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02/05/2016

Le prodige / Pawn Sacrifice - 2014

"Le prodige" n'est pas un film simple ou que l'on a l'habitude. En effet, il nous raconte la vie du célèbre joueur d'échec américain Bobby Fischer, qui joua le match du siècle face au russe Boris Spassky, en pleine guerre froide. Le match aux allures de combat entre deux super-puissances, tourne rapidement à la guerre psychologique, entrainant Fischer et son adversaire dans une paranoïa qui ne semble pas trouver de limites. Edward Zwick, réalisateur talentueux, réalise un film tout à fait regardable, et très ambitieux, sur un sujet particulièrement difficile à traiter au cinéma. Le vrai génie de Zwick est de faire son film intéressant même pour les non-initiés aux échecs. Et surtout, il arrive à intéresser le public au personnage particulièrement torturé, de Bobbie Fischer. En effet, celui-ci était profondémment paranoïa, antisémite, et partisan d'un ordre américain particulièrement dur. Le film porté par Tobey Maguire,  Liev Schreiber, Michael Stuhlbarg, et Peter Sarsgaard, ne lasse jamais, et on s'étonne à prendre du plaisir face à l'aridité d'un sujet si bien traité. Edward Zwick a qui on doit, "Glory" (1989) ou "Légende d'automne" (1994), ou "les insurgés" (2008), se révèle encore une fois, un homme capable de tout tourner, et un très sérieux réalisateur, dans un Hollywood qui aujourd'hui n'en compte pas tant que ça.

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Ci-dessus : Tobey Maguire

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Disponible en Bluray & DVD Zone 2 en VF et VO sous-titrée

Note : 6,5 / 10

26/11/2015

Ma cousine Rachel / My cousin Rachel - 1952

J'ai eu du mal à revenir ici, car j'ai eu du mal à écrire après les attentats de Paris. Mais la vie doit reprendre son cours, ici comme ailleurs. La barbarie ne doit pas éteindre notre flamme et notre appel à la vie Nous devons nous souvenir des moments heureux de notre passé, et rêver à un monde meilleur dans le futur, où l'injustice, la violence, la bêtise, et la mort jamais ne triompheront. Pour ce faire, je vous propose de vous évader avec un DVD, "Ma cousine Rachel", édité par ESC, petit éditeur français qui gagne à être connu, à travers sa collection "Hollywood Legends" qui reprend quelques grands films de la Twentieth Century Fox. On a eu droit dernièrement à de nouveaux titres, et si quelques uns sont déjà sortis dans de luxueuses éditions américaines, d'autres sont totalement inédits et c'est bien le cas de "Ma cousine Rachel", qui arrive sur le marché français et qui est disponible sur Amazon, à la Fnac, ou chez Gibert Joseph. "Ma cousine Rachel" est un film en noir et blanc, d'Henry Koster, inspiré du roman de Daphné Du Maurier à qui on devait également, "Rebecca" ou "l'auberge de la Jamaïque".

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Etrangement, "Ma cousine Rachel" n'a pas de très bonnes critiques sur internet. Peut être, la réalisation très classique de Koster, n'a pas ému les critiques cinéphiles. Pourtant, moi je l'ai aimé, pour plusieurs raisons et tout d'abord, pour la magnifique photographie noir & blanc de Joseph LaShelle, un maître absolu, qui travaille les ombres et les clairs obscurs comme personne. Wikipédia nous renseigne d'ailleurs à son sujet, et on trouve le concernant : Joseph LaShelle, technicien réputé de la Fox, notamment pour le noir et blanc, son nom reste associé à Otto Preminger, réalisateur avec lequel il collabora six fois tout au long de sa carrière (la première, sur "Laura", lui offrira l’oscar alors qu’il était encore débutant, en 1945). Dans les années 1960, il travailla quatre fois avec Billy Wilder (pour La Garçonnière, par exemple), et deux fois avec John Ford (notamment sur son dernier film, Frontière chinoise). Ponctuellement, il assista Ernst Lubitsch, Joseph L. Mankiewicz, Raoul Walsh ou encore Richard Thorpe. Enfin, attaché à son studio, on le retrouve dans quelques films de réalisateurs "maison", considérés comme plus mineurs, tels que Henry King, Irving Pichel, Walter Lang ou John M. Stahl. On a donc à la photographie un très grand monsieur. A cela il faut ajouter deux acteurs principaux magistraux : Richard Burton alors tout jeune, et Olivia De Havilland, sans doute dans les dernières belles années de sa carrière. Enfin, il faut bien parler de l'apport d'un scénariste de renom en la personne de Nunnaly Johnson à qui l'on doit de très grands succès du cinéma hollywoodien et une collaboration avec John Ford, sur "la route du tabac" (1941). Les costumes ne sont pas non plus en reste, et la musique du génie Franz Waxman, fait aussi beaucoup pour rendre cette oeuvre baroque, gothique, étrange, mais aussi touchante et belle, et dont le souvenir nous poursuit bien après sa vision. Il faut voir et revoir "Ma cousine Rachel" ne serait-ce que pour sa photographie ou pour son étrange final qui nous laisse profondément perplexe mais tout aussi comblé. Cela tombe bien, ESC nous donne à le redécouvrir dans un master assez correct même en projection grand écran.

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Ci-dessus : Olivia De Havilland & Richard Burton

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Ci-dessus : George Dolenz, Olivia De Havilland & Richard Burton

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Ci-dessus : Olivia De Havilland & Richard Burton

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Ci-dessus : Olivia De Havilland, Audrey Dalton & Richard Burton

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Ci-dessus : Audrey Dalton & Richard Burton

Extrait de la musique de Franz Waxman :

 

La bande-annonce :

Disponible sur Amazon, en DVD zone 2 VO sous-titrée français uniquement

 

 

