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28/04/2014

Souvenez vous de ... Sandra Dee !

Eternelle adolescente, la belle Sandra Dee, a été un peu une Romy Schneider au destin tragique. C'est aussi dans son enfance, qu'il faut chercher sa difficulté de vivre. En effet, son fils évoqua dans ses mémoires que Sandra avait été violée par son beau-père étant enfant. L'anorexie, l'alcool, la drogue et la dépression devaient alors devenir les meilleures compagnes de Sandra Dee. Et cette jeune femme au visage d'enfant, était incapable de gérer sa vie personnelle, tenue longtemps par sa mère, elle devait être malheureuse avec son mari Bobby Darin dont elle divorça en 1967. Ce dernier disparut en 1973. Sandra Dee ne remaria jamais et devait disparaître prématurément à l'âge de 62 ans. Elle a laissé au cinéma une belle image d'elle même et quelques bons films et comédies à l'eau de rose. Et même si une chanson de "Grease" se moque d'elle et de son look de petite fille modèle qui se refusait de coucher avant le mariage, pour ma part j'aime à me souvenir d'une belle jeune fille qui ne parvint jamais à se détacher de son lourd passé et qui n'était pas ce qu'elle paraissait être. Souvenez vous de Sandra Dee ! Actrice glamour des années 60 et idole des adolescents de cette époque.

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 Filmographie : 

 1971 Ad est di Marsa Matruh
 1970 Dunwich Horror
Nancy Wagner
 1967 Les riches familles
Daphne Shaw
 1967 Doctor, You've Got to Be Kidding!
Heather Halloran
 1966 D pour danger
Amy Franklin
 1965 Chambre à part
Joan Howell
 1964 I'd Rather Be Rich
Cynthia Dulaine
 1963 Ah! Si papa savait ça
Mollie Michaelson
 1963 Tammy and the Doctor
Tambrey 'Tammy' Tyree
 1962 Un mari en laisse
Chantal Stacy
 1961 Le rendez-vous de septembre
Sandy Stevens
 1961 Les lycéennes
Tambrey 'Tammy' Tyree
 1961 Romanoff et Juliette
Juliet Moulsworth
 1960 Meurtre sans faire-part
Cathy Cabot
 1959 Ils n'ont que vingt ans...
Molly Jorgenson
 1959 Le bagarreur solitaire
Rosalie
 1959 Mirage de la vie
Susie - 16
 1959 Gidget
Francie Lawrence aka Gidget
 1959 Un étranger sur les bras
Pat Beasley
 1958 Les années merveilleuses
Melinda Grant
 1958 Qu'est-ce que maman comprend à l'amour?
Jane Broadbent
 1957 Until They Sail
Evelyn Leslie
1957 La reine des neiges

Hommage vidéo :

 

 

26/04/2014

Le bagarreur solitaire / The Wild and the Innocent - 1959

"Le bagarreur solitaire" western en couleur de Jack Sher est sans aucun doute, le genre de film qui mériterait d'être réévalué. En effet, si la critique de l'époque ou encore certaines critiques encore aujourd'hui y voient un film niais, avec la connaissance que l'on a aujourd'hui de la vie de Sandra Dee, c'est très loin d'être le cas. Ainsi, sous des aspects très communs et innocents, le film aborde en réalité des sujets très graves. Ainsi, dans le titre américain il nous dit déjà ce qu'il va se passer, "the wild and the innocent", soit en français "le sauvage et l'innocent". Et ce sont ces thèmes que le film va évoquer sous une forme et des aspects assez intelligents, pour retenir notre attention. Le scénario est pourtant simple et nous raconte l'histoire d'un jeune homme (Audie Murphy) qui a toujours vécu dans ses montagnes et qui est obligé d'aller vers la ville et la civilisation. Il y rencontre donc une jeune sauvageonne exploitée par son père, et qui est prêt à vendre sa fille (Sandra Dee) pour quelques peaux de bêtes. On sent qu'il y a sinon une relation incestueuse ou tout au moins de l'abus parental et des mauvais traitements.

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Or on sait aujourd'hui que Sandra Dee, égérie de la jeunesse dorée des années 60, poupée des comédies à l'eau de rose, a eu une enfance difficile. En effet, son fils Dodd Darin raconte dans son livre sur l'histoire de ses parents ("Dream Lovers: The Magnificent Shattered Lives of Bobby Darin and Sandra Dee"), que sa mère avait été abusée sexuellement par son beau-père Eugene Douvan, étant en enfant. Cela devait donc être un traumatisme dans la vie de cet enfant, qui toute sa vie trainera une sexualité non épanouie, des problèmes d'anorexie, mais aussi de drogue et d'alcool. Elle restera ainsi sous la coupe de sa mère pendant très longtemps. Le film fait donc un douloureux écho à l'histoire de Sandra Dee. Mais le film n'est pas seulement tenu par le duo Audie Murphy / Sandra Dee, il y a aussi Gilbert Roland et Joanne Dru. Gilbert Roland c'est évidemment le capitaine espagnol qui croise l'épée avec Errol Flynn dans "l'aigle des mers" (1940).

