénéficié de la production du célèbre Walter Wanger. "The lost moment" reste donc une production honorable, mais mineure de Walter Wanger. Pour ceux qui s'intéressent aux films noirs et aux productions du mari de Joan Bennett, je conseillerai plutôt, "la rue rouge" (1945).

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Ci-dessus : Robert Cummings & Susan Hayward

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Ci-dessus : Susan Hayward

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Disponible en DVD Zone 2 chez Sidonis en VO sous-titrée français

Note : 6,5 / 10