Note : 8 / 10

10/07/2015

Madeleine - 1950

"Madeleine" est un autre film de la période classique et de jeuness de David Lean. Le scénario est tiré d'une histoire vraie, qui se déroule à Glasgow en 1857. Et il faut bien dire qu'elle est assez incroyable pour l'époque victorienne dans laquelle elle se déroule. En effet, elle raconte l'histoire de Madeleine Smith, et de son amant français Emile L'Anglier. Madeleine et sa famille très stricte viennent habiter une nouvelle maison à Glasgow, et la chambre de Madeleine est située au sous-sol du bâtiment près de celle de la gouvernante. Et c'est dans la chambre de la gouvernante que la jeune fille va recevoir son amant. Rien d'étonnant pour notre époque, il est vrai. Mais il n'en était pas de même ni en 1857, ni en 1950 au moment du tournage du film. Ainsi, si Lean ne montre aucun corps, aucune scène de sexualité. Il n'en reste pas moins que les deux tiers du film, sont intellectuellement sexualisés à outrance. Ainsi, dès le départ, le regard mystérieux de la jeune fille qui découvre ce sous-sol, laisse supposer bien des pensées inavouables. Enfin, la rencontre des deux amants, ne laisse aucun doute sur leur relation charnelle. Le génie de Lean est qu'il arrive à faire passer tous ces messages, sans jamais dévoiler le corps de sa femme dans la vie, l'actrice Ann Todd. Ainsi, il magnifie l'ensemble en s'appuyant sur la photographie prodigieuse de Guy Green, mais aussi sur les dialogues, le scénario et les situations parfois très érotiques de cette relation amoureuse cachée.

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Je n'en dirai pas plus, pour ne pas gâcher votre plaisir de découvrir ce petit bijou pour adulte ou adolescent. Mais je n'ai pas souvenir d'avoir vu un film de cette période, si baignée d'érotisme, et pourtant dans lequel où on ne distingue ni une jambe, ni un sein ! Et pourtant, on en est pas déçu. On accroche vraiment à cette histoire et à cette belle photographie. Ann Todd est prodigieuse dans ce film, ainsi que celui qui joue le rôle de son amant, l'acteur Ivan Desny. On peut citer également Leslie Banks, qui joue le rôle de ce père, avec lequel la jeune fille ne peut communiquer. A tout cela, il faut dire quelques mots, sur la belle musique romantique du grand William Alwyn qui nous donne ici une partie de l'étendu de son talent en composant une musique symphonique et romantique au possible. Malgré tout, Lean n'a pas été totalement satisfait de son film. Et on peut le rejoindre, sur un point : le dernier tiers du film et sa fin n'apportent rien. Ceci dit, on gardera les bons points du film : histoire, acteurs, photographie, musique. Pour tout cela, ce film, "Madeleine" est une curiosité qui mérite réellement d'être sorti de l'oubli et de figurer dans les grands films du cinéma britannique.

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Ci-dessus : Ann Todd & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Todd & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Tood & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Tood & Eugene Deckers

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Ci-dessus : Ann Tood

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Ci-dessus : Ann Todd

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Ci-dessus : Ann Todd

 

Extrait de la musique :

Film disponible en VO sous-titrée français, dans le fameux coffret "David Lean, les premiers chefs d'oeuvre".

 

Note : 7,5 / 10

29/06/2015

Victoire sur la nuit / Dark Victory - 1939

Pour mes lecteurs cinéphiles, je crois qu'il est inutile de rappeler que l'année 1939 a été une grande année pour le cinéma américain. Ainsi l'année 1939 a vu la réapparition de grands westerns, comme 'la chevauchée fanstastique" de John Ford avec John Wayne, ou "le brigand bien-aimé" avec Tyrone Power. Mais l'année 1939, c'est aussi l'année des grands spectacles avec bien sûr "Autant en emporte le vent" produit par David O Selznick. On peut citer également "Quasimodo" tourné par William Dieterle. Mais 1939, est aussi une grande année pour Bette Davis. En effet, elle devait tourner également avec Goulding "The Old Maid", puis "The Private Lives of Elizabeth and Essex" sous la direction de Michael Curtiz. Ces deux films ainsi que "Victoire sur la nuit" furent trois grands succès pour Bette Davis en cette année 1939. A ces films il faut ajouter aussi "Juarez" de William Dieterle avec Paul Muni, tourné également en 1939. Mais 1939, c'est également pour Bette Davis, l'année de son deuxième Oscar de meilleur actrice reçu pour "l'insoumise" tourné un an plus tôt, et qui se voulait être le concurrent de la Warner, contre "autant en emporte le vent". "Victoire sur la nuit" est quant à lui, un drame à l'accent mélodramatique, comme on savait les faire dans les années 30. On retrouve en plus de Bette Davis, George Brent, Humphrey Bogart, Geraldine Fitzgerald et Ronald Reagan. Et si on remarque la jolie Geraldine Fitzgerald, c'est bien le couple Bette Davis / George Brent, qui monopolise l'intrigue et les meilleurs scènes.

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Le scénario est particulièrement propice à l'émotion. Ainsi, il tourmente les sentiments du public, montrant une jeune héritière insouciante touchée par une incurable tumeur au cerveau. Le film nous propose donc une histoire qui tourne autour des dernières années de vie de cette jeune femme pleine de vie. Au delà, de l'injustice de son sort, c'est bien de notre Humanité qu'il est ici question. Que ferions-nous si il nous était possible de connaître le moment de notre mort ? Comment nos relations avec les autres en serez affectées ? C'est ainsi que le magnifique scénario de Casey Robinson d'après la pièce de John Emerson Brewer Jr. et Bertram Bloch, déroule méthodiquement sa trame. Et si il y a un personnage qui n'apparaît jamais quasiment à l'écran, mais qui rode partout, c'est bien la Mort. Partout présente, dans presque chaque moment du film, et dans les esprits, elle rode à travers la maladie. Mais cette mort, est aussi le destin de l'être humain. Et le film nous explique que nous ne devons pas nous inquiéter de ce qui doit arriver. et de notre fin La grandeur de l'Homme  se doit être de dépasser sa peur de la mort et de vivre dans la joie et la dignité le moment présent. Le personnage de Bette Davis, est aussi un personnage de femme forte et indépendante, qui contraste avec les personnages féminins de nombre de mélodrames de cette époque. Ici, elle est le plus souvent indépendante. C'est peut être aussi pour ça, que "Dark Victory" est resté un éternel classique. A cela, il a été bien aidé par la splendide musique de Max Steiner, qui a fait beaucoup pour inscrire le film dans la liste des très grands films de l'année 1939, mais aussi tout simplement dans la mémoire de tous ceux qui aiment le cinéma. Comme l'a bien chanté Kim Carnes : "You won't have to think twice, She's pure as New York snow, She got Bette Davis eyes"

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Ci-dessus : George Brent & Bette Davis

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Ci-dessus : Bette Davis & Humphrey Bogart

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Ci-dessus : Bette Davis & George Brent

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Ci-dessus : Geraldine Fitzgerald, George Brent & Bette Davis

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Ci-dessus : Bette Davis

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Ci-dessus : George Brent & Geraldine Fitzgerald

 

La bande-annonce :

 

Extrait de la musique de Max Steiner :

Disponible en DVD zone 1 ou Bluray Free zone chez Warner en VO sous-titrée français (voir sur Amazon Espagne pour un prix intéressant).