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 Quant au film lui même, il va se transformer progressivement et passer du genre western au mélodrame en quelques scènes. Les scènes de bal m'ont fait d'ailleurs penser à d'autres films beaucoup plus célèbres. On peut reprocher à Audie Murphy d'être un peu trop âgé pour le rôle et à Sandra Dee, d'être un peu trop jeune. Malgré tout, il y a une justesse de ton qui transcende le film et qui en fait un film beaucoup plus intelligent et sérieux qu'il n'y paraît pour des critiques peu attentives. On regrettera par contre le charcutage de l'image de la version DVD d'Universal, qui coupe honteusement le cinémascope d'origine. Ceci étant dit, le film reste pour moi une belle surprise et un des meilleurs westerns d'Audie Murphy.

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Ci-dessus : Sandra Dee, & Audie Murphy

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Ci-dessus : Sandra Dee & Gilbert Roland

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Ci-dessus : Sandra Dee, Wesley Marie Tackitt & Audie Murphy

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Ci-dessus : Gilbert Roland et Audie Murphy

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Ci-dessus : Audie Murphy & Gilbert Roland pendant une pause

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Ci-dessus : Gilbert Roland pendant une pause

Disponible en DVD zone 2 en VO sous-titrée chez Universal

Note : 7,5 / 10

25/04/2014

Les chevaliers du ciel / Captains of the clouds - 1942

"Les chevaliers du ciel" est un film produit par la Warner en 1942 et tourné par Michael Curtiz, avec dans le rôle principal James Cagney. L'héroïne féminine est ici Brenda Marshall. Brenda Marshall c'est évidemment la partenaire d'Errol Flynn dans "l'aigle des mers" (1940), tourné par le même Michael Curtiz 2 ans plus tôt. Le film a des qualités. Tout d'abord c'est le premier film en Technicolor de James Cagney. Ensuite il a été nominé 2 fois aux Oscars. Enfin, il a une distribution intéressante, car en plus de James Cagney et Brenda Marshall on retrouve Alan Hale (traditionnel faire-valoir des productions de la Warner de cette époque), mais aussi Dennis Morgan et Reginald Gardiner.

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Mais pour les qualités, c'est à peu près tout. En effet, le scénario est assez quelconque et raconte l'histoire de pilotes civils canadiens. Et après une première partie assez convaincante où l'on voit Brenda Marshall briser à peu près tous les tabous cinématographiques de l'époque, en sortant avec 3 garçons à la fois, passant du bon temps avec l'un et puis avec l'autre, quand l'un est parti.  La suite du film, est plus quelconque et n'apparaît pas très palpitante, tant l'aspect documentaire est appuyé. Enfin certaines scènes d'aviation semblent totalement faites avec des maquettes. La crédibilité du film en souffre donc quelque peu. En conséquence le verre est donc à moitié vide ou à moitié plein. Mais on ne peut pas dire que le spectateur palpite beaucoup dans ce film finalement assez convenu. Il reste malgré tout la réalisation de Curtiz et le Technicolor, et une belle musique de Max Steiner, mais on est encore loin du très bon film.

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Ci-dessus : James Cagney et Brenda Marshall

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Ci-dessus : James Cagney

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Ci-dessus : Dennis Morgan

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Ci-dessus : Alan Hale, Dennis Morgan, Brenda Marshall, et James Cagney

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Ci-dessus : Brenda Marshall et James Cagney pendant une pause

1Captain of the clouds (Les chevaliers du ciel), groupe sur le plateau. North Bay, Ontario.8.png

Ci-dessus : au premier plan, Brenda Marshall se prépare à tourner

1Captain of the clouds (Les chevaliers du ciel), une dame assise sur le plateau. North Bay, Ontario..png

Ci-dessus : Brenda Marshall pendant une pause

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Ci-dessus : Michael Curtiz à droite, Brenda Marshall et l'assistant du réalisateur ?

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Disponible en DVD zone 2 VO sous-titrée uniquement

Note : 5 / 10

24/04/2014

Hommage à Romy Schneider

Je vous offre un beau reportage sur Romy Schneider diffusé il y a 2 ans sur France 2. Une seule évidence, on n'en fait plus des stars comme elle.

