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22/07/2015

Les passagers de la nuit / Dark Passage - 1947

1947, Humphrey Bogart était devenu une immense vedette. C'était bien fini le temps d'un Bogart, jouant le rôle de faire-valoir du héros, ou qui se complaisait dans le rôle de méchant de service, comme dans "la caravane héroïque" (1940) ou dans de très nombreux films de gangsters des années 30. Comme beaucoup de mes lecteurs le savent c'est surtout "Casablanca" (1942) qui a changé la donne de la carrière de Bogart, et le monde découvre alors un talent qu'il avait aperçu jusqu'alors de loin, dans quelques grands films, comme "une femme dangereuse" (1940), ou encore "la grande évasion", "le faucon maltais" (1941). Dans ces deux derniers films, Bogart assumait pleinement son statut de vedette mais pas encore d'immense star, qu'il allait devenir un an plus tard. Et donc depuis "Casablanca" (1942), Bogart enchaine les très grands films. Les plus célèbres de cette période sont évidemment, "le port de l'angoisse" (1944), "le grand sommeil" (1946) et plus tard "Key Largo" (1948), tous les trois tournés avec sa compagne à la ville, Lauren Bacall. Bogart / Bacall, est bien le couple mythique du Hollywood de cette époque. Et c'est un des rares qui a survécu à la folie du système hollywoodien. Pour en revenir, à notre film, "les passagers de la nuit", est le troisième film de Bogart avec Bacall. Il tourné en noir & blanc, par Delmer Daves pour le compte de la Warner Bros, le film est à classer dans la catégorie film noir et dans les excellents films de Delmer Daves. Delmer Daves on se souvient de lui pour ses films noirs, mais aussi pour ses westerns originaux. Ainsi, dans "la flèche brisée" (1950), il se mettait du côté des indiens, et montrait l'iniquité de la justice des blancs envers, les natifs américains. Dans "3H10 pour Yuma", il mettait en scène un scénario de film noir, dans l'univers du western. Comme souvent dans sa carrière, Delmer Daves est réalisateur des "passagers de la nuit", mais également scénariste.

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Le film est une réussite par son casting, son scénario, mais aussi de par sa réalisation incroyablement novatrice pour l'époque. Ainsi, dans ses 10 premières minutes, Daves filme en perspective en se plaçant dans la peau du personnage joué par Bogart. Le spectateur est donc scotché à son fauteuil, se demandant qu'elle va être la suite de l'histoire et que va faire le héros. Dès le départ, Daves arrive ainsi à mobiliser l'attention du spectateur. Il va avoir de nouveau recours à ce procédé dans le premier tiers du film. Ainsi, pendant 40 minutes, on ne voit jamais le visage de Bogart. Cela donne au film, un ton tout à fait particulier pour l'époque et assez unique. Et l'épisode du cauchemar de Bogart est tout aussi marquant. Mais "les passagers de la nuit", c'est aussi le tournage dans un San Francisco brumeux de 1947, qui donne au film un caractère poétique. Cette ville filmée, le plus souvent la nuit ou au petit matin, fait beaucoup pour mettre le film, bien au-dessus du lot. Daves, dans son plaisir à filmer le visage des acteurs, fait contraste à sa volonté de ne pas filmer le visage de Bogart dans le premier tiers du film. A tout cela, il faut ajouter la belle musique de Franz Waxman, aidé de Max Steiner, qui l'un et l'autre font également, beaucoup pour rendre le film marquant. "Les passagers de la nuit" est donc une très belle réussite, filmé avec beaucoup de poésie. Ce film possède encore aujourd'hui un charme fou. Il mériterait sans aucun doute, une restauration et une sortie Bluray, ne serait ce que pour son côté documentaire, et sa plongée dans le San Francisco de 1947. Parfois il m'arrive de me demander, si la Warner sait mettre en valeur les pépites qu'elle possède dans son catalogue.

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Ci-dessus : Lauren Bacall (avec Bogart que l'on doit imaginer en face d'elle)

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Ci-dessus : Bogart (au fond) et au premier plan Tom D'Andrea

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Ci-dessus : Lauren Bacall & Humphrey Bogart

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Ci-dessus : Lauren Bacall & Humphrey Bogart

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Ci-dessus : Excellent plan de Daves, qui montre la menace dans le dos de Bogart

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Ci-dessus : Agnes Moorehead (dont la personnalité perverse de son personnage est mis en valeur magnifiquement dans ce plan rapproché)

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Ci-dessus : Humphrey Bogart & Agnes Moorehead

 

La bande-annonce :

Disponible en DVD Zone 2 ou DVD zone 1 chez Warner en VO sous-titrée (je ne sais pas si il y a une VF sur le zone 2, possédant l'édition zone 1 sous-titrée français).

Note : 8 / 10

13/07/2015

Les voyages de Sullivan / Sullivan's Travels - 1941

On ne peut parler des "voyages de Sullivan" sans parler de l'époque où il a été tourné. En effet, en 1941, l'Allemagne nazie est vainqueur sur tous les fronts. Et le cinéma hollywoodien produit un cinéma souvent marqué par la propagande, voir par des idées socialistes ou communistes. On reste ainsi, assez marqué par le début du film, qui nous montre un réalisateur (Joel McCrea), expliquant que son film dans le film, est une lutte entre la misère et le Capital. Ensuite, ce même réalisateur, souhaite alors prendre l'apparence d'un pauvre et vivre parmi les pauvres, pour mieux en décrire au public la misère dans ses futures créations. On ne sait pas bien où le scénario va nous mener. Et pendant la première heure, le film navigue entre le rire et les larmes, dans une errance et des gags quelque peu factices. On ne sait pas bien où tout cela va nous mener, sinon comme l'autocar des suiveurs, dans un fossé. On retient tout de même, cet hommage muet pendant de longues minutes, qui est à n'en pas douter un hommage à Chaplin. Et puis après la première heure, le film prend un ton sérieux, et dramatique et semble réellement prendre son envol. Et les conséquences de cette négation de ce qu'il est, amène le personnage de Joel McCrea, dans un bouleversement de tout son personnage, qui ne peut revenir à son état initial, que par une révélation au monde, de ce qu'il a fait. Le retournement final est donc assez bien trouvé. Le film, s'appuie sur une réalisation sérieuse, une photographie soignée, et le bon duo personnifié par Veronika Lake et Joel McCrea. Il n'en reste, pas moins, que John Sturges, ne semble jamais trouver le ton juste, en particulier dans cette première heure, assez déroutante. Tout cela donne l'effet d'un film assez déséquilibré au niveau de sa narration, mais dont on doit retenir les vraies qualités cinématographiques. L'aveu final, sonne comme une déclaration de John Sturges lui même, qui semble dire : "Jamais on ne m'y reprendra, à réaliser des scènes dramatiques". On veut bien le croire.