 

Note : 7,5 / 10

21/06/2015

Quasimodo / The Hunchback of Notre Dame - 1939

Des milliers de films que l'on peut voir dans une vie d'homme, seuls quelques uns restent présents dans notre mémoire, comme des oeuvres mythiques et inoubliables. Incontestablement, "Quasimodo" de William Dieterle est de ceux là. Le film est évidement tiré du roman de Victor Hugo, "le bossu de Notre Dame". C'est un remake d'une version de 1923, tourné avec Lon Chainey dans le rôle titre. Cette nouvelle version, nous raconte donc une 'histoire qui se situe à la fin du Moyen-Age. Dans cette histoire, on retrouve les personnages du roman de Hugo : Quasimodo, le sonneur bossu des cloches de Notre Dame, Esméralda la belle bohémienne, aimée de tous, mais trop aimé par un homme trop frustré et dévot (Frollo), qui perd son âme à vouloir la posséder. La RKO a fait un énorme dans cette production énorme qui a coûté en 1939, 1,8 millions de dollars de l'époque. Et comme vous le savez, à cette époque, il n'y avait pas d'effets spéciaux. La recréation du bossu par les maquilleurs est donc magnifique. Et on imagine sans peine, la corvée quotidienne pour Charles Laughton et le maquilleur. Ainsi, on se rend compte que tout est parfait, et on a l'impression de voir réellement un monstre bossu. Mais ce qui est le plus bluffant, ce sont sans nulle doute, les décors somptueux, et la recréation du Paris du Moyen-Age, sur les 15 hectares du ranch de la RKO, dans  la San Fernando Valley par le célèbre décorateur Van Nest Polglase. Ainsi, on retrouve Paris de cette époque, avec ses rues sombres et au milieu Notre-Dame. Comment ont ils pu recréer cette ville sans aucun effet numérique ? Cela reste pour moi un mystère. Mais le résultat à l'écran est, en tous les cas, inoubliable. La distribution est quant à elle de très haut niveau avec dans un de ses premiers films, Maureen O'Hara qui crève littéralement l'écran du haut de sa beauté et de ses 19 ans. On doit citer évidemment Charles Laughton inoubliable bossu, mais aussi Edmond O'Brien plutôt pas mal ici, mais aussi Thomas Mitchell et Harry Davenport. Ces deux derniers se sont retrouvés la même année pour "Autant en Emporte le Vent".

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Mais "Quasimodo" n'est pas seulement marquant par ses décors, ses 3500 figurants, ses costumes ou son casting de rêve. Il est aussi marquant par une incroyable photographie et une musique bénie des Dieux d'Alfred Newman. Le film laisse donc un souvenir impérissable. Et on peut être sûr qu'il aurait raflé une pluie d'Oscars, si un des plus grands films de l'histoire du cinéma n'était pas sorti cette même année 1939 : "Autant en Emporte le vent". Je vous invite donc très fortement à vous procurer la superbe édition que la Warner a sorti en Bluray en Coffret ou en version individuel. En effet, la restauration de l'image et du son, au profit de cette édition est réellement somptueuse. Et on redécouvre le film quasiment comme si il avait été tourné hier. Vous bénéficierez enfin de quelques bonus sous-titrés en français. Vous pourrez ainsi profiter d'un des plus beaux films de l'histoire du cinéma et vous mettre vous aussi à crier : "Sanctuary !" "Sanctuary !"

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (Copie écran DVD)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Frollo (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus: Thomas Mitchell (Copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Charles Laughton & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Charles Laughton & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : "Que ne suis je de pierre moi aussi !"

 

Extrait de la musique d'Alfred Newman :

 

Montage vidéo :

Disponible en DVD & surtout dans une superbe édition Bluray zone Free, en VO sous-titrée français, totalement restaurée qui fait honneur à l'oeuvre originale. Disponible sur Amazon Espagne pour moins de 10 € (autant dire que c'est cadeau).

Note : 9,5 / 10

23/05/2015

Elmer Gantry le charlatan / Elmer Gantry - 1960

"Elmer Gantry le charlatan", est un film réalisé par Richard Brooks, en couleur et au format 1.66. Le film évoque la vie d'un évangéliste, Elmer Gantry. Le film a pour scénariste, Richard Brooks, et s'inspire d'un roman de Sinclair Lewis. Brooks arrive a donné à son personnage de charlatan (Burt Lancaster) un visage attrayant et sympathique. Et il arrive plus d'une fois à nous remuer, nous spectateur. Et on se surprend à se laisser prendre par le discours enflammé d'un Lancaster déchaîné. Certains pourront trouver qu'il en fait trop. Mais à n'en pas douter, il assure le spectacle. La vie du prêcheur est liée à soeur Sharon Falconer (Jean Simmons), qui semble totalement possédée par son rôle. Le reste de la distribution est étincelante, avec Jean Simmons, Arthur Kennedy, Dean Jagger, Shirley Jones, Patti Page et dans tout petit rôle, John McIntire. Arthur Kennedy est formidable en journaliste sceptique devant les prédicateurs et la religion. Mais de toute cette distribution, on retient surtout la superbe Shirley Jones, qui brûle l'écran en prostituée, toujours amoureuse de notre charlatan. D'ailleurs, elle devait rafler avec Burt Lancaster, un Oscar totalement mérité. La dernière partie du film, est une espèce de Sodome et Gomorrhe cinématographique, filmée dans des tons très rouges. Critique envers la religion, et ses dérives, "Elmer Gantry le charlatan", est un très grand film, qui nous montre le christianisme comme une affaire financière, où le croyant n'est qu'un pigeon. Il n'en attaque pourtant jamais le dogme et veut bien laisser au public, croire ce qu'il veut, voir même que la religion peut élever l'individu, du moment qu'elle s'est débarrassée des vautours qui s'en servent, et profitent de la misère de l'Homme. La religion rejoint en cela, la politique, dans ce qu'elle a de plus beau, de plus sublime, mais aussi de plus absurde : la croyance en un sauveur.