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23/04/2014

La captive aux yeux clairs / The Big Sky - 1952

Aujourd'hui, je mets en avant une présentation de "la captive aux yeux clairs" (1952) par Mr Bertrand Tavernier. "La captive aux yeux clairs" est un très beau western que j'apprécie énormément. Pourtant à ma connaissance, il n'a jamais bénéficié d'une vrai restauration. Et je me souviens toujours de l'avoir vu dans une qualité plus ou moins déplorable voir catastrophique.  A ce titre la sortie en 2001, par les éditions Montparnasse, n'était vraiment pas une réussite. A l'ère de l'ultra-haute définition, du tout numérique et du Bluray. On doit donc encore se contenter d'un film difficilement regardable, car non restauré.

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Après "la rivière rouge" (1948), Howard Hawks revient donc au western en 1952, à la demande du patron de la RKO, Howard Hughes, qui cherche à donner un nouvel élan à la RKO, plutôt mal en point. Rien y fait les spectateurs ne seront pas au rendez-vous. On décida alors de couper 12 minutes, qui n'arrangèrent rien à l'insuccès public. Pourtant, le film est bourré de qualités. Adapté d'un roman de A B Guthrie, il décrivait comme dans "la rivière rouge" une première fois. Et cette fois-ci, cette première était la descente d'une rivière en pays indien. Hawks voulait initialement Robert Mitchum pour le rôle titre, mais il aura un très bon Kirk Douglas. La force du film se situe dans ses formidables scènes, et sa faiblesse dans parfois un manque de liens entre elles, et une intrigue finalement assez faible. Mais ce n'est qu'un détail au vu de la qualité d'une oeuvre malheureusement introuvable dans un master correct. A noter que c'est le premier et dernier film, d'Elizabeth Threatt qui décidera après la sortie du film, d'abandonner le mannequinat et la mode, sans donner de raison.

 

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Ci-dessus : Arthur Hunnicutt, Kirk Douglas &  Dewey Martin

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Ci-dessus : Arthur Hunnicutt, Kirk Douglas &  Dewey Martin

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Ci-dessus : Arthur Hunnicutt, Kirk Douglas, Dewey Martin & Elizabeth Threatt

La présentation de Betrand Tavernier

 

Note : 8 / 10

22/04/2014

Mariage à l'italienne / Matrimonio all'italiana - 1964

Lorsqu'on s'intéresse à "Mariage à l'italienne" on est obligé de s'intéresser à la collaboration entre le réalisateur, Vittorio De Sica et Sophia Loren. Ainsi, en 1964, Vittorio de Sica et Sophia Loren ne sont pas des nouveaux venus dans le cinéma. Sophia Loren a gagné une renommée internationale dans les films de son producteur et compagnon Carlo Ponti. Quant à Vittorio de Sica on se rappelle lui pour ses films néo-réalistes comme "Le Voleur de bicyclette" (1948), mais aussi pour être un acteur sérieux. Ainsi il apparaît auprès de Danielle Darrieux dans "Madame de .." (1953) et dans de très nombreux métrages de 1917 à 1975. Sa collaboration en tant que réalisateur de Sophia Loren commence avec "l'or de Naples" (1954), puis continue avec "La Paysanne aux pieds nus" (1960), "les Séquestrés d'Altona" (1961), et enfin un film reconnu par la critique internationale,  "Hier, aujourd'hui et demain" (1963), film également primée aux Oscars, comme meilleur film étranger et comprenant déjà le duo Sophia Loren et Marcello Mastroianni.

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"Mariage à l'italienne" sera détesté par une bonne partie de la critique de l'époque. Ainsi, Henri Agel, dira de ce film: « Plutôt que de parler d’un déclin ou même d’une panne créatrice de 1961 à 1964, nous supposerons que l’homme qui, huit ans plus tard, se révélait en pleine possession de ses moyens, a délibérément et par une sorte de masochisme amer, accepté de se laisser couler, avec une jubilation complémentaire dans le vertige de l’autodestruction : savoir qu’il donnait à ces publics et à ses distributeurs, aussi grossiers les uns que les autres, cette ration de vulgarité dégradante qui était bien tout ce qu’ils méritaient. Dès lors, on ne peut plus s’étonner de ce goût de l’ignoble et du bas qui (…) offre exactement le contraire de ce que De Sica avait presque toujours su éviter avec un tact exceptionnel. Cela peut expliquer à nos yeux (…) "Mariage à l'italienne" dont le côté déplaisant et pénible n’a pas échappé aux critiques clairvoyants. » Bien évidemment, ce n'est pas mon avis et je vais expliquer pourquoi.