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Ci-dessus : Joel McCrea & Veronika Lake

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Ci-dessus : Veronika Lake

 

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Ci-dessus : Veronika Lake & Joel McCrea

Disponible en DVD sous-titrée en français.

Note : 6,5 / 10

10/07/2015

Madeleine - 1950

"Madeleine" est un autre film de la période classique et de jeuness de David Lean. Le scénario est tiré d'une histoire vraie, qui se déroule à Glasgow en 1857. Et il faut bien dire qu'elle est assez incroyable pour l'époque victorienne dans laquelle elle se déroule. En effet, elle raconte l'histoire de Madeleine Smith, et de son amant français Emile L'Anglier. Madeleine et sa famille très stricte viennent habiter une nouvelle maison à Glasgow, et la chambre de Madeleine est située au sous-sol du bâtiment près de celle de la gouvernante. Et c'est dans la chambre de la gouvernante que la jeune fille va recevoir son amant. Rien d'étonnant pour notre époque, il est vrai. Mais il n'en était pas de même ni en 1857, ni en 1950 au moment du tournage du film. Ainsi, si Lean ne montre aucun corps, aucune scène de sexualité. Il n'en reste pas moins que les deux tiers du film, sont intellectuellement sexualisés à outrance. Ainsi, dès le départ, le regard mystérieux de la jeune fille qui découvre ce sous-sol, laisse supposer bien des pensées inavouables. Enfin, la rencontre des deux amants, ne laisse aucun doute sur leur relation charnelle. Le génie de Lean est qu'il arrive à faire passer tous ces messages, sans jamais dévoiler le corps de sa femme dans la vie, l'actrice Ann Todd. Ainsi, il magnifie l'ensemble en s'appuyant sur la photographie prodigieuse de Guy Green, mais aussi sur les dialogues, le scénario et les situations parfois très érotiques de cette relation amoureuse cachée.

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Je n'en dirai pas plus, pour ne pas gâcher votre plaisir de découvrir ce petit bijou pour adulte ou adolescent. Mais je n'ai pas souvenir d'avoir vu un film de cette période, si baignée d'érotisme, et pourtant dans lequel où on ne distingue ni une jambe, ni un sein ! Et pourtant, on en est pas déçu. On accroche vraiment à cette histoire et à cette belle photographie. Ann Todd est prodigieuse dans ce film, ainsi que celui qui joue le rôle de son amant, l'acteur Ivan Desny. On peut citer également Leslie Banks, qui joue le rôle de ce père, avec lequel la jeune fille ne peut communiquer. A tout cela, il faut dire quelques mots, sur la belle musique romantique du grand William Alwyn qui nous donne ici une partie de l'étendu de son talent en composant une musique symphonique et romantique au possible. Malgré tout, Lean n'a pas été totalement satisfait de son film. Et on peut le rejoindre, sur un point : le dernier tiers du film et sa fin n'apportent rien. Ceci dit, on gardera les bons points du film : histoire, acteurs, photographie, musique. Pour tout cela, ce film, "Madeleine" est une curiosité qui mérite réellement d'être sorti de l'oubli et de figurer dans les grands films du cinéma britannique.

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Ci-dessus : Ann Todd & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Todd & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Tood & Ivan Desny

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Ci-dessus : Ann Tood & Eugene Deckers

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Ci-dessus : Ann Tood

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Ci-dessus : Ann Todd

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Ci-dessus : Ann Todd

 

Extrait de la musique :

Film disponible en VO sous-titrée français, dans le fameux coffret "David Lean, les premiers chefs d'oeuvre".

 

Note : 7,5 / 10

04/07/2015

Brève Rencontre / Brief Encounter - 1945

Il faut absolument redécouvrir l'oeuvre de jeunesse de David Lean. En effet, cette période comporte quelques perles. Ainsi, après un film de guerre "Ceux qui servent en mer" (1942) et deux comédies "heureux mortels" (1944) et "L'Esprit s'amuse" (1945), Lean se tourne vers le mélodrame avec tout d'abord "Brève Rencontre" tourné également en 1945, puis deux films aux scénarios tirés de la littérature classique anglaise "Les Grandes Espérances" (1946), "Oliver Twist" (1948). Puis un mélodrame et un drame "les amants passionnés" (1949) et "Madeleine" (1950). "Brève rencontre" qui est un mélodrame, s'inscrit donc logiquement dans l'oeuvre de l'auteur. "Brève rencontre" est une adaptation d'une pièce de Noël Coward "Still Life" (1936), qui appartient à un groupe de dix courtes pièces connues sous le titre d’ensemble "Tonight at 8:30", et qui étaient destinées à être jouées par Noël Coward lui-même. Le film se passe essentiellement dans une gare, et raconte la brève rencontre d'un homme et d'une femme, tous les deux mariés. Cette histoire d'amour, convient tout à fait au style intimiste de Lean, dont le récit n'est perturbé que par la vie d'un buffet présent dans la gare. Le génie de Lean est de nous proposer des plans photographiés magnifiquement, qui illustrent tout aussi bien l'intimité des personnages, que la relation un peu cachée qu'ils mènent. Mais Lean, nous propose un couple normal qui n'a rien d'un couple de stars hollywoodiennes. Ainsi, Trevor Howard et Celia Johnson représentent un peu Monsieur et Madame Tout-le-monde". Cela ajoute à la crédibilité du récit. La gare est le lieu symbolique par excellence de la rencontre que ce soit entre les 2 protagonistes ou entre les différents personnages secondaires qui fréquentent le buffet. En effet, la gare amène de nombreuses personnes, qui ne s'y attardent pas, mais s'y croisent. Et la gare représente aussi, le destin des voyageurs. Combien de fois, le cinéma nous a montré des couples qui se séparent ou se retrouvent sur un quai de gare ! On ne peut évoquer ce film, sans parler de sa musique et du deuxième concerto de Rachmaninov qui illustre quelques uns des moments clés du film. Mais "Brève rencontre" est aussi, évidemment marqué par la pudeur d'une époque, qui refusait de regarder l'adultère en face. Ainsi, cela peut faire aujourd'hui sourire, mais il faut quand même dire, que le film a été interdit, lors de sa sortie, par la censure en Irlande. Il en a été de même aux Pays-Bas notamment, où il fut interdit aux moins de 18 ans, alors qu'il n'a absolument rien de pornographique. La critique quant à elle n'avait que faire de la censure, et le film partagea le grand prix du festival de Cannes et plusieurs nominations. Tout cela, était totalement mérité, et couronnait un magnifique mélodrame anglais, et un film d'une très grande qualité esthétique, tourné sans nulle doute, par un génie du cinéma.