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Ci-dessus : Burt Lancaster

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Ci-dessus : Jean Simmons

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Ci-dessus : Arthur Kennedy

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Ci-dessus : Shirley Jones

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Ci-dessus : Burt Lancaster et à gauche (la chanteuse de Jazz Patti Page dans un petit rôle)

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Ci-dessus : Shirley Jones & Burt Lancaster

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Ci-dessus : Shirley Jones & son Oscar

Extrait :

 Disponible en DVD zone 2 en VF et VO sous-titrée

Note : 8,5 / 10

12/05/2015

Une femme dangereuse / They drive by night - 1940

"Une femme dangereuse" est un film en noir & blanc, produit par la Warner en 1940 et tourné par Raoul Walsh sur un scénario de Jerry Wald, Richard Macaulay, lui même tiré d'un roman de A.I. Bezzerides. Comme dans tous les films de Walsh, le héros joué par George Raft est en lutte contre lui même et ici contre son statut peu enviable de camionneur. Son frère joué par Humphrey Bogart semble lui aussi en proie à des tourments et à lutte intérieure contre ce statut de camionneur qui ne lui convient pas non plus, car il l'éloigne trop souvent de son foyer et de sa femme. Ainsi, comme dans de très nombreux films de Walsh, on se demande si les principaux protagonistes trouveront finalement la paix. Ainsi seul le personnage du patron, joué par Alan Hale, personnage heureux malgré sa femme, disparaîtra, comme si Walsh et les scénaristes pensaient que ce personnage pouvait être sacrifié pour le bien de l'intrigue. Ainsi le noeud de l'intrigue va se nouer et on suit les péripéties des personnages avec intérêt. En plus d'un scénario bien construit, "une femme dangereuse" bénéficie donc d'un casting exceptionnel. J'ai déjà cité, George Raft, Humphrey Bogart, et Alan Hale. Mais les stars féminines sont bien là, avec Ida Lupino et Ann Sheridan. Ida Lupino est ici probablement dans son meilleur rôle. Elle brûle littéralement l'écran et son interprétation dans la scène du procès, reste un moment de bravoure, peut être uniquement dépassé par Bogart lors d'une même scène de procès , dans "Ouragan sur le Caine" (1954). Ann Sheridan, met aussi beaucoup de conviction dans l'interprétation du personnage et ne dénote pas, dans ce casting 4 étoiles.

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Le film est assez proche du scénario de "Ville frontière" (1935), avec Bette Davis. Les critiques de l'époque, feront d'ailleurs le rapprochement et avec raison, l'éloge du jeu d'Ida Lupino. Le film obtiendra un beau succès public mérité. A noter qu'on retrouvera le couple Humphrey Bogart, et Ida Lupino, l'année suivante, dans : "la grande évasion" ou dans son titre original "High Sierra". "Une femme dangereuse" est donc un film où l'on ne s'ennuie pas. Alors venez faire un tour de camion, vous ne serez pas déçu, si vous aimez le cinéma noir & blanc.

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Ci-dessus : George Raft, Humphrey Bogart & George Tobias

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Ci-dessus : George Raft, Ann sheridan, & Humphrey Bogart

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Ci-dessus : George Raft & Ida Lupino

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Ci-dessus : Humphrey Bogart, Ann sheridan, & George Raft

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Ci-dessus : Alan Hale & George Raft

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Ci-dessus : Ida Lupino

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Ci-dessus : Ann Sheridan & George Raft

La Bande-Annonce :

Disponible en DVD zone 1 & 2 en VO sous-titrée français. Attention à noter sur le DVD zone 1, un sous-titrage français un peu minimaliste, qui ne fait pas honneur aux dialogues parfois crus des scénaristes. Excellente qualité d'image.

 Note : 7,5 / 10

07/05/2015

La voleuse de livres / The Book Thief - 2013

"La voleuse de livres" laisse une drôle d'impression. Cette histoire d'une jeune allemande illettrée qui apprend à lire et à aimer les livres en réponse à la dictature de la pensée nazie, avait tout pour réussir. En effet, elle était aidée par la formidable interprétation de la jeune canadienne Sophie Nélisse, qui à 15 ans porte littéralement le film totalement sur ses épaules, reléguant Geoffrey Rush (Pirates des Caraïbes) et Emily Watson dans d'aimables seconds rôles. Cela est d'autant plus vrai que "la voleuse de livres" est un film destiné à un public familial, voir à un jeune public. Les différentes aventures de l'héroïne sont vues à travers ses yeux, avec un narrateur principal dont on comprend qu'il représente la mort en tant que tel. Le film malgré ses qualités, a quelques erreurs, en particulier les livres ou l'abécédaire écrits tous les deux en anglais, pour faciliter la compréhension pour le public anglo-saxon. Il faut avouer que cela n'ajoute rien à la crédibilité de l'ensemble. "La voleuse de livres" reprend un peu tous les thèmes des civils pendant la guerre. On y voit une famille allemande qui a peur des nazis et qui lutte pour sa survie, tout en participant sans aucune conviction aux messes du parti. Il y a la guerre qui s'approche, les bombardements, et la cache d'un jeune juif. Malheureusement, les grands tournants du film n'apportent que peu d'émotions. La lecture dans l'abri magnifié dans un film comme "Mrs Miniver" (1942) est ici une scène comme une autre, et surtout le lien entre la lecture et la situation présente est perdue. Ainsi, on a le plus souvent l'impression de regarder une mini-série de M6, plutôt qu'un grand film de cinéma. La fin est par contre très réussie, et donne à réfléchir et à reconsidérer l'ensemble. "La voleuse de livres" qui avait tout pour réussir n'atteint donc que partiellement son but, mais mérite qu'on s'y attarde, ne serait-ce que pour le génie d'interprétation de Sophie Nélisse, qui mérite sans aucun doute, son prix de l'espoir féminin décerné par le "Critics' Choice Movie Awards". Ainsi, on aimerait vraiment, la voir dans d'autres productions, peut être plus exigeante et ambitieuse artistiquement. Elle a toutes les qualités pour devenir dans quelques années, une immense star du cinéma.