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Ci-dessus : Sophia Loren

"Mariage à l'italienne" n'est pas un film "glamour". Ce n'est pas non plus  un film très sérieux. Mais derrière la comédie, le réalisateur Vittorio De Sica cache un sujet très sérieux. Ainsi, reprenant une pièce d'un auteur napolitain, Eduardo De Filippo. Ce dernier raconte l'histoire d'une rencontre entre un riche commerçant (Marcello Mastroianni) qui se rend de temps en temps dans une maison close et d'une jeune prostituée de 17 ans (Sophia Loren). L'histoire s'attarde donc sur la vie intime de la jeune femme. Si le film a parfois de la vulgarité ou des scènes crues, ce n'est jamais que pour dénoncer une réalité abjecte. Vittorio de Sica ne se complaît pas dans la vulgarité pour la vulgarité, comme le fait trop souvent le cinéma d'aujourd'hui complaisant avec notre époque décadente. Ici, la comédie n'est que le moyen qu'utilisait déjà Molière pour dénoncer les faiblesses, et les errements de son temps. Le réalisateur évite plusieurs pièges formelles. Il ne se laisse pas enfermé par la pièce, et ne fait donc pas du théâtre filmé. Ainsi, on a droit à des extérieurs intéressants à plus d'un titre. Mais malgré tout, le film n'est pas un film de réalisateur, mais un film d'acteurs et d'un duo d'acteurs magistrales : Sophia Loren & Marcello Mastroianni.

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Ci-dessus : Sophia Loren & Marcello Mastroianni

On est donc autant subjugué par ce duo d'acteurs exceptionnels, autant que par la dénonciation d'une société italienne des années 40, 50, et 60 qui permettait encore l'exploitation du corps de la femme pour le seul profit et plaisir de l'homme. On puise donc encore ici au source du mélodrame. Et si la forme et le ton sont modernes on sent que le sujet est classique. La femme n'est pas moteur de sa perte, mais encore le jouet de l'homme. Mais le film touche au sublime dans sa conclusion. En effet, lorsque le séducteur aura vieilli, le monde et sa vie lui échapperont ainsi que les femmes, car si lui n'a pas changé, la société elle aura changé. Il ne lui restera que ce sentiment d'avoir raté une partie de sa vie et une solution ultime à une vie de plaisir. Mais je vous laisse le découvrir. On est donc touché par ce destin de femme en lutte pour sa survie et celles des siens, dans une société dangereusement bourgeoise et perverse. Vittorio de Sica semble donc clôutrer par ce film le mélodrame classique et chercher une sortie à ce genre. Mais en 1964, il ne pouvait pas imaginer que la femme deviendrait un être libéré des traditions. La fin de "mariage à l'italienne" est donc un compromis, qui reste malgré tout encore aujourd'hui, tout simplement génial. C'est en cela et par sa conclusion que "Mariage à l'italienne" est un immortel classique du cinéma qui mérite toutes les louanges. A noter que le duo Sophia Loren et Marcello Mastroianni se retrouveront plusieurs fois après "Mariage à l'italienne", et en particulier en 1977, pour "une journée particulière" d'Ettore Scola.

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Disponible en DVD VF et VO sous-titrée (mais il faut préférer la version italienne pour profiter réellement du ton de l'oeuvre).

Note : 8,5 / 10

21/04/2014

Lettre d'une inconnue / Letter from an Unknown Woman - 1948

"Lettre d'une inconnue" est le deuxième film américain de Max Ophüls. Le film est tiré du célèbre roman de Stefan Zweig. Le film a beaucoup de qualités. Il est admirablement filmé par Ophüls, qui arrive à donner de la vie à une histoire finalement binaire entre 2 personnages principaux : Lisa Berndle (Joan Fontaine) et Stefan Brand (Louis Jourdan). En même temps, les scénaristes et Ophüls insistent sur le côté littéraire de l'oeuvre, donnant de temps en temps de longues citations du roman de Zweig. Mais comment pourrait il en être autrement, le but étant de nous faire rentrer dans un roman dont le sujet explore les coeurs et les âmes des personnages. Cette bonne volonté de coller au roman, alourdi malgré tout le récit. Mais lorsque ce parti pris est accepté, on profite alors pleinement du film.