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Ci-dessus : Trevor Howard & Celia Johnson

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Ci-dessus (de gauche à droite) : Everley Gregg, Trevor Howard & Celia Johnson

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Ci-dessus : Trevor Howard & Celia Johnson

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Ci-dessus : Trevor Howard & Celia Johnson

 

Extrait du concerto N°2 de Rachmaninov :

 Film disponible en DVD zone 2, en VO sous-titrée français, au sein du coffret "David Lean - Les premiers chefs-d'oeuvre"

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Note : 8 / 10

01/07/2015

Désirée - 1954

Le cinéma a beaucoup représenté le personnage de Napoléon que ce soit comme personnage principal ou comme personnage secondaire. On peut citer le mythique "Napoléon" d'Abel Gance tourné en 1927, avec ces 15 versions et montages différents ! Et dans la galerie des films sur l'empereur, il y a aussi "Austerlitz" (1960) du même Abel Gance, ou encore "Guerre et Paix" (1956) de King Vidor, ou une autre version de "Guerre et Paix" (1967) soviétique cette fois, de Sergueï Bondartchouk. On doit également à ce même Sergueï Bondartchouk, "Waterloo" (1970), récit de la célèbre bataille des cents jours.  "Désirée" est quant à lui, un film en Technicolor et Cinémascope produit par la Twentieth Century Fox, et tourné par Henry Koster. La version mis à disposition par l'éditeur Opening est quant à elle en Pan&Scan en dehors de son titre de début et de fin. Cela aurait pu être très destructeur pour l'oeuvre, mais ça ne l'est pas. Et cette version est tout à fait visible. Henry Koster (de son vrai nom Herman Kosterlitz), est un réalisateur allemand, qui avait fui l'Allemagne à l'arrivée des nazis, et il avait américanisé son nom comme beaucoup d'autres. "Désirée, raconte" une partie de la vie sentimentale de Désirée Clary, fiancée du tout jeune général Napoléon Bonaparte. Le film ne s'embarrasse pas beaucoup de considérations historiques. Ainsi, il y a des erreurs. Lorsque la servante de Désirée dit qu'il y a trop de guerres et parle d'un conflit avec l'Espagne, au moment du sacre de Napoléon. Or au moment du sacre de Napoléon, la France était une alliée de l'Espagne. De plus, certains aspects de la vie de Désirée sont gommés. Il n'en reste pas moins que Marlon Brando est extraordinaire en Napoléon 1er, jouant son rôle pour nous rendre un Napoléon 1er plus vrai que nature ! C'est bien simple, on dirait que l'empereur est là, à l'écran. Brando arriver d'ailleurs à jouer le jeune Bonaparte et Napoléon 1er à la fin de son règne. La performance est donc assez impressionnante. Jean Simmons est une parfaite ingénue dans son rôle de Désirée, et arrive à donner un ton très léger au film, qui lui enlève tout le caractère indigeste qu'il aurait pu avoir. Son duo avec Marlon Brando est ainsi, très bon. Brando amène toute sa présence et son incarnation du personnage historique, et Jean Simmons amène une insouciance et une légèreté toute féminine, qui font beaucoup pour rendre le film sympathique à regarder.

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Le reste du casting, est intéressant avec Merle Oberon plutôt convaincante en Joséphine, Michael Rennie pas si mal en Maréchal Bernadotte. Seul, Cameron Mitchell  semble peu ressemblant en Joseph Bonaparte. Il fait néanmoins ce qu'il peut, sans gâcher l'oeuvre. Si le budget du film est conséquent, il ne lui permet pas de retracer et reconstituer toute l'épopée napoléonienne, il se concentre donc sur quelques évènements (le sacre) et fait en sorte d'axer son histoire sur les rapports entre Désirée et Napoléon. Il n'en reste pas moins que cela donne malgré tout, un effet statique à l'oeuvre. Mais, le public n'est pas frustré, car Brando tient le film. Ceci dit, c'est vrai, on aura droit ici ni au siège de Toulon, ni à Austerlitz, ni à Waterloo ... De plus, quelques scènes représentants des extérieurs sont tournés en studio. Aujourd'hui c'est assez compliqué de les revoir avec nos yeux de spectateurs d'aujourd'hui. Le film bénéficie néanmoins de costumes admirables et d'une réalisation correcte. Et entre les costumes, Brando, la légèreté de Jean Simmons, et l'histoire mythique, il est assez facile de se laisser emporter par la légende, et de ne jamais regarder sa montre. L'éditeur Twilight Time avait sorti une version Bluray pour le marché anglo-saxon, avec une image au format Cinémascope respecté. Il serait bien qu'un éditeur français fasse de même, avant la fin de l'année 2015. Ce serait ainsi rendre hommage au plus grand homme de l'histoire de France et à peut être un des plus grands héros de l'histoire mondiale.

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Ci-dessus : A droite Napoléon 1er peint par Paul Delaroche, à droite Marlon Brando

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Ci-dessus à droite : Marlon brando en général Bonaparte

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Ci-dessus : Marlon Brando & Merle Oberon

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Ci-dessus : Jean Simmons

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Ci-dessus : l'empereur ... euh non l'acteur Marlon Brando

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Ci-dessus : Marlon Brando en Napoléon 1er

 

Extrait de la musique d'Alex North :

A voir en DVD zone 2 en VF et VO sous-titrée français. A quand un Bluray pour le marché français ?