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Ci-dessus : Sophie Nélisse

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Ci-dessus : Geoffrey Rush & Sophie Nélisse

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Ci-dessus : Sophie Nélisse, Emily Watson & Geoffrey Rush

Disponible en DVD & Bluray Zone B, en VF et VO sous-titrée

Note : 6,5 / 10

28/03/2015

L'équipée sauvage / The wild one - 1953

"L'équipée sauvage" produit par Columbia Pictures, et tourné en noir & blanc, par László Benedek, est encore aujourd'hui terriblement provocateur. En effet, malgré la surenchère de violence et de sexe que nous propose très souvent le cinéma d'aujourd'hui, "l'équipée sauvage" reste encore un film violent, érotique, malsain à la résonance très moderne. Le scénario nous montre deux bandes de motards, qui envahissent une petite ville américaine. Ces derniers vont perturber la vie tranquille de cette bourgade isolée. Et finalement, plus rien ne sera comme avant pour personne. Le scénario s'inspire d'un fait réel, où en 1947, la petite ville d'Hollister, avait été envahie par 4000 motards hors la loi. Le casting regroupe Marlon Brando, qui interprète le chef du premier groupe, Lee Marvin chef du deuxième groupe de motards, et la jolie Mary Murphy, qui va subir la drague lourde de Marlon Brando pendant tout le film. Autant le dire tout de suite, le film est porté par la présence continue de Marlon Brando, qui vampirise le film et attire sur lui la caméra. Brando a une présence inquiétante, brutale, et le plus souvent silencieuse. Il n'interrompt d'ailleurs ses silences que par des phrases courtes, des bagarres, des sorties, ou le vrombissement de sa moto. Brando est comme le reflet de cette menace silencieuse, pour cette société américaine bien rangée. Lee Marvin joue son rôle de façon inverse. Il est sale bruyant et finalement assez peu dangereux. Mary Murphy, est la jeune américaine moyenne qui s'ennuie à mourir et qui est prête à tout, pour quitter cette ville qu'elle maudit. Le film est prodigieux dans sa photographie, lors de la scène où Brando fait faire un tour à Mary Murphy sur sa moto. Là, les ombres, le vent, les saules pleureurs qui défilent à toute vitesse, semblent suspendre le temps, et emmener le spectateur vers un autre monde. On peut également citer la musique intrusive de Leith Stevens ou ce titre où on voit approcher ce groupe de motards, qui apparaît tout de suite, comme une menace, pour le spectateur, dont le regard est posé comme la caméra au ras du sol. Le film est aussi devenu culte, car la légende raconte que le nom du groupe de rock "The Beatles" viendrait d'une réplique de Lee Marvin qui évoque les "Beetles", comme nom de l'ancien groupe de motards.

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Mais c'est surtout par son impact dans la culture populaire que le film est resté célèbre. En effet, les scénaristes, John Paxton et Ben Maddow, qui ce sont inspirés d'une histoire de Frank Rooney ont bien compris que l'alcool, la musique, la moto seraient le nouveau espace de liberté de la jeunesse future. Le film a fait également sensation à l'époque, où le comité de censure a exigé qu'on en supprime 20 minutes, pour accepter que le film sorte. Il a été d'ailleurs interdit pendant de longues années dans plusieurs pays. "L'équipée sauvage" est une espèce de parabole d'une partie de l'Amérique des années 50, malheureuse de sa morale puritaine Pourtant une partie de la société était pleine d'espoir suite à la fin de la deuxième guerre mondiale. L'introversion inquiétante du personnage de Brando qu'il libère dans l'alcool, la moto, les femmes, et une rébellion contre toute forme d'autorité, n'est pas limitée à son seul personnage. Ainsi, le personnage féminin joué par Mary Murphy semble vaincu, par sa bonne morale, son travail et la société. Brando et Mary Murphy semble l'un et l'autre liés, pour le pire et le meilleur, par cette phrase de Sartre : "L'enfer c'est les autres !" Même le shérif faible et débordé, ne joue plus son rôle. Tout l'intérêt du film est de nous montrer les masques des personnages tomber les uns après les autres. "L'équipée sauvage" est donc sans aucun doute, un film majeur de l'année 1953, mais aussi de l'histoire du cinéma, qui préfigure les grands changements sociétaux des années 60, constitutifs de nos sociétés actuelles adulescentes. Indispensable.

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Ci-dessus : Mary Murphy & Marlon Brando

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Ci-dessus : Mary Murphy, Robert Keith & Marlon Brando

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Ci-dessus : la bande au complet

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Ci-dessus : Sans doute la photo la plus célèbre de Marlon Brando

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Ci-dessus : Mary Murphy (photo publicitaire)

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Ci-dessus : Mary Murphy & Marlon Brando

Disponible en VF et VO sous-titrée dans une édition Bluray italien, sur Amazon ou en DVD zone 2 en France.

Note : 8,5 / 10

20/03/2015

Arènes sanglantes / Blood and Sand - 1941

"Arènes sanglantes" est un film en Technicolor, de Rouben Mamoulian  avec Tyrone Power, Linda Darnell et Rita Hayworth, dans les rôles principaux. Il est tiré d'un roman de Vicente Blasco-Ibanez publié en 1908, et c'est également un remake d’un mélodrame avec Rudolph Valentino sorti en 1922. Ce film a marqué profondément ma famille, car mon père s'en est inspiré pour peindre un tableau de torero. De plus les origines espagnoles d'une partie de ma famille, se réveillent un peu, devant un film qui célèbre du début à la fin la culture espagnole. On peut tout de suite dire, que l'on a déjà vu le trio Tyrone Power, Linda Darnell, Rouben Mamoulian. En effet, le trio avait déjà tourné, "le signe de zorro", l'année précédente. Ici, on a donc droit à un récit qui tourne autour de la vie d'un jeune torero, joué par Tyrone Power. Le récit commence dès son enfance misérable, et on voit l'enfant rêver devant une affiche de son père. Rouben Mamoulian arrive en quelques images à nous transporter de la chambre de l'enfant à un café, où les chants, les jeux, et les rires éclairent l'image. On peut noter en passant le superbe travail de Mamoulian et des deux directeurs de la photographie : Ernest Palmer, et Ray Rennahan. Rouben Mamoulian raconte à ce sujet : "Je me suis inspiré de la peinture espagnole, et en particulier de Sorolla, du Greco et de Velasquez, pour réaliser Arènes sanglantes. Ainsi, pour obtenir l’effet désiré alors que je filmais un crucifix, je le fis recouvrir de spray bleu, gris et vert. Afin que le fond restât dans l’ombre, j’utilisais également un spray qui eut pour effet d’obscurcir les zones que des raisons techniques nous obligeaient à maintenir éclairées."