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Ce qui marque le plus dans la réalisation d'Ophüls, c'est sa volonté de représenter Joan Fontaine du début à la fin de son histoire. Lorsque l'histoire commence il aurait pu prendre une jeune fille de 12 ou 15 ans, mais il préfère prendre Joan Fontaine habillée en vêtements d'enfant. Ce qui peut choquer ou surprendre au premier abord, n'est en fait que la représentation du personnage au moment où il raconte cette histoire. Mais ce qui fait la grande force du film, c'est l'incroyable beauté intemporelle de l'histoire, qui nous raconte l'étrange incommunicabilité qu'il peut exister entre certains êtres exceptionnels, et que l'amour n'est pas forcément rayonnant en plein soleil pour eux, mais parfois sombre et caché dans les replis du coeur. En cela, "lettre d'une inconnue" est exceptionnelle. Ophüls donne autant une leçon de cinéma, qu'une leçon de vie tout court et force le spectateur à s'interroger sur lui même, sur son propre rapport avec les autres, sa sexualité, mais aussi sur sa fin. En cela, ce film mérite toutes les éloges. Et vous qui êtes en train de lire ces lignes, lorsque vous aurez vu "lettre d'une inconnue" peut être vous vous demanderez, si quelque part en secret, il y a une personne qui en ce moment vous aime, et dont vous ignorez l'existence ? Drame ou misère humaine, le sujet était évidemment un formidable scénario pour un drame dont le cinéma aurait eu tort de ne pas s'emparer.

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Ci-dessus : Louis Jourdan et son domestique

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Ci-dessus : Joan Fontaine (à droite)

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Ci-dessus : Joan Fontaine

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Ci-dessus : Louis Jourdan et Joan Fontaine

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Ci-dessus : Louis Jourdan et Joan Fontaine

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Ci-dessus : Joan Fontaine

Extrait :

 

Disponibile en Bluray Zone 2 en VO sous-titrée en français dans un très beau master, chez Carlotta.

Note : 7,5 / 10

18/04/2014

Captaine de Castille / Captain from Castille - 1947

"Captaine de Castille" réalisé en Technicolor, fait parti de toute la série de films que Tyrone Power et Henry King ont tourné ensemble. Cette collaboration avait commencé en 1936 avec le tournage du "pacte". Puis, il s'était retrouvé l'année suivante pour "l'incendie de Chicago" (1937), en 1941 pour "un yankee dans la RAF", et enfin pour "le cygne noir" en 1942. Henry King allait ainsi au fil des années devenir le réalisateur préféré de Tyrone Power. Ici on retrouve dans "Capitaine de Castille" Tyrone Power dans des aventures exotiques, qui l'amèneront à rejoindre l'expédition mexicaine de Hernan Cortés. Le film bénéficie d'un casting impressionnant avec donc en plus de Tyrone Power, Jean Peters, Cesar Romero, mais aussi Lee J. Cobb  et Antonio Moreno. Pour la petite histoire, Jean Peters allait devenir évidemment la femme de Howard Hughes en 1954, et Audie Murphy raconte dans ses mémoires qu'il avait eut une relation avec elle en 1946, avant qu'elle rencontre Howard Hughes. On peut également noter que "Capitaine de Castille" est le premier film de Jean Peters qui remplace ici Linda Darnell, initialement prévue. Cesar Romero est quant à lui parfait dans le rôle du conquistador espagnol, Cortez.

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Le film est découpé en deux grandes parties : Espagne et Mexique, la partie courte sur Cuba n'étant qu'une transition. Le film a beaucoup de qualités, tout d'abord scénaristique et dans sa réalisation par Henry King, qui sait utiliser à merveilles toutes les facettes du Technicolor, jouant énormément sur la lumière. King bénéficie également d'un plus sur sa production assez inatendu. En effet, le film est tourné au Mexique, sur les lieux mêmes de l'expédition et une irruption volcanique a lieu, ce qui donne des ciels changeants assez étranges et remarquables. Le film bénéficie aussi d'une musique très forte d'Alfred Newman, que je trouve pour ma part un peu pompier. Néanmoins, elle devait être appréciée en devenant la première bande originale disponible chez les disquaires. Mais que retenir de ce "Capitaine de Castille". On est impressionné par la réalisation, le casting, les costumes. Mais on reste malgré tout sur notre faim. Après 2H10, les desserts ne sont toujours pas arrivés. Le scénario ne fait pas affronter les Indiens et les Espagnols et on sort donc un peu frustré. Mais peut être était il impossible en 1947 de montrer le massacre des Indiens par des blancs. Le film est donc plaisant à voir, mais semble parfois vouloir éviter les écueils qui ne ferait pas de lui, un spectacle tout public. Cela lui enlève donc une certaine force, que les fabuleux plans extérieurs de King tentent de compenser.

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Ci-dessus : Tyrone Power

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Ci-dessus : Jean Peters

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Ci-dessus : Tyrone Power en duel contre

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Ci-dessus : Henrry King, Tyrone Power et Jean Peters

 

La musique d'Alfred Newman :

Disponible en DVD zone 2 VF et VO sous-titrée

Note : 7 / 10

14/04/2014

Hommage au cinéma classique !