Note : 7,5 / 10

29/06/2015

Victoire sur la nuit / Dark Victory - 1939

Pour mes lecteurs cinéphiles, je crois qu'il est inutile de rappeler que l'année 1939 a été une grande année pour le cinéma américain. Ainsi l'année 1939 a vu la réapparition de grands westerns, comme 'la chevauchée fanstastique" de John Ford avec John Wayne, ou "le brigand bien-aimé" avec Tyrone Power. Mais l'année 1939, c'est aussi l'année des grands spectacles avec bien sûr "Autant en emporte le vent" produit par David O Selznick. On peut citer également "Quasimodo" tourné par William Dieterle. Mais 1939, est aussi une grande année pour Bette Davis. En effet, elle devait tourner également avec Goulding "The Old Maid", puis "The Private Lives of Elizabeth and Essex" sous la direction de Michael Curtiz. Ces deux films ainsi que "Victoire sur la nuit" furent trois grands succès pour Bette Davis en cette année 1939. A ces films il faut ajouter aussi "Juarez" de William Dieterle avec Paul Muni, tourné également en 1939. Mais 1939, c'est également pour Bette Davis, l'année de son deuxième Oscar de meilleur actrice reçu pour "l'insoumise" tourné un an plus tôt, et qui se voulait être le concurrent de la Warner, contre "autant en emporte le vent". "Victoire sur la nuit" est quant à lui, un drame à l'accent mélodramatique, comme on savait les faire dans les années 30. On retrouve en plus de Bette Davis, George Brent, Humphrey Bogart, Geraldine Fitzgerald et Ronald Reagan. Et si on remarque la jolie Geraldine Fitzgerald, c'est bien le couple Bette Davis / George Brent, qui monopolise l'intrigue et les meilleurs scènes.

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Le scénario est particulièrement propice à l'émotion. Ainsi, il tourmente les sentiments du public, montrant une jeune héritière insouciante touchée par une incurable tumeur au cerveau. Le film nous propose donc une histoire qui tourne autour des dernières années de vie de cette jeune femme pleine de vie. Au delà, de l'injustice de son sort, c'est bien de notre Humanité qu'il est ici question. Que ferions-nous si il nous était possible de connaître le moment de notre mort ? Comment nos relations avec les autres en serez affectées ? C'est ainsi que le magnifique scénario de Casey Robinson d'après la pièce de John Emerson Brewer Jr. et Bertram Bloch, déroule méthodiquement sa trame. Et si il y a un personnage qui n'apparaît jamais quasiment à l'écran, mais qui rode partout, c'est bien la Mort. Partout présente, dans presque chaque moment du film, et dans les esprits, elle rode à travers la maladie. Mais cette mort, est aussi le destin de l'être humain. Et le film nous explique que nous ne devons pas nous inquiéter de ce qui doit arriver. et de notre fin La grandeur de l'Homme  se doit être de dépasser sa peur de la mort et de vivre dans la joie et la dignité le moment présent. Le personnage de Bette Davis, est aussi un personnage de femme forte et indépendante, qui contraste avec les personnages féminins de nombre de mélodrames de cette époque. Ici, elle est le plus souvent indépendante. C'est peut être aussi pour ça, que "Dark Victory" est resté un éternel classique. A cela, il a été bien aidé par la splendide musique de Max Steiner, qui a fait beaucoup pour inscrire le film dans la liste des très grands films de l'année 1939, mais aussi tout simplement dans la mémoire de tous ceux qui aiment le cinéma. Comme l'a bien chanté Kim Carnes : "You won't have to think twice, She's pure as New York snow, She got Bette Davis eyes"

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Ci-dessus : George Brent & Bette Davis

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Ci-dessus : Bette Davis & Humphrey Bogart

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Ci-dessus : Bette Davis & George Brent

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Ci-dessus : Geraldine Fitzgerald, George Brent & Bette Davis

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Ci-dessus : Bette Davis

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Ci-dessus : George Brent & Geraldine Fitzgerald

 

La bande-annonce :

 

Extrait de la musique de Max Steiner :

Disponible en DVD zone 1 ou Bluray Free zone chez Warner en VO sous-titrée français (voir sur Amazon Espagne pour un prix intéressant).

 

Note : 7,5 / 10

28/06/2015

Cowboy - 1958

Avec "Cowboy", Delmer Daves nous propose un sujet plus léger que "3H10 pour Yuma" tourné l'année précédente. Ainsi, Jack Lemmon arrive à mettre un peu d'humour à son personnage de pied-tendre, qui veut devenir "cowboy" pour retrouver au Mexique, une belle mexicaine. Mais la vie de cowboy n'est pas de tout repos et se relèvera parfois dramatique. Le scénario sera le dernier de Dalton Trumbo et au générique ce sera Edmund N North que l'on créditera du scénario. Malgré un sujet très différent de "3H10 pour Yuma", Delmer Daves reprendra la même équipe, avec Glenn Ford dans le rôle titre, mais aussi Richard Jaeckel dans les seconds rôles, Charles Lawton Jr à la photographie, et George Duning à la musique. Pourtant la réussite n'est pas tout à fait la même que dans "3H10 pour Yuma". En effet, la photographie paraît plus banale. On peut dire un peu pareil de la réalisation de Delmer Daves ou de la musique de George Duning moins marquante que sur la précédente oeuvre de Delmer Daves. Il n'en reste pas moins que le film reste assez marquant, de par son casting et son scénario. Ainsi, si j'ai dit que Jack Lemmon amenait parfois une touche d'humour, le film nous permet également de retrouver Brian Donlevy, à qui on aurait souhaité un rôle plus étoffé. Cela aurait aussi, permis de sortir d'une vision un peu binaire et de ce conflit entre deux hommes. "Cowboy" reste néanmoins un bon spectacle, et un film assez attachant.