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De cette histoire, où se mêle amour et tauromachie, le réalisateur arrive à tirer un film splendide, qui fait la part belle à la fière culture espagnole, mais qui sait dénoncer l'horreur de la corrida et du traitement que l'on réserve aux animaux, comme aux hommes. Ce film qui nous parle de la grandeur et de la misère du torero, nous parle aussi de nous. Car chaque être humain, s'élève pour ensuite retomber, parfois comme ici à cause d'une femme. On reste donc réellement ébloui devant ces couleurs magnifiques, cette recherche constante et ininterrompue de la perfection, mais aussi de tons colorés tellement parfaits, dans leurs agencements qui ravissent l'oeil. On est donc pas surpris d'apprendre qu'Ernest Palmer devait rafler l'Oscar de la meilleur photographie pour ce film. Mais la musique d'Alfred Newman, n'est pas non plus en reste, et s'inspire de nombreux thèmes espagnols, pour nous donner au final, un film d'une très grande qualité, que l'on oublie pas et qu'on veut revoir. Car lorsqu'on regarde un tel film, plus d'une fois, on a envie de se lever et de crier à plein poumon : Viva Espana !

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Ci-dessus : Tyrone Power

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Ci-dessus : Linda Darnell

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Ci-dessus : Rita Hayworth & Tyrone Power

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Ci-dessus : Rita Hayworth

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Ci-dessus : Linda Darnell

Disponible en Bluray sur Amazon.es (Espagne) avec une VF et VO sous-titrée anglais, autour de 9,50 €

Note : 8,5 / 10

15/03/2015

L'impitoyable / The Ruthless -1948

"L'impitoyable" est un beau film noir, tourné en indépendant par  Eagle Lion Films, et tiré de l'oubli par Sidonis. Bertrand Tavernier note dans les bonus, que le film était très peu visible, et souvent dans des copies très abîmées. Le sujet de 'l'impitoyable" n'est pas réellement celui d'un film noir, mais plus celui d'un drame. Car en réalité, il n'y a pas de femmes fatales, mais un seul homme fatal, l'anti-héros du film, Horace Vending joué par Zachary Scott. Le réalisateur Edgar George Ulmer n'est pas un des plus fameux du cinéma hollywoodien de cette époque. En effet, il a participé à de nombreuses séries B voir C, avec des décors qui bougent quand on tape sur les murs. Mais lorsqu'on lui a donnait un budget conséquent comme ici dans "l'impitoyable", il s'en tire plutôt bien. Le casting en plus de Zachary Scott, comprend Louis Hayward, Diana Lynn, Sydney Greenstreet, Lucille Bremer, et Martha Vickers. Louis Hayward on se rappelle de lui, pour sa prestation hallucinée dans "house by the river" (1950) de Fritz Lang. On remarque aussi la très belle Diana Lynn qui porte de merveilleuses toilettes et interprète ici deux rôles. On se demande bien pourquoi elle n'a jamais pu dépasser le statut de vedette. Peut être sa beauté, ne mettait pas en avant son caractère d'actrice. Elle devait arrêter en 1960 sa carrière d'actrice pour se consacrer à sa famille, et à une carrière sur le petit écran. Elle devait disparaître prématurément à l'âge de 45 ans, d'un accident cérébral massif. Donc avec elle, Martha Vickers et Lucille Bremer, on a un beau casting féminin. On peut dire aussi quelques mots sur Martha Vickers, qui avait commencé sa carrière comme modèle et cover-girl, on se rappelle d'elle aujourd'hui pour son interprétation dans "le grand sommeil" (1946) de Howard Hawks. Et pour finir sur le casting, il faut citer évidemment le grand Sidney Greenstreet, que l'on a vu dans de très nombreux films de la Warner Bros : "Casablanca" (1942), "Passage to Marseille" (1944), "les conspirateurs" (1944) ou encore "Intrigues en Orient" (1943).

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"L'impitoyable" nous raconte donc la montée au sommet d'un arriviste, dont le seul but est de posséder ce qu'il ne possède pas, et de détruire ou de laisser ce qu'il possède enfin. Sa vie n'est donc qu'une succession de réussites et d'abandons. Son immense réussite matérielle, sera une des causes de l'échec de sa vie personnelle. La dernière réplique sera d'ailleurs la plus marquante : "ce n'était pas un homme, c'était une façon de vivre !" Comme quoi sa carrière passera avant tout chose, et avant les autres. On peut regretter la complexité inutile de certains passages. Mais sinon, c'est du tout bon. Et l'on reste assez surpris et décontenancé devant cette négation de la vie du personnage principal. Le film nous explique un peu d'où vient cette attitude. Tout cela vient de l'enfance du héros, et d'un père absent, et d'une mère qui n'aime pas son fils et qui l'abandonne. Cela construit alors chez lui une incapacité à aimer les autres, et une volonté d'avoir, tout ce qu'on lui a refusé dans l'enfance. Sidonis nous donne là un très beau film, où la difficulté du sujet, n'est qu'apparente.