Bertrand Tavernier a dit qu'un bon film n'est pas forcément classique, mais qu'il peut avoir tous les qualificatifs. Finalement il a raison. Quand on regarde la vidéo ci-dessous, on ne peut qu'être marqué par la fascination qu'exerce le cinéma quelque soit son époque. Il y a une extraordinaire magie dans l'image filmée, surtout lorsqu'elle est filmée par des génies. Le cinéma n'attend que vous ! Notre devoir à nous cinéphiles est de faire vivre un cinéma qui n'est plus d'actualités, mais dont les prochaines générations devront s'emparer. Ce blog est aussi là pour ça.

 

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13/04/2014

Othello / A double life - 1947

"Othello" ou dans son titre américain "a double life" est particulitèrement troublant. En effet, cette oeuvre de Georges Cukor est assez déroutante et nous entraine finalement dans les troubles psychiatriques que peut entrainer le métier d'acteur. Cukor avait déjà visité la folie ou tout au moins un mauvais discernement du réel, dans "hantise" (1944) avec Charles Boyer et Ingrid Bergman. Ici, Cukor va prendre la pièce de Shakespeare, "Othello" pour montrer le dédoublement de la personnalité d'un acteur (joué par Ronald Colman) qui devient petit à petit obsédé par son rôle, et devient fou. Le génie de Cukor est de montrer les deux univers du théâtre et de la vie de l'acteur, se mêlant, petit à petit pour ne faire qu'un. La pièce devient alors le creuset de destruction de l'univers de l'acteur et sa propre destruction.

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Le scénario est original, mais il manque malheureusement de crédibilité. Et on a peine à croire qu'un grand acteur de théâtre ne soit plus capable de faire la différence entre sa vie théâtrale et sa vie privée. Enfin, le scénario n'évite malheureusement pas les redites, et les lourdeurs. Par contre Cukor arrive de temps en temps à faire preuve de génie dans sa réalisation. Ainsi, lorsque Ronald Colman raconte le montage de la pièce, jusqu'à la première, cette séquence reste très moderne et nous fait passer de différents lieux et espaces temps en quelques secondes, donnant un caractère particulièrement novateur à l'oeuvre. Malheureusement ce type de séquences reste une exception et l'oeuvre souffre de séquences scénaristiques finalement assez répétitives. Par contre, la musique de  Miklos Rozsa reste comme d'habitude excellente et relève le niveau d'ensemble, d'un film qui ne laisse pas indifférent. On retiendra également, la superbe interprétation de Ronald Colman qui lui vaudra un Oscar, et la très bonne composition de Shelley Winters, en serveuse un peu paumée.

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Ci-dessus : Signe Hasso et Ronald Colman

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Ci-dessus : Shelley Winters et Ronald Colman. On peut noter sur cette image, le rapport de domination entre elle et lui, qui va s'inverser à mesure que Colman va identifier sa vie à celle d'Othello.

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Ci-dessus : Le rapport commence à s'inverser. Si Colman est assis. Il semble satisfait de ce qu'il regarde et Shelley Winters semble vouloir le séduire.

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Ci-dessus : Les deux protagonistes sont assis. Le regard est irrémédiablement attiré par les mains de Colman qui vont être le dénouement final de la relation entre les deux personnages.

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Ci-dessus : Rolnad Colman et Signe Hasso

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Extrait de la musique de Miklós Rózsa :

Film disponible en DVD Zone 2 chez Wild Side en VO sous-titrée (à noter une belle qualité d'image du Master).

Note : 7 / 10

12/04/2014

L'enfer des hommes / To Hell and Back - 1955

"L'enfer des hommes" est le film qui retrace l'histoire du sergent Audie Murphy, joué par ... Audie Murphy ! Rien que le concept est assez savoureux pour attirer l'attention. Ainsi, on voit notre héros dans sa ferme natale, s'occuper de sa mère et de ses frères et soeurs et livrant un combat pour nourrir sa famille dès l'âge de 12 ans. Le récit est donc très hagiographique. Mais si parfois il peut faire sourire, il ne tombe jamais dans le comique involontaire et ne se prend jamais vraiment au sérieux. Cela donne donc un ton particulier à ce film de guerre. Le film est tiré du récit autobiographique d'Audie Murphy "To Hell and Back". Celui-ci ne voulait pas au départ interpréter son propre rôle, suggérant de prendre Tony Curtis, avec qui il avait travaillé sur d'autres films. Finalement, Audie Murphy devait accepter sous la pression du réalisateur Jesse Hibbs et du producteur Aaron Rosenberg. Audie Murphy obtenait par contrat 10% des recettes du film, 100 000 dollars pour sa future interprétation, et 25 000 dollars pour l'achat des droits de son livre. Le pari devait se révéler gagnant pour Audie Murphy, qui devait empocher 1 million de dollars de recettes, le film étant un énorme succès public en 1955.