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Extrait de la musique de George Duning :

Disponible en Bluray en VF et VO sous-titrée chez Carlotta

Note : 7 / 10

27/06/2015

3H10 pour Yuma / 3:10 to Yuma - 1957

1957, est une grande année du western. Ainsi, de très nombreux westerns sont tournés cette année là. On tourne beaucoup de westerns de série, certains de qualités moyennes et d'autres très bons. On peut citer dans ces petits westerns excellents : "Quantez leur dernier repaire" avec Fred MacMurray et Dorothy Malone, ou encore "Joe Dakota" avec Jock Mahoney & Luana Patten. A côté de ces westerns peu ambitieux, mais à la qualité appréciable, il y a de très grands westerns, comme "règlement de comptes à Ok Corral" de John Sturges avec le duo Burt Lancaster / Kirk Douglas. "3H10 pour Yuma" de Delmer Daves, en fait clairement  parti de ces grands westerns. Mais est-ce vraiment un western ? En effet, si l'ambiance et les paysages de l'Ouest sont bien présents, le scénario est lui beaucoup plus proche de celui d'un film noir. En effet, un misérable petit fermier (joué par Van Heflin) est témoin d'une attaque meurtrière de diligence par une bande menée par (Glenn Ford). Le personnage joué par Van Heflin va alors se retrouver en charge de ramener le chef de bande au train de 3H10 qui part pour Yuma et sa prison. Mais les complices vont l'attendre à la sortie de l'hôtel, afin de récupérer leur chef. Contrairement à la version de 2007, avec Russel Crowe et Christian Bale, ici l'action est totalement minorée. On est plus proche de la tension nerveuse et du climat angoissant du film noir. D'ailleurs la photographie de Charles Lawton Jr est plus proche de celle d'un film noir, que d'un western. En effet, Charles Lawton Jr nous donne une photographie noir & blanc très contrastée.  On notera que ce dernier sera plusieurs fois le directeur de la photographie du réalisateur Delmer Daves. Ainsi ils collaboreront tous deux, sur "Cow-boy" (1958), "l'amour à l'italienne" (1962) et sur "La Montagne des neuf Spencer" (1963). "3H10 pour Yuma" profite donc de ce climat et de cette photographie noire, pour nous donner une ambiance tendue, très particulière et que l'on retrouve finalement assez rarement sous cette forme. Il faut noter aussi la présence féminine de Felicia Farr, qui étonne par la modernité de son personnage, qui se donne sans remord à un hors-la-loi. Delmer Daves, réalisateur trop oublié aujourd'hui nous donne ici un western au carrefour du film noir, aux plans stylisés, étonnamment modernes. "3H10 pour Yuma" reste un classique inoubliable. On peut sans aucun doute remercier chaleureusement, l'éditeur Carlotta pour cette sortie bienvenue, et cette belle édition remplie de bonus.

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Ci-dessus : Glenn Ford

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Ci-dessus : Felicia Farr & Glenn Ford

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Ci-dessus : Van Heflin

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Ci-dessus : Van Heflin & Glenn Ford

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Ci-dessus : Leora Dana

 

Musique du titre par George Duning & chantée par Frankie Laine :

 

Bande-annonce :

Disponible en DVD (2002) & Bluray (2015) chez Carlotta en VF et VO sous-titrée

 

 Note : 8 / 10

21/06/2015

Quasimodo / The Hunchback of Notre Dame - 1939

Des milliers de films que l'on peut voir dans une vie d'homme, seuls quelques uns restent présents dans notre mémoire, comme des oeuvres mythiques et inoubliables. Incontestablement, "Quasimodo" de William Dieterle est de ceux là. Le film est évidement tiré du roman de Victor Hugo, "le bossu de Notre Dame". C'est un remake d'une version de 1923, tourné avec Lon Chainey dans le rôle titre. Cette nouvelle version, nous raconte donc une 'histoire qui se situe à la fin du Moyen-Age. Dans cette histoire, on retrouve les personnages du roman de Hugo : Quasimodo, le sonneur bossu des cloches de Notre Dame, Esméralda la belle bohémienne, aimée de tous, mais trop aimé par un homme trop frustré et dévot (Frollo), qui perd son âme à vouloir la posséder. La RKO a fait un énorme dans cette production énorme qui a coûté en 1939, 1,8 millions de dollars de l'époque. Et comme vous le savez, à cette époque, il n'y avait pas d'effets spéciaux. La recréation du bossu par les maquilleurs est donc magnifique. Et on imagine sans peine, la corvée quotidienne pour Charles Laughton et le maquilleur. Ainsi, on se rend compte que tout est parfait, et on a l'impression de voir réellement un monstre bossu. Mais ce qui est le plus bluffant, ce sont sans nulle doute, les décors somptueux, et la recréation du Paris du Moyen-Age, sur les 15 hectares du ranch de la RKO, dans  la San Fernando Valley par le célèbre décorateur Van Nest Polglase. Ainsi, on retrouve Paris de cette époque, avec ses rues sombres et au milieu Notre-Dame. Comment ont ils pu recréer cette ville sans aucun effet numérique ? Cela reste pour moi un mystère. Mais le résultat à l'écran est, en tous les cas, inoubliable. La distribution est quant à elle de très haut niveau avec dans un de ses premiers films, Maureen O'Hara qui crève littéralement l'écran du haut de sa beauté et de ses 19 ans. On doit citer évidemment Charles Laughton inoubliable bossu, mais aussi Edmond O'Brien plutôt pas mal ici, mais aussi Thomas Mitchell et Harry Davenport. Ces deux derniers se sont retrouvés la même année pour "Autant en Emporte le Vent".

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Mais "Quasimodo" n'est pas seulement marquant par ses décors, ses 3500 figurants, ses costumes ou son casting de rêve. Il est aussi marquant par une incroyable photographie et une musique bénie des Dieux d'Alfred Newman. Le film laisse donc un souvenir impérissable. Et on peut être sûr qu'il aurait raflé une pluie d'Oscars, si un des plus grands films de l'histoire du cinéma n'était pas sorti cette même année 1939 : "Autant en Emporte le vent". Je vous invite donc très fortement à vous procurer la superbe édition que la Warner a sorti en Bluray en Coffret ou en version individuel. En effet, la restauration de l'image et du son, au profit de cette édition est réellement somptueuse. Et on redécouvre le film quasiment comme si il avait été tourné hier. Vous bénéficierez enfin de quelques bonus sous-titrés en français. Vous pourrez ainsi profiter d'un des plus beaux films de l'histoire du cinéma et vous mettre vous aussi à crier : "Sanctuary !" "Sanctuary !"

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (Copie écran DVD)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Frollo (copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus: Thomas Mitchell (Copie d'écran issue du Bluray Warner)

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Ci-dessus : Charles Laughton & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Charles Laughton & Maureen O'Hara

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Ci-dessus : Maureen O'Hara

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Ci-dessus : "Que ne suis je de pierre moi aussi !"