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Ci-dessus : Louis Hayward, Diana Lynn, et Zachary Scott

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Ci-dessus : Diana Lynn et Zachary Scott

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Ci-dessus : Sidney Greenstreet & Zachary Scott

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Ci-dessus : Sidney Greenstreet & Lucille Bremer

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Ci-desus : Diana Lynn

Disponible en DVD Zone 2 chez Sidonis en VO sous-titrée

Note : 7,5 / 10

01/03/2015

Tu seras un homme mon fils / The Eddy Duchin Story - 1956

Les biographies musicales avaient la côte dans le Hollywood des années 50. Ainsi, dans ce genre souvent dramatique ou mélodramatique, on peut citer "Pour elle un seul homme" (1957) avec Paul Newman et Ann Blyth, qui raconte l'histoire de la chanteuse Helen Morgan, ou encore "Les Pièges de la passion" (1955). "Tu seras un homme mon fils", film en Technicolor et en cinémascope, s'inscrit donc dans ce type de film, et nous raconte l'histoire du pianiste Eddy Duchin. Le titre français est particulièrement bon, car il reprend le titre éponyme, de la traduction par André Maurois, du célèbre poème de Rudyard Kipling "if". Mais il n'en reprend pas seulement le titre, mais bien tous les thèmes. Tyrone Power a ici, sans aucun doute, un de ses plus grands rôles, et sa disparition d'une crise cardiaque, 2 ans plus tard, donne aujourd'hui une force prémonitoire insoupçonnée au film. George Sidney est encore une fois particulièrement inspiré, et le réalisateur de tant de chefs-d'oeuvre hollywoodiens, des années 50, se surpasse de nouveau, pour nous donner la beauté d'un New-York immaculé, où se disputent les fêtes sans fin et le drame personnel. On ne peut parler de George Sidney, sans dire qu'il est le réalisateur du "Le Bal des sirènes" (1944) avec Esther Williams, "d'Escale à Hollywood" (1945), "les trois mousquetaires" (1948) avec Gene Kelly,  ou encore "Show Boat" (1951) ou évidemment de "Scaramouche" (1952) avec Stewart Granger.

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Tyrone Power, nous donne donc ici une très belle et très touchante interprétation, avec des scènes parfois bouleversantes. Sa compagne Kim Novak est quant à elle, pas toujours convaincante, mais apporte un charme énorme à l'ensemble. Mais la grande star du film, c'est évidemment la musique d'Eddy Duchin, qu'on ne se lasse pas d'écouter encore et encore. Je me souviens que mon père en avait le disque vinyle. Mais où peut il bien être ? Heureusement, la magie d'internet et de YouTube, nous permet de retrouver la bande originale, en quelques secondes. Pour en revenir au film, "tu seras un homme mon fils", obtiendra un grand succès public et critique, mérité. La fin montrant le passage de relai, entre le père et le fils est à elle seule particulièrement poignante. On ne pourra peut être que reprocher à l'ensemble, quelques longueurs, inhérentes à ce type de biographie. J'ai appris qu'une version Bluray allait sortir aux USA. Il serait temps qu'un éditeur français sorte ce merveilleux film de l'oubli, dans lequel il est un peu tombé et nous en donne une version restaurée en haute définition. Car "tu seras un homme mon fils" n'est pas seulement une leçon de musique ou de morale, mais aussi une leçon de vie.

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Ci-dessus : Tyrone Power & Kim Novak

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Ci-dessus : Victoria Shaw et Tyrone Power

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Ci-dessus : Tyrone Power

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Ci-dessus : Tyrone Power & Victoria Shaw

Extrait de la musique originale : 

Disponible en DVD en VF et VO sous-titrée zone 2

Note : 7,5 / 10

15/02/2015

Les fous du roi / All The King's men - 1949

"Les fous du roi" dans sa version de 1949, est très intéressant. Le film nous raconte l'ascension et la chute d'un populiste à la tête de l'état de Louisiane. Le film est librement inspiré de la vie du politicien Huey Pierce Long et reprend le roman de Robert Penn Warren. Le réalisateur Robert Rossen, avait proposé le rôle à John Wayne, qui le refusa, après avoir lu le scénario, le trouvant trop anti-patriotique. Le rôle revint donc à Broderick Crawford qui devait gagner avec ce film, l'Oscar du meilleur acteur, contre ce même John Wayne, qui lui était nominé pour "Iwo Jima". Le montage a été un vrai problème, le premier montage d'Al Clark n'était pas cohérent, et Robert Rossen fit donc appel à Robert Parrish après une version de 4H10, Parrish parvint à limiter le film à une durée raisonnable de 109 minutes. Aujourd'hui, on a bien du mal à croire que "les fous du roi" a gagné l'Oscar du meilleur film à la 22ème cérémonie des Oscars. En effet, si la prestation de Broderick Crawford est extraordinaire. Il n'en est pas de même pour les seconds rôles, comme John Ireland. En effet, John Ireland devait reprendre le rôle d'un journaliste tourmenté, et cela ne convient pas à la personnalité brute et directe d'un acteur comme Ireland, que l'on a vu plus à son aise dans des westerns comme dans "règlements de compte à ok Corral" (1957) ou dans des films d'actions comme les "55 jours de Pékin" (1963). Joan Dru et John Derek sont quasiment transparents, et seule Mercedes McCambridge s'en sort avec les honneurs. Elle s'en sortira tellement bien qu'elle recevra, l'Oscar de la meilleure actrice de second rôle. Le film est donc porté essentiellement par de Broderick Crawford et Mercedes McCambridge. Malheureusement, le spectateur ne rentre jamais, dans les méandres de cette ascension politique. Une fois n'est pas coutume, le remake de 2006 de Steven Zaillian, avec Sean Penn et Jude Law m'a semblé bien meilleur à tous points de vue.

 

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Ci-dessus : Broderick Crawford

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Ci-dessus : John Ireland

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Ci-dessus : Broderick Crawfod & John Ireland au second plan.

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Ci-dessus : Broderick Crawfod & Mercedes McCambridge et Robert Rossen à la cérémonie des Oscars

Disponible en DVD Zone 2 en VF et VO sous-titrée

Note : 6 /10

13/02/2015

La vie passionnée de Vincent Van Gogh / Lust for Life - 1956

Il y a des films qui marquent plus que d'autres. "La vie passionnée de Vincent Van Gogh" est de ceux là. Ainsi, Vincente Minnelli est ici très inspiré. Mais il est aussi aidé par deux monstres d'Hollywood : Kirk Douglas et Anthony Quinn. Kirk Douglas arrive à transfigurer son personnage, pour épouser littéralement la personnalité tourmentée de Van Gogh. De son côté Anthony Quinn est un formidable Gauguin, et recevra d'ailleurs l'Oscar du meilleur second rôle masculin pour son interprétation. Le film est tourné pour une partie sur les lieux mêmes de la vie de Van Gogh. Ainsi, la première partie, est tournée dans la région de Mons-Borinage, en Belgique. La musique tourmentée de Miklós Rózsa joue également un grand rôle, et épouse parfaitement le portrait du peintre, en magnifiant les tourments de l'artiste. Le film s'inscrit parfaitement dans une partie de l'oeuvre de Minnelli, qui nous montre l'inadaptation à la vie de certains de ses personnages. Ainsi, déjà dans "Madame Bovary" (1949), Minnelli nous montrait déjà un personnage de femme incapable de se satisfaire de sa vie de femme de médecin de campagne, obligée de vivre de rêves, et de dépenses folles. Jennifer Jones y était extraordinaire. Dans "lame de fond" (1946), on retrouvait aussi un anti-héros étrange (Robert Taylor), schizophrène qui détestait son frère. Dans une moindre mesure, on peut se demander si "les ensorcelés" (1952), ou "quinze jours ailleurs" (1962), ne traduisent pas aussi une inadaptation des personnages au monde qui les entoure.