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Quant au film lui même, il raconte la seconde guerre mondiale du point de vue, d'un GI et c'est évidemment ce qui fait sa force. Enfin, il a des scènes de guerre assez saisissante, mais qui n'arrive pas à concurrencer des films plus récents ou des films de la même époque comme "la gloire ou la peur" (1959) avec Gregory Peck. L'ensemble reste néanmoins plaisant à regarder et on se prend d'admiration pour ce garçon ordinaire, sorti de nul part et devenu le plus grand héros de guerre américain, sorte d'anti Rambo des années 50. Par contre, le film n'aborde pas son retour au pays, ni les angoisses traumatiques du combat. Il faudra attendre les années 60 pour que ce thème soit abordé dans le cinéma américain.

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La bande-annonce :

disponible en DVD zone 2 VF ou VO sous-titrée

Note : 6,5  / 10

10/04/2014

Universal 100 ans - Présentation par Jean-François Rauger

Universal avait la particularité, pendant la grand époque d'Hollywood, d'être le paradis des producteurs. En effet, il n'y avait pas forcément un patron charismatique, ni souvent des réalisateurs très connus. Mais les films de l'Universal était pourtant connu pour leurs qualités à très faibles coûts et rentables et d'oeuvres plus ambitieuses. On peut d'ailleurs noter ici, le grand nombre de films de l'Universal chroniqués ici.

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La présentation de Jean-François Rauger :

 

 

06/04/2014

Jane Eyre - 1943

"Jane Eyre" de Robert Stevenson est peut être un des films les plus baroques et gothiques de la Twentieth Century Fox des années 40. Le film est évidemment tiré du roman de Charlotte Brontë, largement autobiographique. David O’Selznick avait idée de produire ce roman, mais comme il a déjà produit "Rebecca" (1940), il renonce à se lancer dans cette adaptation qu'il cède à la Fox. Le réalisateur anglais Robert Stevenson, est arrivé à Hollywood en 1939. L'année précédente il a tourné un petit film de propagande, "Jeanne de Paris" (1942) avec Paul Henreid et Michèle Morgan, assez insignifiant, il faut bien le dire. Plus tard dans sa carrière, il devait tourner, 19 films pour les studios Disney, dont "Marry Poppins" (1964). Et à la vue de sa filmographie, on peut considérer que ce "Jane Eyre" est bien le meilleur film de Robert Stevenson. En effet, il peut s'appuyer sur un fabuleux qui regroupe, Orson Welles, Joan Fontaine, mais aussi Elizabeth Taylor enfant alors âgée de 12 ans, mais aussi pour les connaisseurs des seconds rôles hollywoodiens : Henry Daniell et Agnes Moorehead.

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De ce très bon casting, Stevenson va entirer le maximum, en s'appuyant sur l'exubérante photographie noir & blanc, d'un grand maître du noir & blanc George Barnes, qui a fait dans cette oeuvre, un incroyable travail sur la lumière et sur les ombres. Ainsi, le directeur de la photographie, George Barnes arrive à faire ressortir les expressions du visage de chaque personnage et à donner un aspect étrangement gothique à tout le film. La réalisation est donc propre à remuer le spectateur. Mais à ceci il faut ajouter également la magnifique de Bernard Herrmann dont le style convient tout à fait au genre du film. "Jane Eyre" est donc une oeuvre portée par une grâce dont la forme et le scénario sont l'aboutissement. Il n'y a donc rien à reprocher à ce film, au ton assez peu courant pour son époque. Il faut donc remercier chaudement l'éditeur RIMINI EDITIONS, pour cette sortie de première importance et souhaiter que cet éditeur sorte très rapidement d'autres chefs-d'oeuvre du cinéma injustement oubliés."Jane Eyre" laisse donc une marque dans le coeur de chaque spectateur, et nous parle à tous, de tout ce que nous voulons cacher de nos vies à ceux que nous aimons.

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Ci-dessus : Elizabeth Taylor enfant

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Ci-dessus : Joan Fontaine

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Ci-dessus : Orson Welles et Joan Fontaine

 

Extrait de la musique de Bernard Herrmann :

 

La bande-annonce :

Film disponible en DVD zone 2 (version française et Vo sous-titrée) chez Rimini Editions (qualité d'image correcte, mais on aurait aimé un meilleur master).