 

Extrait de la musique d'Alfred Newman :

 

Montage vidéo :

Disponible en DVD & surtout dans une superbe édition Bluray zone Free, en VO sous-titrée français, totalement restaurée qui fait honneur à l'oeuvre originale. Disponible sur Amazon Espagne pour moins de 10 € (autant dire que c'est cadeau).

Note : 9,5 / 10

20/06/2015

The lost moment - 1947

Tiré d'une nouvelle de Henry James "Les Papiers d'Aspern", qui lui fut inspiré d'une histoire, sur un admirateur de Percy Shelley, "the lost moment" nous offre un film noir psychologique et quelque peu mélodramatique, à l'atmosphère gothique. Ainsi, tout est fait pour rendre le spectateur mal à l'aise avec cette histoire d'éditeur (Robert Cummings) qui se retrouve dans une vieille demeure de Venise à la recherche de lettres d'amour d'un poète. La maison est morte et vit dans le souvenir de cet être cher disparu, et par ce souvenir de l'amour de la vieille femme (jouée par Agnes Moorehead), qui y habite pour cet homme disparu. Sa jeune nièce Tina, (jouée par Susan Hayward), se prend alors pour la jeune Juliana Borderau et se crée un monde imaginaire aux confins de la folie. C'est cet aspect qui surprend le plus, dans les bonus que nous proposent Sidonis. En effet, ni Mr Patrick Brion, ni François Guérif n'évoquent cet espèce de cas clinique. Pourtant, Susan Hayward joue bien une femme atteinte d'un trouble mental, de dédoublement de la personnalité. A ce moment là, son idylle dans le film, avec Robert Cummings prend alors tout son sens, car elle nous renvoie à un autre film, "Crimes sans châtiment" (1942), produit par la Warner et réalisé par Sam Wood. En effet, dans ce dernier film, Robert Cummings tombait amoureux d'une jeune fille schizophrène jouée par une Betty Field à l'interprétation inoubliable. Le seul reproche que l'on peut faire à "the lost moment" est de ne pas vouloir finalement aller au bout de ses idées. Malgré tout le talent des acteurs, une belle photographie de Mal Mohr, l'ensemble ne respire jamais, d'une véritable émotion qui puisse élever son sujet. On ne sait pas réellement pourquoi Susan Hayward est devenue ce qu'elle est, ni pourquoi elle pourrait en guérir. La fin ne répond pas à toutes les questions. On reste donc séduit et aussi un peu déçu par ce seul film tourné par Martin Gabel, qui avait bénéficié de la production du célèbre Walter Wanger. "The lost moment" reste donc une production honorable, mais mineure de Walter Wanger. Pour ceux qui s'intéressent aux films noirs et aux productions du mari de Joan Bennett, je conseillerai plutôt, "la rue rouge" (1945).

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Ci-dessus : Robert Cummings & Susan Hayward

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Ci-dessus : Susan Hayward

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Disponible en DVD Zone 2 chez Sidonis en VO sous-titrée français

Note : 6,5 / 10

17/06/2015

Pour toi j'ai tué / Criss Cross - 1949

"Criss Cross" ou en français "pour toi j'ai tué", nous rappelle tout de suite un autre film noir, de Robert Siodmak avec Burt Lancaster, que les plus cinéphiles connaissent déjà sans doute : "les tueurs" (1946). Lancaster reprend comme dans "les tueurs", un personnage marqué par un destin auquel il ne peut échapper. La distribution est étincelante avec Yvonne De Carlo, Dan Duryea et Stephen Mc Nally. On se rappelle de Dan Duryea pour ses rôles dans d'autres films noirs, en particulier ceux de Fritz Lang, comme "la femme au portrait" ou "la rue rouge" ou pour ses multiples rôles de méchants dans d'innombrables westerns. Pour Yvonne de Carlo, je pense que les habitués de ce blog et les amateurs de western, connaissent parfaitement sa filmographie. On peut citer "les dix commandements" (1956), "le barrage de Burlington" (1948) là aussi avec Dan Duryea, "l'esclave libre" (1957) avec Clark Gable, ou encore "les démons de la liberté" (1947) avec Burt lancaster.

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Le film reprend, quelques uns des stéréotypes du film noir : femme fatale, situation impossible, figure du gangsterisme etc. Mais le film de Siodmak se distingue de son prédécesseur, par une photographie plus discrète. Enfin, l'intrigue est marquée par la relation amoureuse entre Burt Lancaster et Yvonne De Carlo, qui est un point essentiel du scénario. L'avantage est que cela ajoute un petit côté mélodramatique à l'ensemble. L'inconvénient est que cela enlève évidemment un peu de force au film. Une foi n'est pas coutume, je n'ai pas été totalement convaincu de l'interprétation de Dan Dureya, sauf dans quelques scènes majeures en particulier la dernière scène, où on aurait pas su mieux faire, où il arrive parfaitement à faire passer les différentes émotions de son personnage, en quelques secondes très marquantes. Au profit du film, on peut noter la superbe musique d'un Miklos Rozsa très inspiré et le premier rôle de Tony Curtis, absent au générique, il est vrai cantonné à de la figuration. On pourra reproché à l'ensemble quelques ellipses scénaristiques, assez mal venues. Pour le reste, ce n'est que du bon.

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Ci-dessus : Yvonne De Carlo & Burt Lancaster

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Ci-dessus : Yvonne De Carlo & Dan Duryea

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Ci-dessus : Yvonne De Carlo & Burt Lancaster

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Ci-dessus : Burt Lancaster & Stephen Mc Nally

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Ci-dessus : Yvonne De Carlo & Burt Lancaster

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Ci-dessus : Burt Lancaster

 Présentation de Bertrand Tavernier :

 

Titre original avec la musique de Miklós Rózsa :

 

Extrait :

Disponible en DVD zone 1 VO sous-titrée français. Attention le film n'est pas compatible sur une PS3. Pour une compatibilité totale, voir l'édition Zone 2 de Carlotta de 2007.