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Porté par la réalisation sérieuse de Minnelli, par l'interprétation exceptionnelle et passionnée de Kirk Douglas, et par une musique bouleversante de Miklós Rózsa, "la vie passionnée de Vincent Van Gogh" est un chef-d'oeuvre du cinéma hollywoodien, archétype du film de peintre, qui nous parle de la vie avant de nous parler de peinture. Mais peut être aussi, "la vie passionnée de Vincent Van Gogh", laisse transparaître la mélancolie d'un Minnelli qui sent que son Hollywood est en train de disparaître. On ne saurait dire ce que Minnelli a mis de ses propres angoisses dans ce film. Le film n'en reste pas moins, comme une grande réussite du cinéma hollywoodien, dont le lyrisme mortifère a rarement été égalé depuis.

Annex - Douglas, Kirk (Lust for Life)_02C.jpg

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Disponible en Bluray chez Amazon.es à 7,50 € et chez Amazon.fr à 25,90 €, l'édition française comportant un livret sur l'exposition "Van Gogh au Borinage - Naissance d'un artiste" (68 pages).

Note : 8,5 / 10

22/11/2014

Le Charlatan / Nightmare Alley - 1947

"Le charlatan", c'est peut être un des films les moins désirés de Darryl F Zanuck. En effet, ce dernier n'avait pas particulièrement apprécié le roman de William Lindsay Gresham. Il considérait d'une part que la plupart des thèmes ne passeraient pas la censure et que le rôle titre allait détruire l'image de star de Tyrone Power, auprès du public. Pourtant, Tyrone Power voulait vraiment jouer ce rôle, qu'il considérait comme une parabole sur la star hollywoodienne. Et c'est Lana Turner avec laquelle il entretenait une liaison qui devait écrire à Darry F Zanuck pour le convaincre de laisser jouer Tyrone Power. Zanuck mis alors au travail, deux scénaristes, dont Jules Furthman, pour tenter d'adapter le roman. Dans le but d'atténuer le côté glauque de l'oeuvre, il mit sur le projet, peut être le réalisateur, le plus spécialisé dans le mélodrame romantique : Edmund Goulding. Ce dernier était connu pour ses réalisations de grands mélodrames. On peut citer le magnifique "victoire sur la nuit" (1939) avec Bette Davis, l'inoubliable "Grand Hotel" (1932) avec John Barrymore, "voyage sans retour" avec Kay Francis et William Powell,  On peut également noter qu'il avait déjà tourné avec Tyrone Power, "le fil du rasoir" (1946). Le début du film, commence assez étrangement en situant le début de l'histoire dans une fête foraine. On pense alors encore à William Powell, et à sa prestation dans "le grand Ziegfeld". Mais ce serait un contre-sens. Car finalement le film se rapproche plutôt de "Freaks" (1932) de Tod Browning.

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L'histoire est composée de 3 parties et d'une conclusion. La première partie est en quelque sorte, la mise en place, la seconde l'avancée sociale du personnage joué par Tyrone Power. La troisième partie, est sa décente vers les bas fonds. La conclusion pour moi n'est pas très claire. Le personnage est il sauver en quelque sorte par l'amour de sa femme ? On peut le supposer. Les plus pessimistes y verront la dernière humiliation du personnage, qui ne trouve que pitié dans les yeux de sa propre femme. Le casting est très bon, Tyrone Power, est entouré par une Joan Blondell vieillissante, mais terriblement convaincante, par Coleen Gray qui arrive à donner du corps à un personnage de peu d'envergure. Mais c'est surtout le personnage d'Helen Walker qui interroge. En effet, son rôle de psychiatre perverse et manipulatrice, lui va comme un gant, elle la belle intellectuelle du Hollywood de cette époque. Enfin, il faut citer au crédit du film, la magnifique photographie de Lee Garmes, sur laquelle le réalisateur, Edmund Goulding, confia s'être reposée, tout le long du film. Helen Walker, qui a un second rôle très important dans le film (le rôle de la psychiatre), devait être gravement blessée, et avoir sa carrière brisée en 1946. En effet, le 1er janvier 1946, elle devait avoir un accident de voiture avec 3 GI pris en auto-stop, et être accusée d'être ivre au volant par un des passagers. Sa carrière ne devait jamais se remettre de ce scandale. Pour revenir au "Charlatan", le film évoque presque ouvertement, les relations sexuelles, sans mariage, l'ambition, l'hypocrisie du faux dévot. Interprété par certaines critiques, comme une féroce attaque de la religion, il pourrait en être également une défense, par la mise en avant de la seule valeur qui vaille quelque chose en ce monde : l'amour sincère d'un homme et d'une femme. Au final, "le Charlatan" est un film à tiroirs, qui n'a pas fini de faire parler de lui, et qui mérite d'être vu et revu. Archétype même du film noir dramatique, il est obsédant, comme le destin de l'Homme. C'est tout dire.

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Ci-dessus : Joan Blondell

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Ci-dessus : Tyrone Power & Joan Blondell

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Ci-dessus : Coleen Gray, Joan Blondell, Tyrone Power, & Mike Mazurki

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Ci-dessus : Coleen Gray, Tyrone Power, et Helen Walker (de profil avec un porte-cigarette)

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Ci-dessus : Coleen Gray & Tyrone Power

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Ci-dessus : Coleen Gray

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Ci-dessus : Coleen Gray & Tyrone Power

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Ci-dessus : Helen Walker & Tyrone Power

 

La bande-annonce :

Film disponible en DVD Zone 2 chez Sidonis & Calysta en VO sous-titrée

Note : 7,5 / 10