Note : 9 / 10

05/04/2014

Horizons lointains / Far and Away - 1992

Je dois vous avouer que j'attendais depuis très longtemps la sortie de "horizons lointains" en Bluray. J'avais plusieurs raisons à cela. Tout d'abord j'ai une énorme admiration pour le réalisateur Ron Howard, qui a donné à Hollywood pas mal de  très bons films : "Backdraft" (1990), Apollo 13 (1995), Un homme d'exception (2005) et le très récent "Rush" (2013). De plus, "horizons lointains" est un film d'aventure ambitieux, genre également en voie de disparition dans la globale morosité artistique actuelle du cinéma américain. Et puis, on peut revoir à l'écran le très beau couple Tom Cruise / Nicole Kidman. Et c'est vraiment un plaisir de les revoir à l'écran s'entredéchirer et s'aimer. Ils ne sont pas loin d'être le couple le plus romantique des 20 dernières années. Vous, je ne sais pas, mais moi je ne me suis jamais remis de leur divorce. Enfin quand le film est sorti j'avais 19 ans, et cela me rappelle pas mal de bons souvenirs de cette époque. Sinon pour en revenir au film, on retrouve aussi de très bons seconds rôles. Le scénario est un peu mélodramatique, mais l'humour permet de ne pas rendre le film trop sérieux et en fait un divertissement pour toute la famille.

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Au talent du réalisateur, il faut aussi ajouter, au crédit du film, la fabuleuse musique de John Williams, visiblement très inspiré par les mélodies irlandaises. Les 134 minutes passent donc très vites et on est littéralement transporté par la beauté de Nicole Kidman et je suppose que les spectatrices doivent l'être par celle de Tom Cruise. En résumé, voilà du cinéma qui me plaît bien : grandiose, bien filmé, romantique, violent, avec des vrais gens et des vrais sentiments. On en redemande. Espérons qu'Hollywood réunira Tom Cruise et Nicole Kidman au moins à l'écran, comme il avait su réunir le couple Leonardo DiCaprio / Kate Winslet Quand on les voit à l'écran, on ne peut s'empêcher de se dire qu'ensemble ils sont superbes. Il y a entre eux une formidable alchimie. On se dit que personne ne peut mentir à la caméra comme ça ! Du très beau cinéma.

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Ci-dessus : Nicole Kidman

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Ci-dessus : Tom Cruise

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Ci-dessus : Nicole Kidman & Tom Cruise

 

La bande-annonce :

 

La musique du film :

Disponible en DVD zone 2 et en Bluray Freezone (VF et VO sous-titrée anglais sur le Bluray)

 

Note: 8,5 / 10

04/04/2014

Une balle signée X / No Name on the Bullet - 1959

Il faudra un jour redécouvrir le travail du réalisateur Jack Arnold, spécialisé dans les séries B de qualité. En effet, en plus de la réalisation de nombreux westerns, comme "une balle signée X", il a touché à presque tous les genres. On peut citer parmi ces genres, le film noir,"le salaire du diable" (1957), excellent film avec Orson Welles et Jeff Chandler, mais surtout de nombreux films de science-fiction, comme "l'étrange créature du lac noir" (1954), et même des comédies. J'ai revu dernièrement "Crépuscule sanglant" (1955) du même Jack Arnold, avec Rory Calhoun, et c'est un très honnête western. Pour revenir à "une balle signée X", le casting comprend donc Audie Murphy, Joan Evans, Charles Drake et Virginia Grey qui n'est ici, plus que l'ombre d'elle même. Le film a un scénario fort bien construit, dont le thème est peu banal dans le western. Ainsi, l'anti-héros Audie Murphy arrive dans une petite ville, avec une réputation de tueur. Donc, les habitants vont rapidement craindre qu'il vienne pour éliminer quelqu'un. Chacun va donc se demander qui peut bien lui en vouloir et commencer à soupçonner son voisin. Le thème est peu banal, car en général dans le western les conflits sont connus, dès le début. Ici il faudra attendre, la toute fin, pour comprendre la raison de la venue d'Audie Murphy.

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Le scénario est donc excellent car la venue de ce tueur enlève le masque de la bienséance à cette petite ville, qui va commencer à s'entredéchirer.  Le scénario de Gene L. Coon, et de Howard Amacker, permet également d'aborder des thèmes peu abordés traditionnellement comme la signification de la vie et de la mort. Ce western se situe donc clairement au dessus du lot de petits westerns que l'Universal avait l'habitude de produire dans les années 50. On a un mélange de suspense, de tensions psychologiques et presque de films noirs assez inhabituels pour intéresser et marquer les esprits, les plus réfractaires. On se rend compte également qu'Audie Murphy est capable de camper un rôle d'anti-héros à des antipodes de ses personnages de gentils qu'il a souvent interprétés. "Une balle signée X" est donc un très bon western, qui mérite d'être découvert.

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Ci-dessus : Audie Murphy

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Ci-dessus : Joan Evans et Audie Murphy

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Ci-dessus : Joan Evans et Audie Murphy

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Ci-dessus : Joan Evans

Disponible en DVD Zone 2 en VF et VO sous-titrée (chez MFP).

 

Note : 7 / 10