Note : 7,5 / 10

14/06/2015

Un jour à New-York / On the Town - 1949

"Un jour à New-York", est le premier film de la longue collaboration, entre Gene Kelly et Stanley Donen, mais aussi tout simplement, le premier film réalisé par ce dernier. Mais on sait aujourd'hui, que la rencontre entre Donen et Kelly ne datait pas de ce film. En effet, Donen avait assuré la choréraphie de quelques films de Gene Kelly. Ainsi, on le retrouve comme chorégraphe sur "Cover Girl" (1944) avec donc Gene Kelly et Rita Hayworth, mais aussi comme chorégraphe "d'Escale à Hollywood" (1945). Il est donc plutôt logique de le voir passer à la réalisation, sur "un jour à New-York", comédie dont Gene Kelly est la star avec Frank Sinatra. Le casting pour en revenir à lui est plutôt bon avec la très expérimentée Ann Miller, Vera-Ellen, Betty Garrett, et Jules Munshin. Betty Garrett et Jules Munshin ne feront pas une grande carrière cinématographique, mais on se souvient que Betty Garret et Gene Kelly avait déjà tourné ensemble dans "match d'amour" la même année. La carrière de Betty Garret fut brisée, car son mari fut inscrit au début des années 50, sur la liste noire du cinéma américain, pour sympathie supposée à la cause communiste. Quant à Jules Munshin, il préféra se tourner vers la scène de Broadway, après "un jour à New-York".

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Sur un scénario de Betty Comden, Adolph Green, d'après la comédie musicale "On the Town", créée à Broadway en 1944 sur un livret des mêmes Comden & Green, et une de musique  de Leonard Bernstein, "Un jour à New-York", est sans nulle doute une des plus grandes comédies musicales de la MGM. On est donc pas étonné de voir le maître de la comédie musicale hollywoodienne à la production, en la personne d'Arthur Freed. Sur cette histoire simple, de marins arrivant au port pour une permission de 24 heures, Donen nous donne pour décors New-York elle même, mais un New-York de carte postale, où la ville et les personnages semblent sortis d'un cartoon. La folie de l'ensemble dépasse largement celle "d'escale à Hollywood" (1945). Ainsi, il n'y a que dans les dessins animés ou dans "un jour à New-York" où on voit une première rencontre, conclue par un baiser en moins de 2 minutes. Il n'y a que dans ce film, où on voit une chauffeuse de Taxi proposer à un marin qu'elle connaît à peine, de monter chez elle, au moins une dizaine de fois en moins de 5 minutes. Mais tout cela se fait dans une ambiance très "Disney", où la sexualité présente en permanence, n'est qu'effleurée. "Un jour à New-York", est un hymne immortel, à la grande ville inconnue, aux nouveaux territoires féminins, à la joie de vivre, à l'amour en un mot, un hymne à la vie. Pour tout cela, pour ses décors si réalistes, mais qui éloignent sans cesse le spectateur de la réalité, "un jour à New-York" reste un sommet de la comédie musicale américaine, où très peu peuvent se vanter d'avoir fait mieux. "That's entertainment", définitivement.

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Ci-dessus : Frank Sinatra, Gene Kelly, Jules Munshin, & Betty Garrett

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Frank Sinatra & Betty Garret

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Ci-dessus : Ann Miller, Jules Munshin & son double

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Ci-dessus : Frank Sinatra, Jules Munshin & Gene Kelly

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Extrait :

 Disponible enfin en Bluray, au meilleur prix chez Amazon Espagne, en VF et VO sous-titrée, zone Free.

Note : 8,5 / 10

10/06/2015

Escale à Hollywood / Anchors aweigh - 1945

Gene Kelly a tourné 3 films ayant pour sujet des marins qui rentrent de la guerre, ou qui débarquent au port en permission. Le premier de cette série de films, est donc "Escale à Hollywood". Le réalisateur de ce film est George Sidney que l'on retrouve à la réalisation des plus grands films hollywoodiens de cette époque, avec ou sans Gene Kelly. Quand on parle de George Sidney, on peut citer quelques unes de ses comédies musicales, comme "le bal des sirènes" (1944) avec Esther Williams, "Ziegfeld Follies" (1946) avec Gene Kelly & Fred Astaire, "les demoiselles Harvey" (1946) avec Judy Garland ou encore "Show Boat" (1951). Mais il a aussi réalisé les plus beaux films d'aventures de cette époque bénie du cinéma : "les trois mousquetaires" (1948) ou encore peut être le plus célèbre film de cape et d'épée de tous les temps : "Scaramouche" (1952). "Escale à Hollywood" regroupe donc 3 stars de la MGM de l'époque, avec donc Gene Kelly, Frank Sinatra et Kathryn Grayson. Kathryn Grayson, on ne s'en souvient plus aujourd'hui, mais c'était une des plus importantes vedettes de comédie musicale des années 40 & 50. Elle avait reçu une formation de chanteuse d'opéra et avait été engagée par la MGM, pour remplacer Deanna Durbin partie à l'Universal. Elle devait jouer dans quelques unes des plus grandes comédies musicales de la MGM : "Show Boat" (1951) ou encore "embrasse moi chérie" (1953). Et elle avait déjà joué avec Gene Kelly dans "Thousands Cheer" (1943).

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Frank Sinatra qu'il n'est pas besoin de présenter, essaye de sortir de son rôle de marin simple et malchanceux avec les femmes, et de sortir de son rôle de faire-valoir de Kelly. Il s'en sort plutôt pas mal et ni l'un ni l'autre ne se marche sur les pieds. Sinatra & Kathryn Grayson dominent la partie chantée et Kelly la partie dansée. Chacun reste dans son domaine respectif. C'est peut être un peu ça le défaut du film. Les numéros individuels sont souvent peu nombreux et l'interactivité musicale et chantée trop rare entre les protagonistes. Le film est néanmoins une vraie réussite avec une scène incroyable où Gene Kelly danse avec le personnage de Jerry du dessin animée "Tom & Jerry". On sait que la MGM aurait voulu que ce soit Donald le partenaire de Gene Kelly dans cette séquence, mais Walt Disney refusa de prêter son personnage à la MGM. On ne peut parler "d'escale à Hollywood", sans évoquer le rôle important de Stanley Donen, à la chorégraphie, rôle qu'il avait déjà occupé un an plus tôt, sur "Cover Girl", également avec Gene Kelly. Quoiqu'il en soit, cette comédie a tout le charme et la classe des grandes comédies musicales, avec son lot de bouffonnerie et de malentendus. Malgré sa durée de 2H20, on ne s'ennuie pas à se replonger dans cet Hollywood de la danse du chant et de la comédie. Néanmoins, "un jour à New-York" tourné 4 ans plus tard, restera le summum de ce genre de comédie musicale, ayant pour personnages principaux des soldats ou marins en permission.

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Ci-dessus : Gene Kelly

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Ci-dessus : Gene Kelly & Frank Sinatra

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Ci-dessus : Kathryn Grayson

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Ci-dessus : Gene Kelly & Frank Sinatra

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Ci-dessus : Kathryn Grayson

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Ci-dessus : Gene Kelly & Frank Sinatra

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Ci-dessus : Gene Kelly & Frank Sinatra

Disponible en Bluray & DVD zone 2 en VF et VO sous-titrée

Note : 7,5 / 10

30/05/2015

L'Aigle des frontières / Frontier Marshal - 1939

On sous-estime encore trop souvent, l'oeuvre parlante du réalisateur Allan Dwan. En effet, réalisateur reconnu de nombreux films muets, on oublie souvent qu'il a eu une carrière bien après la fin du muet, avec quelques westerns excellents comme "Quatre étranges cavaliers" (1954) ou "tornade", également en 1954. On oublie également qu'il a été le réalisateur de "Suez" avec Tyrone Power, et de "Iwo Jima" avec John Wayne. Monsieur Bertrand Tavernier, nous raconte que Dwan n'a jamais pu percer à Hollywood, malgré ses succès et la qualité de ses réalisations, car il était antisémite. Pour ma part, je n'en sais rien. Mais il est vrai que c'est assez inexplicable qu'il n'ait jamais pu arriver à obtenir un peu de notoriété et des films plus intéressants, au vu de la qualité de certaines de ses oeuvres. Ainsi, on peut dire que "l'aigle des frontières" fait parti des bonnes surprises de la longue filmographie d'Allan Dwan. On remarque tout d'abord un très bon casting avec un Randolph Scott en redresseur de torts, John Carradine en chef de bande, mais aussi un Cesar Romero dans sous doute un de ses meilleurs rôles dramatiques. Le film est une adaptation de "règlement de comptes à Ok Corral". Les seconds rôles sont nombreux et intéressants, on peut citer Ward Bond, Lon Chaney Jr, ou encore les deux femmes de l'histoire : Nancy Kelly (âgée ici seulement de 19 ans) et Binnie Barnes.

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Mais le film ne vaut pas seulement par ses interprètes. Il faut également parler du formidable travail sur les ombres et la lumière par le directeur de la photographie, Charles G Clarke qui travaille les jeux d'ombres et de lumières, pour faire de cet étonnant western, une oeuvre plaisante à regarder. Alors, c'est vrai que le film n'a pas l'ambition du film de Ford, "la poursuite infernale" (1946) ou de "règlement de comptes à OK Corral" (1953) de John Sturges, mais il n'en reste pas moins une très bonne surprise, à la photographie très travaillée pour une durée de seulement 68 minutes ! Casting alléchant, acteurs qui jouent avec conviction, travail admirable sur la photographie, bon réalisateur, mais alors que peut on reprocher à l'aigle des frontières" ? Sans aucun doute, son manque d'ambition. Quel film aurions nous eu si on avait eu droit à 20 ou 30 minutes de plus ? On ne le saura jamais. Quoiqu'il en soit, on reste surpris par la réelle qualité cinématographique de ce film de série B de 1939. Le cinéma actuel pourrait sans aucun doute en apprendre beaucoup des artisans du passé.

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Ci-dessus : Cesar Romero

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Ci-dessus (à gauche) : Randolph Scott

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Ci-dessus : Randolph Scott & Cesar Romero

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Ci-dessus : Randolph Scott & Nancy Kelly

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Ci-dessus : Randolph Scott & Binnie Barnes

Disponible en DVD zone 2 chez Sidonis en VO sous-titrée français

Note : 7,5 / 10

29/05/2015

Les Affranchis / The Goodfellas - 1990

"Les Affranchis" est un des plus grands films tournés sur le crime organisé. Il est l'un des 8 films tournés par Martin Scorsese, avec Robert De Niro. Autant le dire tout de suite, je ne crois pas qu'il existe un mauvais film de Martin Scorsese. Et très souvent, son oeuvre est baignée par un étrange sentiment de fascination et de répulsion pour le monde de la mafia. Ainsi, que ce soit dans "Mean Streets" (1973), "les affranchis", ou encore "Casino" (1995), Scorsese est comme un poisson dans l'eau dans l'univers du crime organisé. "Les Affranchis" est sans doute la pièce maîtresse de son oeuvure sur le gangstérisme. Le film est superbe. Tout d'abord il repose sur un très bon casting, regroupant donc Robert De Niro, mais aussi Ray Liotta, Joe Pesci, et Lorraine Bracco. Et ce qui est très fort, c'est que parmi les dizaines de personnages, les moindres seconds rôles sont également excellents. Ainsi, il faut citer en tête de liste, Paul Sorvino, inoubliable en Paul Cicero ou encore Frank Vincent en Billy Batts. On pourrait multiplier ainsi les citations d'acteurs littéralement au top de leur forme.

cinema,cinéma,dvd,bluray,acteur,actrice,film,films,robert de niroCe qui surprend quand on voit "les affranchis" aujourd'hui, c'est qu'on en découvre toujours quelque chose de nouveau. La plupart des scènes sont mythiques. Et il s'appuie, sur un excellent scénario, inspiré de faits véridiques et de personnes ayant existés, qui marie le récit en voix-off et l'action. On ne peut parler des "Affranchis", sans citer la grande star du film : sa musique. En effet, la musique reprend les plus grands standards américains des années 50 à 70. Le choix est plein de perspicacité. Et je me souviens que contre toute attente, c'était une dame d'un certain âge, qui avait choisi les titres avec Scorsese, car elle avait une culture impressionnante de la musique américaine de ces années 50, 60 & 70. Je dois avouer que je reste encore choqué à chaque vision de ce film violent, pas seulement par sa violence, mais parce que c'est tout simplement un superbe film, à réserver à un public adulte. Et franchement, je ne peux m'empêcher de penser, que les pires ordures de gangsters du bon vieux temps, ils avaient quand même une autre classe que les petites frappes d'aujourd'hui.

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Extrait :

 Disponible en DVD & Bluray en VF et VO sous-titrée

Note : 10 / 10